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Las furias

Año: 2019
Origen: Argentina
Dirección: Tamae Garateguy
Guión: Diego Fleischer
Intérpretes: Guadalupe Docampo, Nicolás Goldschmidt, Daniel Aráoz, Juan Palomino, Susana Varela
Fotografía: Pigu Gomez
Música: Sami Buccella
Edición: Catalina Rincón
Duración: 70 minutos

“Como en un sueño, pasó la india a caballo. Se tiró al suelo y bebió la sangre caliente. No sé si lo hizo porque ya no podía obrar de otro modo, o como un desafío y un signo”

Jorge Luis Borges, “Historia del guerrero y la cautiva”, El Aleph, 1949.

Una cautiva que anda suelta. Por más tentador que sea describirla como la historia criolla de Romeo y Julieta, el primer tiempo de Las Furias está más cerca de una versión con sed de venganza de Bonnie and Clyde. Y lo cierto es que una vez que avanza el relato, ya no importa el amor romántico de esa pareja tanto como salvar al fruto de su unión, que es la de dos mundos opuestos. Leer el resto de esta página »

Adelanto: Martin Eden

Martin Eden (Italia, Francia, Alemania – 2019)

Dirección: Pietro Marcello
Guion: Pietro Marcello, Maurizio Braucci
Intérpretes: Luca Marinelli, Jessica Cressy, Denise Sardisco, Carmen Pommella, Carlo Cecch

por Aníbal Perotti

Pietro Marcello transpone la novela de culto de Jack London a la bahía de Nápoles durante un período incierto combinando poesía y política con un encanto singular. El cineasta mezcla los hechos con la ficción e introduce el mito en la realidad. Martin Eden es un marinero de clase obrera. Su encuentro con Elena, hermana de un joven de la alta burguesía que fue ayudado por el marinero, es la chispa que enciende la historia. Martin entra al mundo por la puerta de servicio y se enamora perdidamente de esa belleza diáfana y culta que vive rodeada de libros y cuadros. El comienzo de una conversación sobre Baudelaire le da al joven la idea de que los libros pueden permitirle alcanzar la altura de la persona que ama. Rápidamente, Eden se propone leer, aprender, educarse y finalmente escribir: una obstinación que no comprenden su familia, sus amigos, ni Elena. Leer el resto de esta página »

La venganza es mía (Vengeance is Mine) – Qubit

poster_0_3_900x0David escribe de La venganza es mía (Vengeance is Mine, 1979), que puede verse en la plataforma Qubit

por David Obarrio

Canto a mí mismo. Un hombre recorre el Japón matando gente. No tiene razones ni argumentos; no se defiende alegando una situación social desventajosa para justificarse, ni invoca los signos de una opresión sistémica que le permita revestir su luctuosa actividad con los pliegues de la rebeldía, bendecir los cadáveres para su aprovechamiento de índole ideológica. Cuando por fin es atrapado no tiene reclamos contra la sociedad. Solo una cara común, casi gris, que sonríe un poco delante de los policías; como si su conciencia acerca del absurdo que guía el mundo derramara una luz sin miramientos sobre la ambición un poco melancólica de esos conspicuos representantes de las instituciones. Se sabe desde hace rato: existe el cine japonés y existe Imamura. Se trata del hombre que desmiente a Ozu rechazando con obstinación el orden estanco de las estaciones, la rectitud dolorosa de los mandatos sociales, la gracia un poco envarada de sus figuras que resisten las tormentas de los tiempos sin la menor queja. Leer el resto de esta página »

Deseo de Matar (Death Wish) – Netflix

Netflix agregó a su catálogo hace pocos días Deseo de Matar (Death Wish), de Eli Roth, remake de la película de 1974 dirigida por Michael Winner con Charles Bronson

por Diego Maté

Nadie cree que se pueda hablar en serio de la justicia por mano propia en cine: basta con seguir la estela más bien marginal y grotesca de películas de venganza desde los 70. Todo el mundo entiende que lo que ese cine provee es un placer narrativo y no un estudio sociológico; bueno, ya no. Netflix acaba de agregar Deseo de matar, que acá se estrenó en 2018. La película está dirigida por Eli mano de piedra Roth, al que no se le cae una idea visual ni bajo tortura. Las cosas en el guion no son mucho mejores: el relato es accidentado y brutal, construye personajes a lo bestia y los desarrolla de igual manera. Se sabe, de todas formas, que las películas suelen ser algo más que la suma de las destrezas de los que las hicieron, que se parece más bien a artefactos por los que fluyen corrientes y espasmos que tal vez nunca hayan figurado en los planes de los realizadores. Uno ve Deseo de matar y percibe enseguida una deformidad intoxicante: la factura escapa a los mandatos promedios de un cine de espectáculo con Bruce Willis. La operación consiste en tomar una película así y dinamitarla hasta dejar algo parecido a un producto clase B o alguna otra letra del abecedario. Como si Roth dijera que esa es la única forma posible de hablar hoy (¿siempre?) de la venganza por mano propia: diseñando un engendro narrativo torpe y maltrecho que se arrastra y despierta interés gracia a su propia monstruosidad. No puede tener otro propósito mostrar la vida perfecta de Paul Kersey con ese aire acartonado que celebra la superficialidad: la familia se mueve por la casa e interactúa como si estuviera en una revista de diseño de interiores o una publicidad de queso crema. Ese punto de partida fija un pacto: no se invita al espectador a sufrir con la tragedia de los Kersey, sino a divertirse con el tratamiento. Se lo expulsa de la película, por decirlo de alguna forma, y se le ofrece un goce distinto al de la inmersión. Roth desmonta las convenciones del género y les imprime un exceso que no puede sino desembocar en una comedia involuntaria, como cuando el suegro, después del funeral de Lucy, gira en u para perseguir con la camioneta a unos cazadores furtivos y dispararles con una escopeta. Terminada la escaramuza, el viejo le larga una frase al protagonista que resume la moraleja de estas películas, algo así como que uno debe hacer lo que no hace la policía o algo por el estilo. Una chanza con la que la película le recuerda al público, por si no se hubiera dado cuenta todavía, que no tiene que tomarse tan en serio la historia.

El caso es que, como en la película de 1974 con Charles Bronson, Bruce Willis pasa de salvar vidas como médico a finalizarlas como justiciero anónimo. Al tipo lo graban en plena faena, suben el video a internet y lo apodan la parca (grim reaper). De ahí en más, la película lo viste de negro y le pone buzos con capuchas, como para reforzar la idea. Kersey se envalentona con la fama y sale a bajar muñecos sin miramientos. En algún punto, la rutina se le complica: el tipo divide su tiempo entre su trabajo como cirujano, sus excursiones nocturnas y su aprendizaje de armas con tutoriales de Youtube. La armería a la que va es como un supermercado: está lleno de gente que merodea entre las góndolas y a los clientes los atiende una chica vestida de cheerleader que los invita a falsificar los trámites oficiales para la compra de escopetas y rifles. Al volver a la casa todo le recuerda a su esposa asesinada y a su hija en coma, así que Paul se va a vivir al sótano, que de cualquier manera tiene todas las comodidades de la planta baja, incluida una bicicleta fija. Empieza terapia, y después de los primeros asesinatos la psicóloga lo encuentra de mejor humor y le recomienda que siga con lo que sea que estuvo haciendo hasta ahora: él, sonriendo, acepta el consejo. En el medio de todo eso, yendo y viniendo, anda el hermano (Vincent D’Onofrio), siempre un poco histérico, pidiendo guita o apareciendo en los momentos menos esperados. Un pesado que solo recién al que solo en la última parte le asignan algo parecido a una tarea narrativa. 

Como para rematar ese conjunto estrafalario, el final, es decir, el payback time, punto culminante de cualquier película de venganza que se precie, es fugaz y se narra a las apuradas, como para despistar todavía más al espectador que pudiera haberse interesado en la trama. Los policías sospechan que Kersey es el vengador anónimo de las noticias, lo investigan pero sin demasiado esmero, más bien lo dejan hacer, un poco por complicidad y otro poco por fiaca. Justamente, es en los dos detectives donde se puede certificar la visión de mundo (por llamarla de alguna manera) de la película: un par de tontos incapaces que siempre salen de las escenas sabiendo menos que antes. En un momento, uno de ellos vincula el primer crimen con el segundo con una pista imposible: el primer tirador es zurdo, y en el lugar del segundo crimen unos nenes se divierten imitando el tiroteo disparándose unos a otros con la mano izquierda. Un gag para La pistola desnuda. Ese aire contrahecho le da la película un tono más o menos distintivo, como si se tratara de un objeto inclasificable, un estreno con Bruce Willis que despide vahos del submundo de bajo presupuesto y que, para sorpresa o no, muchas críticas desecharon en la creencia de que la película suscribía a la justicia por mano propia. Una parodia involuntaria que hace del sensasionalismo chatarrero un tono, pero que ni así logra franquear las vallas de la sensibilidad del mundo solemne que nos toca en suerte.

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Noche Terrible (1967), de Rodolfo Kuhn

29513072_1218345494934798_824815634798142514_nNoche terrible (1967), de Rodolfo Kuhn, Parte de El pacto, de varios directores

por David Obarrio

Un hombre camina de noche junto a su prometida. Al otro día tienen fecha en el registro civil, pero ese hombre está en guerra. “Es casi lo mismo cometer un crimen”, dice el hombre para sí. Enseguida vemos que no se refiere a la boda sino a la huida. Después de las maniobras eróticas de rigor, hombre y mujer en un zaguán, ella recostada contra la pared, él empujando y resoplando, Stepens, el protagonista de la película, deambula por una Buenos Aires que trasnocha despreocupadamente. Su cerebro sitiado va de una escena a otra; pensando, sopesando posibilidades, imaginando situaciones probables. Rodolfo Kuhn y Paco Urondo, que colabora en el guion, trasladan los años treinta de Arlt (se trata de una adaptación de su cuento homónimo) a los años sesenta donde en las disquerías agobia la “música para jóvenes” más banal y en los barrios alejados del centro los muchachos todavía cuidan con celo la virtud de sus hermanas solteras. Leer el resto de esta página »

En carne viva (In the Cut) – Netflix

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Netflix acaba de agregar a su catálogo En carne viva (In the Cut, 2003), de Jane Campion 

por David Obarrio

Neo no quiere decir nuevo. Empecemos por las conclusiones: es probablemente la mejor película de Jane Campion, aunque en principio esto no quiera decir mucho. Hace muchos años, Campion pudo alcanzar alguna forma de relumbre no demasiado decorosa con La lección de piano. Los que la vieron se acordarán. Había una playa inhóspita, una mujer muda y una niña; había un piano encajado en la arena necesitado de afinación. En algún momento, Harvey Keitel salía en pelota. La historia era de soledad, de desamparo, de deseos reprimidos, de dolor y cornamenta. Ana Paquin hacía de la niña y ganó un Oscar que marcó su carrera, porque después no levantó cabeza, y no porque no haya tenido desempeños mucho más estimables que ese en el que el arte de su sonrisa triste permitía en esas tempranas horas de infancia ver el huequito prodigioso que tiene entre los dientes de adelante. Leer el resto de esta página »

De repente, el paraíso (It Must Be Heaven)

0171397Año: 2019
Origen: Palestina, Francia, Alemania, Canadá, Turquía
Dirección: Elia Suleiman
Guion: Elia Suleiman
Intérpretes: Elia Suleiman, Gael García Bernal, Tarik Kopty, Kareem Ghneim, Ali Suliman
Fotografía: Sofian El Fani
Música: Johannes Doberenz
Edición: Véronique Lange
Duración: 102 minutos

por Aníbal Perotti

El árbol y el pájaro. La nueva película Elia Suleiman es un maravilloso tratado sobre las formas de ver. Cada escena está organizada para que los espectadores vean de nuevo lo que ya creen conocer. El cineasta vuelve a demostrar su capacidad para diseccionar situaciones absurdas en la vida cotidiana y luego hacerlas brillar en todas las direcciones posibles. La lentitud, el silencio y el humor son las armas que utiliza incansablemente desde hace veinticinco años: el humor de los débiles, sutiles y desesperados. Con una mezcla singular de Jacques Tati y Nanni Moretti, Suleiman crea y encarna un personaje de ojos tristes, custodio de una ira interior que lo ha hecho mudo: un observador impávido, aunque poderosamente subversivo, de un mundo elevado a la omnipotente estupidez de los check-points de los aeropuertos. Creíamos que el cine de Elia estaba restringido a ese territorio tan real como fantástico llamado Palestina, pero esta vez se va volando a otra parte. Leer el resto de esta página »

Adelanto: El joven Ahmed (Le Jeune Ahmed)

Año: 2019
Origen: Bélgica, Francia
Dirección: Luc Dardenne, Jean-Pierre Dardenne
Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Intérpretes: Idir Ben Addi, Myriem Akheddiou, Victoria Bluck, Olivier Bonnaud, Claire Bodson, Othmane Moumen
Fotografía: Benoît Dervaux
Edición: Marie-Hélène Dozo, Tristan Meunier
Duración: 84 minutos

A veces los críticos de cine tenemos una posición firme sobre ciertos temas que no nos permite ver más allá del supuesto “contenido” de algunas películas. Entonces nos apresuramos a decir que son demagógicas o reaccionarias, condicionados por nuestras ideas previas, sin prestar atención a la forma cinematográfica. Más allá del tema que aborden o de su visión crítica sobre la Europa actual, en el cine de los hermanos Dardenne importa más el cuerpo de los actores, los gestos, el trabajo con la luz, el encuadre y el sonido que el mejor de los guiones. El héroe dardenniano se define por la acción pura, la urgencia y los encadenamientos de situaciones que dejan poco lugar a la reflexión. Leer el resto de esta página »

Espanoramas 2020 – Buñuel y el laberinto de las tortugas

Año: 2019
Origen: España
Dirección: Salvador Simó
Guion: Eligio R. Montero, Salvador Simó
Intérpretes: Jorge Usón, Fernando Ramos, Luis Enrique de Tomás, Cyril Corral

por Diego Maté

Buñuel y el laberinto de las tortugas está basada en una historieta de Fermín Solís y cuenta el rodaje de Las hurdes, tierra sin pan. La secuencia no podría ser más extraña: una película animada que primero fue un comic en blanco y negro sobre un director de cine. El tono inicial es de un pedagogismo amable, Buñuel explicado a los niños: el relato muestra al director solo y sin proyectos después del revuelo de La edad de oro. Una serie de casualidades lo llevan a filmar un documental en Las hurdes, el pueblo español golpeado por una miseria inmemorial. Leer el resto de esta página »

Espanoramas 2020 – Lo que arde (O que arde)

Lo_que_arde-658148396-largeAño: 2019
Origen:
España, Francia, Luxemburgo
Dirección
: Oliver Laxe
Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol
Intérpretes: Amador Arias, Benedicta Sánchez

por Aníbal Perotti

Galicia año cero. La película comienza con un espectacular plano nocturno de un bosque iluminado de manera irreal, cuyos grandes árboles se derrumban uno a uno como arrancados por un monstruo gigante. Este prólogo sobrecogedor plantea una relación fantasmal con el mundo en la que los movimientos de la naturaleza y su misterio original hacen que la razón se rinda ante la fascinación de lo visible. Aunque enseguida vemos que dos grandes excavadoras son la explicación de la extraña hecatombe, otro misterio surge de inmediato cuando las máquinas detienen su carrera frente a un árbol con un tronco mucho más ancho y espléndido que los demás. Leer el resto de esta página »

Judy

Año: 2019
Origen: Gran Bretaña
Dirección: Rupert Goold
Guion: Tom Edge
Intérpretes: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckle
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Edición: Melanie Oliver
Duración: 118 minutos

por Diego Maté

Judy Garland va a un hotel con sus hijos: la rebotan, la devuelven al taxi y a la búsqueda. Ella claudica: viaja a la casa del exmarido para pelearse un rato y dejarle los chicos. Sale de nuevo, se mete en una fiesta, conoce gente. Si una película va a contar la vida de una estrella siguiendo el viejo modelo de ascenso y caída (aunque acá solo haya lo segundo), bien podría filmarlo así, arrastrando a su protagonista por terrazas y bares, haciéndola hablar de más y escuchar diálogos de borrachos. Todo tiene un leve aire cassavetiano, digamos: un pequeño grupo de derrotados se aprieta y blinda mutuamente contra el mundo al amparo de la noche. Pero el entusiasmo dura poco, la película se pone burocrática, como si al director solo le interesara narrar el hundimiento y estuviera ciego a cualquier otra cosa. Leer el resto de esta página »

Mujercitas (Little Women)

Año: 2019
Origen: Estados Unidos
Dirección: Greta Gerwig
Guion: Greta Gerwig
Intérpretes: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Yorick Le Saux
Edición: Nick Houy
Duración: 134 minutos

por Diego Maté

Yo era una chica moderna. Greta Gerwig no entiende el drama ni la tragedia. Y está bien, tampoco le importan. Su Mujercitas se va toda en un único gesto: transformar la tristeza estoica de la novela en otra cosa, no se sabe bien qué, pero en algo así como una especie de plenitud. Allí están los personajes, los vestidos, las casas: la época, digamos. Pero el tono no se parece a ninguna película sobre el período: la velocidad de los diálogos, de los movimientos, el timing con el que se resuelven las escenas y la ligereza con la que se narran las adversidades (incluida la muerte) hace acordar más bien a la comedia, a un drama liviano. Las discusiones sobre el lugar de la mujer están asordinadas, como si a la directora no le interesara mucho volver una vez más sobre esas consignas dichas una y mil veces y cumpliera a desgana con la tarea. La agenda es otra: las chicas van y vienen juntas para todos lados, les cuesta separarse, las peleas terminan rápido (como en el cine clásico), las escenas en la casa están tocadas todas por una calidez infrecuente. Ahora que todo el mundo habla del tema, Gerwig propone otro feminismo, uno vital, gozoso y solar que alimenta la película y la previene contra el regodeo en la miseria y los subrayados, signos casi automáticos del cine sobre causas.  Leer el resto de esta página »

Historia de un matrimonio (Marriage Story)

Año: 2019
Origen: Estados Unidos
Dirección: Noah Baumbach
Guion: Noah Baumbach
Intérpretes: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Julie Hagerty
Música: Randy Newman
Fotografía: Robbie Ryan
Edición: Jennifer Lame
Duración: 137 minutos

All your regrets ran rough-shod over me
I’m so glad that we’re strangers when we meet.

por Andrés Brandariz

No en vano es que Noah Baumbach elige -en su película más oscarizable y “memeable”(!) hasta la fecha- asignarle a su pareja protagónica profesiones dedicadas a la representación artística. Nicole (Scarlett Johansson) es una actriz talentosa que, luego de empezar su carrera en una guarra comedia adolescente, decidió encarar papeles más respetables y se dedicó a trabajar en las obras de Charlie (Adam Driver), dramaturgo destacado del off. En la escena del juicio, sin habier podido involucrar abogados en su separación, surgirá como parte de sus acusaciones cruzadas una pregunta: ¿quién le debe más a quién? ¿Nicole, que consiguió gracias a Charlie el prestigio que buscaba? ¿O Charlie, que seguramente hubiera sido mucho menos exitoso si no hubiera gozado de la popularidad de Nicole? Baumbach aborda el divorcio como una inmensa representación en la cual lo conocido se vuelve extraño: los abogados son narradores expertos en reinterpretar la cotidianeidad y le aplican el prisma que más beneficie a su cliente (aun a costa de romper el buen vínculo de la pareja); los rencores que parecían olvidados bajo el peso de la rutina afloran violentamente en una discusión para poder desempatar sin dudad quién hizo más daño, quién descuidó más al otro, quién es más egoísta.  Leer el resto de esta página »

1917

9328_poster2Año: 2019
Origen:
Gran Bretaña, Estados Unidos
Dirección
: Sam Mendes
Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson Cairns
Intérpretes:  George MacKay, Dean Charles Chapman, Mark Strong, Colin Firth, Benedict Cumberbatch
Fotografía: Roger Deakins
Música: Thomas Newman
Edición: Lee Smith
Duración: 119 minutos

por Diego Maté

“Sam Mendes: vendedor de fantasías módicas”, dice la tarjeta de presentación. Todo el mundo lo conoce por haber filmado algunas películas que se iban enteras en uno o dos golpes de efecto: sátira estadounidense cruel narrada por un muerto, drama psicológico con la pareja de Titanic, ajuste de cuentas de James Bond con su infancia. Todos gimmicks de esos que hacen que uno salga de la sala hablando de la película y que la comente el lunes en la oficina. 1917 lleva la marca de Mendes. Una película de la Primera Guerra Mundial contada en tiempo real y filmada con tomas muy largas. Así se la promocionó, como un prodigio técnico, un lujo de producción: nadie debía ver 1917 sin haber sido informado previamente por el making-of. Leer el resto de esta página »

Jojo Rabbit

9339_poster2.jpgAño: 2019
Origen: 
Estados Unidos
Dirección
: Taika Waititi
Guion: Taika Waititi
Intérpretes:  Roman Griffin Davis, Thomasin Mckenzie, Scarlett Johansson, Taika Waititi, Rebel Wilson, Stephen Merchant, Sam Rockwell
Fotografía: Mihai Malaimare Jr
Música: Michael Giacchino
Edición: Tom Eagles
Duración: 108 minutos

por Diego Maté

De Jojo Rabbit escribí más o menos que era una comedia negra aceptable, pero que, pasada la hora, Taika Waititi perdía el control de sus materiales y la historia era ganada por una solemnidad forzada. Bueno, no lo escribí, lo pensé: nadie va al cine sin alguna expectativa, todo el mundo espera algo y eso ya es una forma de escritura. Tenía en mente Casa vampiro, un divertimento afable pero al que le sobra tal vez una hora y diez minutos. Los chistes buenos mejor terminarlos rápido. Pero Jojo Rabbit es otra cosa, una comedia absurda, un poco como lo era Thor: Ragnarok (de lo mejor que haya dado el cine de superhéroes). Una comedia con muchos chistes malos, por otra parte, que no causan gracia, pero ese es el timing de una buena parte de la comedia del presente: los gags buscan apenas una sonrisa y alguna carcajada ocasional; tener a la gente riéndose durante dos horas seguidas es hoy un lujo reservado a pocas películas (tampoco sé a cuáles). Los chistes malos, por ejemplo, los cuatro o cinco que escupe en cada intervención el Hitler imaginario de Jojo, no son un problema de guion, sino la argamasa que permite construir el humor; para Waititi, la comedia es acumulación y multiplicación, un bombardeo que por lo menos se asegura dar en el blanco (la precisión es asunto de francotiradores como Kaurismäki). Leer el resto de esta página »

La muerte no existe y el amor tampoco

9520_poster2.jpgAño: 2019
Origen: 
Argentina
Dirección
: Fernando Salem
Guion: Fernando Salem, Esteban Garelli
Intérpretes: Antonella Saldicco, Justina Bustos, Susana Pampín, Osmar Nuñez, Fabián Arenillas
Fotografía: Georgina Pretto
Música: Santiago Motorizado
Edición: Emiliano Fardaus
Duración: 81 minutos

por Diego Maté

Emilia lleva una vida más bien gris en Buenos Aires con su novio cuando el padre de su amiga muerta la contacta: después de algún tiempo, van a cremar a Andrea y a esparcir las cenizas siguiendo sus deseos y quieren que la amiga esté allí. La premisa anuncia algo conocido: otra película argentina sobre el retorno al pueblo donde el viaje y el reencuentro con el pasado deben ayudar a disipar las dudas del presente. Es posible llegar a imaginarse incluso el tono: contenido, sin estallidos dramáticos, con tragedias silenciosas alimentando de manera subterránea las psiquis de los personajes. La muerte no existe y el amor tampoco es eso, pero también algunas cosas más. Leer el resto de esta página »

Entrevista a Fernando Salem

Sin títuloEl Jueves 4 de Enero se estrenó en el MALBA La muerte no existe y el amor tampoco, la segunda película de Fernando Salem. Se trata de una adaptación de la novela Agosto, de Romina Paula. Ahora, a propósito de su estreno comercial, conversamos con él.

por Andrés Brandariz

Hay algo que me llama mucho la atención en tus dos largometrajes en cuanto al peso del paisaje: tanto el desierto de San Juan (en Cómo funcionan casi todas las cosas), como la nieve y el frío de 28 de Noviembre (donde transcurre La muerte no existe, y el amor tampoco) son espacios agrestes, que parecerían vincularse con el conflicto y el deseo de las protagonistas en una especie de geografía emocional. ¿El paisaje es un elemento que considerás activamente a la hora de pensarlas, o es algo que termina apareciendo eventualmente?

Es raro encontrar un patrón. Evidentemente tengo la concepción, en este momento de mi vida –o desde hace bastante–, de que los seres humanos estamos un poco huérfanos, como a la intemperie. Y no hay un sentido: estamos ahí sueltos tratando de encontrarlo en ese desierto que es la vida, el de Cómo funcionan casi todas las cosas, cargando nuestras enciclopedias incompletas. Apelando a esto que vos decís, la geografía emocional, es mucho más fácil hablar del estado anímico de un personaje si lo rodea un entorno que habla de su espíritu. En mis películas, el escenario no es solo escenario y me arriesgaría a decir que es como un alter ego de la protagonista, una expansión de la interioridad. Me da la sensación de que es trasponer los sentimientos de la persona hacia afuera, que es justamente lo que Emilia (Antonella Saldicco) no puede hacer. Leer el resto de esta página »

El caso de Richard Jewell (Richard Jewell)

9452_poster2Año: 2019
Origen: 
Estados Unidos
Dirección
: Clint Eastwood
Guion: Billy Ray
Intérpretes: Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Kathy Bates, Jon Hamm, Olivia Wilde
Fotografía: Yves Bélanger
Música: Arturo Sandoval
Edición: Joel Cox
Duración: 131 minutos

por Santiago Armas

Balada de un hombre común. Decir a esta altura que Clint Eastwood, a los casi noventa años, sigue siendo el ultimo de los grandes narradores clásicos del cine es una obviedad. Nadie en la actualidad tiene la capacidad de síntesis y la mano firme del realizador de Los imperdonables y Los puentes de Madison a la hora de construir un relato atrapante que llegue sin fisuras hacia la meta final. Lo que todavía sorprende es que su carrera continúa desafiando los paradigmas que tristemente marcan al cine del presente, en donde la corrección política está aniquilando toda noción de libertad creativa y son contadas las obras que realmente cuestionan a la sociedad norteamericana y expongan sus contradicciones. Leer el resto de esta página »

Balance Cinemarama 2019

lhommefidele-e1577735923849.jpgTermina el año y, como todo el mundo sabe,  es tiempo de balances. Mejor, digamos de listas: listas de mejores, peores, sobrevaloradas y lo que se les ocurra. Una vez más, en Cinemarama publicamos las tradicionales listas de fin de año con lo mejor y lo peor que nos dejaron los estrenos, pero también el streaming, los festivales y otras modalidades non sanctas. Participan redactores y amigos de la casa; todos eligen lo mejor y lo peor de la cartelera (nos guste o no, los estrenos comerciales organizan el paisaje del cine que puede verse). Después, cada uno hace más o menos lo que quiere: puede inventariar las películas que desee echando mano a las categorías que les venga en gana. Además, el que lo deseara podía escribir un texto libre.

Eso es todo. Como siempre, comenten, compartan sus listas, llévenos la contra. Y gracias por seguir leyéndonos.

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La lavandería (The Laundromat), estreno de Netflix

MV5BNDhiZTA1MzItMWNmZC00YWZlLWI5NTYtYzI5MzMxNGJkZDcxXkEyXkFqcGdeQXVyNTE4NTE0NjU@._V1_La lavandería (The Laundromat – Estados Unidos – 2019)

Dirección: Steven Soderbergh
Guion: Scott Z. Burns
Intérpretes: Meryl Streep, Gary Oldman, Antonio Banderas, Jeffrey Wright, Robert Patrick

por Diego Maté

La lavandería querría ser La gran estafa pero apenas si le alcanza para Vice. La película sigue a un puñado de personajes implicados en una red de engaños que conducen al grupo Mossack Fonseca. Lo que guía la trama no es la transformación narrativa sino el develamiento progresivo del fraude y sus mecanismos. El tema parece inventado para poder filmarlo: la ingeniería de reenvíos a empresas fantasmas que oculta una gran maquinaria de lavado resulta tan elusiva como fascinante, un monstruo hecho a la medida del cine. Pero la película no entiende nada de esto. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2017 – La telenovela errante

En MUBI puede verse La telenovela errante, de Raúl Ruiz y rescatada por Valeria Sarmiento, película póstuma que el director filmó en apenas una semana durante los 90, después de su regreso a Chile.

C I N E M A R A M A

La telenovela errante (Chile – 1990/2017)
Competencia Latinoamericana

Dirección: Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento
Guion: Raúl Ruiz
Intérpretes: Luis Alarcón, Patricia Rivadeneira, Francisco Reyes, Consuelo Castillo, Roberto Poblete, Liliana García

por Aníbal Perotti

El tiempo recobrado. Un hombre le asegura que no es de izquierda a una mujer para seducirla. Una secretaria le quita los restos de carne de la boca a su jefe usando un par de pinzas. Varios personajes luchan por encontrar un terreno común lingüístico a pesar de que hablan el mismo idioma. El espectro rebelde de Raúl Ruiz vuelve desde el más allá con una película deliciosamente extravagante que conserva una vigencia sorprendente. El cineasta comenzó a filmar La telenovela errante tras su regreso a Chile a comienzos de los noventa, poco tiempo después del fin de la dictadura de Pinochet. Valeria Sarmiento la rescató y la terminó este año. La película evoca…

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La botera

700-la-botera_7Año: 2019
Origen:
Argentina, Brasil
Dirección
: Sabrina Blanco
Guion: Sabrina Blanco
Intérpretes: Nicole Rivadero, Alan Gómez, Sergio Prina, Gabriela Saidón
Fotografía: Constanza Sandoval
Música: Rita Zart
Edición: Valeria Racioppi
Duración: 75 minutos

por Diego Maté

Tati vuelve de una fiesta: estaba sola hasta que recibió un mensaje de un contacto desconocido citándola en el baño; fue y esperó, pero no apareció nadie, todo era una burla. Llega a la casa y encuentra al padre limpiando el auto: “unos borrachos se cagaron a piñas”, dice fastidiado mientras limpia sangre de la ventana. En el plano siguiente, Tati está sentada en la cama con un muñeco de peluche: lo agarra fuerte mientras le arranca lentamente pedazos de relleno. Así es el círculo infernal al que lanza a sus personajes La botera: todos son blancos posibles de alguna agresión gratuita y, al mismo tiempo, agresores en potencia. La película responde a un viejo dogma: el cine que cuenta historias de desposeídos no puede permitirse el lujo de la felicidad o el cariño, todo debe transcurrir entre penas e injusticias y en la más absoluta desolación. Como si toda esa miseria filmada de manera realista fuera una especie de garantía de autenticidad, de sello de calidad. Leer el resto de esta página »

Anna Karina

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por Aníbal Perotti

Veronica Dreyer, Angela Récamier, Natacha von Braun, Nana, Marianne Renoir: Anna Karina encarna a la mujer de los años sesenta con Godard. Ella es la imagen de un cine libre, lírico, moderno y deslumbrante. Aunque también actuó con Rivette, Aurel, Fassbinder, Deville o Visconti, el puñado de obras maestras que filmó bajo la dirección de Jean-Luc Godard, su Pigmalión, esposo y maestro, pulveriza todo lo demás. De alguna manera, es un mundo creado por Godard y Karina. Su primera aparición en El soldadito encarna literalmente la verdad veinticuatro veces por segundo: la doble revelación del cine y del amor. Con su presencia, el cine de Godard alcanza un punto de libertad, fantasía e incandescencia absolutamente único en la historia del cine. Leer el resto de esta página »

Entrevista a Ana García Blaya, directora de “Las buenas intenciones”

image2El jueves 5 de diciembre, Ana García Blaya estrenó su primera película, Las buenas intenciones, luego de un recorrido por festivales internacionales que continúa hasta hoy. 

por Andrés Brandariz y Lucía Olazábal

Cuando vimos la película en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, nos llamó mucho la atención esta dinámica que se arma entre tu archivo filmado familiar (real), y la mayor parte de la película (ficción). ¿Cuál era el criterio de montaje para ese ir y venir entre una cosa y otra?

Cuando filmamos no pensábamos meter material de archivo. La peli está filmada como ficción y la editamos como ficción. Pero había algo que a mí no me cerraba. No porque no se entendiera, sino porque no estaba siendo totalmente sincera. Si bien era una recreación, a mí me faltaba un poquito más de realidad. No quería ponerle “esto está basado en hechos reales”, pero tenía todo ese material, que usé para referenciar al departamento de Arte, para el vestuario, para mostrarle a los actores. Hay algo que es imposible de recrear, y era esa naturalidad de las filmaciones caseras. Si bien hicimos algunas con los actores como si fueran caseras, había algo de la desprolijidad de la cámara home video que se movía, de cómo nos hablábamos entre nosotros, que estaba ahí, que queríamos meter. Leer el resto de esta página »

Semana de Cannes – Bacurau

Bacurau-377219119-largeBacurau (Brasil, Francia – 2019)

Dirección: Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles
Guion: Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles
Intérpretes: Barbara Colen, Sonia Braga, Udo Kier, Thomas Aquino, Silvero Pereira

por Aníbal Perotti

El ángel exterminador. Una mujer regresa a su pueblo para un funeral. También habrá una fiesta. Y una guerra. Ruido y furia, música y gritos, sangre y polvo. Seres míticos surgidos del pasado y de los sueños que fluyen con bellos fundidos encadenados. Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles evocan la incandescencia del cinema novo de los años sesenta con la reinvención del cangaceiro y un artificio deliberado. Los cineastas se apropian del spaghetti western para sumergirlo en las raíces brasileras a través de la historia de una pequeña comunidad olvidada en las profundidades del nordeste sobre la que se cierne una amenaza fascista: un grupo de turistas armados y excitados reunidos en un safari especial que elige el Sertão como terreno de caza. Bacurau es una fábula política, una alegoría brutal atravesada por un espíritu lúdico, una oda a la resistencia, al coraje y a la libertad de un pueblo cuyo exterminio ha sido programado. Leer el resto de esta página »

Frankie

Año: 2019
Origen: Francia, Portugal
Dirección: Ira Sachs
Guion: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Intérpretes: Isabelle Huppert, Brendan Gleeson, Marisa Tomei
Fotografía: Rui Poças
Edición: Sophie Reine
Duración: 98 minutos

por Elena Marina D’Aquila

El porvenir. Una famosa actriz decide reunir a sus seres queridos durante un viaje familiar muy particular al que asisten su actual marido y su ex, sus hijos de diferentes matrimonios, su nieta y una amiga estadounidense para disfrutar los idílicos paisajes costeros de Sintra. Leer el resto de esta página »

El cuidado de los otros

El_cuidado_de_los_otros-110564930-largeAño: 2019
Origen:
Argentina
Dirección: Mariano González
Guion: Mariano González
Intérpretes: Sofía Gala Castiglione, Mariano González, Jeremías Antún
Fotografía: Manuel Rebella
Edición: Delfina Castagnino
Duración: 68 minutos

por Diego Maté

Luisa trabaja en un taller haciendo figuras de arcilla y cuida al nene de una familia de clase media. El taller y el departamento son dos mundos diferentes, pero la protagonista pasa de uno a otro sin problemas, incluso puede oficiar de puente entre sus integrantes. Todo va bien hasta que una serie de accidentes la destierran del segundo: Felipe, el nene que tenía a su cargo, se intoxica y la familia corta toda comunicación con Luisa. El panorama resulta familiar: el contraste entre estratos sociales, la cámara que se inmiscuye en los espacios y sigue a los personajes de cerca, el realismo general; no podemos pensar más que en el cine de los Dardenne. Tememos lo peor: que los accidentes de Luisa la vuelvan una víctima sacrificial en el altar de un comentario acerca del despotismo de las clases acomodadas y de la desigualdad inherente al sistema. Las de los Dardenne son películas de tesis: los directores tienen una visión del mundo inconmovible que creen bastante más importante que el destino de los personajes; sobre ellos hay que descargar crueldades de todo tipo a los fines de vehiculizar la denuncia gruesa que caracteriza al cine social europeo. Tememos, entonces, pero todo es infundado. Más allá de la semejanza estilística, Mariano González entiende el cine de otra manera: la película no trata de encapsular las relaciones de sus personajes bajo una idea maniquea del mundo, sino de observar las posibilidades estéticas que abre la expulsión y deriva de Luisa. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – La botera

700-la-botera_7La botera (Argentina, Brasil – 2019)
Competencia Argentina

Dirección: Sabrina Blanco
Guion: Sabrina Blanco
Intérpretes: Nicole Rivadero, Alan Gómez, Sergio Prina, Gabriela Saidón

por Diego Maté

Tati vuelve de una fiesta: estaba sola hasta que recibió un mensaje de un contacto desconocido citándola en el baño; fue y esperó, pero no apareció nadie, todo era una burla. Llega a la casa y encuentra al padre limpiando el auto: “unos borrachos se cagaron a piñas”, dice fastidiado mientras limpia sangre de la ventana. En la escena siguiente, Tati está sentada en la cama con un muñeco de peluche: lo agarra fuerte mientras le arranca lentamente pedazos de relleno. Así es el círculo infernal al que lanza a sus personajes La botera: todos son receptores posibles de alguna agresión y, al mismo tiempo, agresores en potencia. La película responde a un viejo dogma: el cine que cuenta historias de desposeídos no puede permitirse el lujo de la felicidad o el cariño, todo debe transcurrir entre penas e injusticias en la más absoluta desolación. Como si toda esa miseria filmada de manera realista fuera una especie de garantía de autenticidad, de sello de calidad. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Atlantique

1897568Atlantique (Francia, Senegal, Bélgica – 2019)
Autores, autoras

Dirección : Mati Diop
Guion: Mati Diop, Olivier Demangel
Intérpretes: Mama Sané, Amadou MBow, Ibrahima Traoré, Nicole Sougou, Aminata Kane

por Aníbal Perotti

El primer largometraje de Mati Diop deslumbra con su fuerza política y poética. La cineasta franco-senegalesa filma el sol como un personaje agotado, cansado de iluminar el mundo real y su triste repetición. El astro resplandeciente parece listo para fundirse en el océano con los cuerpos sin nombre de una tragedia contemporánea. Atlantique es una película elegíaca, fantástica y misteriosa sobre las muertes que atormentan nuestra conciencia. Una historia realista y emotiva con una atención sensual puesta en los rostros y en los cuerpos de los jóvenes protagonistas. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – El cuidado de los otros

El_cuidado_de_los_otros-110564930-largeEl cuidado de los otros (Argentina – 2019)
Competencia Internacional

Dirección: Mariano González
Guion: Mariano González
Intérpretes: Sofía Gala Castiglione, Mariano González, Jeremías Antún

por Diego Maté

Luisa trabaja en un taller haciendo figuras de arcilla y cuida al nene de una familia de clase media. El taller y el departamento son dos mundos diferentes, pero la protagonista pasa de uno a otro sin problemas, incluso puede oficiar de puente entre sus integrantes. Todo va bien hasta que una serie de accidentes la destierran del segundo: Felipe, el nene que tenía a su cargo, se intoxica y la familia corta toda comunicación con Luisa. El panorama resulta familiar: el contraste entre estratos sociales, la cámara que se inmiscuye en los espacios y sigue a los personajes de cerca, el realismo general; no podemos pensar más que en el cine de los Dardenne. El trabajo en el taller incluso hace acordar a El hijo. Tememos lo peor: que los accidentes de Luisa la vuelvan una víctima sacrificial en el altar de un comentario acerca del despotismo de las clases acomodadas y de la desigualdad inherente al sistema. Las de los Dardenne son películas de tesis: los directores tienen una visión del mundo inconmovible que creen bastante más importante que el destino de los personajes; sobre ellos que hay descargar crueldades de todo tipo a los fines de vehiculizar la denuncia gruesa que caracteriza al cine social europeo. Tememos, entonces, pero todo es infundado. Más allá de la semejanza estilística, Mariano González entiende el cine de otra manera: la película no trata de encapsular las relaciones de sus personajes bajo una idea maniquea del mundo, sino de observar las posibilidades estéticas que abre la expulsión y deriva de Luisa. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Retrato de una mujer en llamas

retrato-de-una-mujer-en-llamas-poster-1-718x1024Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu – Francia – 2019)
Autores, autoras

Dirección: Céline Sciamma
Guion: Céline Sciamma
Intérpretes: Noémie Merlant, Adèle Haenel, Luàna Bajrami, Valeria Golino

por Aníbal Perotti

Vestidos de época para cuerpos contemporáneos. Céline Sciamma dinamita la reconstrucción de época y propone una mirada alternativa sobre un momento de la historia, sobre la pintura y sobre las mujeres. Los corsés explotan cuando Marianne llega a la costa de Bretaña a finales del siglo XVIII para hacerle un retrato a Heloise, una joven aristócrata a quien su madre planea casar con un italiano. La retratista y su modelo construyen un vínculo intenso que trasciende el lienzo. La cámara filma el deseo invencible de un amor a primera vista: miradas ocultas, directas, dulces o severas. La estructura narrativa clásica del comienzo se libera cuando la madre de Heloise abandona la casa y deja a las dos jóvenes solas con Sophie, una criada de su edad. Con el espacio de autonomía para las mujeres deviene una película definitivamente incandescente, finalmente sensual y liberada. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – O que arde

Lo_que_arde-658148396-largeO que arde (España, Francia, Luxemburgo – 2019)
Competencia Internacional

Dirección: Oliver Laxe
Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol
Intérpretes: Amador Arias, Benedicta Sánchez

por Aníbal Perotti

Galicia año cero. La película comienza con un espectacular plano nocturno de un bosque iluminado de manera irreal, cuyos grandes árboles se derrumban uno a uno como arrancados por un monstruo gigante. Este prólogo sobrecogedor plantea una relación fantasmal con el mundo en la que los movimientos de la naturaleza y su misterio original hacen que la razón se rinda ante la fascinación de lo visible. Aunque enseguida vemos que dos grandes excavadoras son la explicación de la extraña hecatombe, otro misterio surge de inmediato cuando las máquinas detienen su carrera frente a un árbol con un tronco mucho más ancho y espléndido que los demás. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Angélica

Angélica (Argentina – 2019)
Competencia Argentina

Dirección: Delfina Castagnino
Guion: Delfina Castagnino, Agustina Liendo, Martín Feldman, Martín Mauregui
Intérpretes: Cecilia Rainero, Antonio Grimau, Andrea Garrote, Diego Cremonesi

por Diego Maté

Pasan unos minutos y Angélica genera expectativas: salvo por las películas de Lucrecia Martel, el cine argentino no dio muchos retratos de mujeres desequilibradas contados con esa atención dirigida a la materialidad de las cosas. La protagonista se está mudando de la casa familiar menos por un deseo propio que por reclamo de su hermana: Angélica no se siente bien, atraviesa alguna especie de crisis y cada uno de sus gestos y de sus actos sugieren un malestar no dicho. Todo escala rápidamente: Angélica le miente a la hermana y vuelve a introducirse a escondidas en la casa deshabitada. La película exhibe allí un gran pulso para filmar el cuerpo en estado de reposo y el clima inquietante de los espacios vacíos: la protagonista se funde con el lugar, como si mujer y casa derruida fueran una sola. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Nunca subí el Provincia

Nunca subí el Provincia (Chile – 2019)
Competencia latinoamericana

Dirección: Ignacio Agüero
Guión: Ignacio Agüero
Intérpretes: Ignacio Agüero, Macarena López, Alba Gaviraghi.

por Aníbal Perotti

Caro Diario. Fiel a su estilo singular que combina candidez y agudeza de un modo maravilloso, Ignacio Agüero filma un ensayo poético sobre los cambios de la ciudad a través de la metamorfosis inmobiliaria de su barrio. La cámara registra las mismas panorámicas en el transcurso del tiempo. Antes podía filmar la cordillera desde el techo de su casa, pero ahora hay un edificio. El cineasta entrelaza el espacio público y sus habitantes con lo privado, lo íntimo y lo autobiográfico. Los cambios en las vidrieras, edificios, calles, semáforos, artesanos y comerciantes, se funden con imágenes de una mujer embarazada, un pie masculino, dos niños en bicicleta o la lluvia en el jardín. Su interés por la vida cotidiana toma la forma de un diario cinematográfico: el cine se convierte en un lugar de percepción íntima del mundo y a su vez en una conciencia sobre un presente habitado por los fantasmas del pasado a través de la geografía de los lugares transitados. Leer el resto de esta página »

Contra lo imposible (Ford v. Ferrari)

9208_poster2Año: 2019
Origen: Estados Unidos
Dirección: James Mangold
Guion: Jez Butterworth, John Henry Butterworth, Jason Keller
Intérpretes: Christian Bale, Matt Damon, Caitriona Balfe, Jon Bernthal
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Marco Beltrami, Buck Sanders
Edición: Andrew Buckland, Michael Mccusker, Dirk Westervelt
Duración: 152 minutos

por Santigo Armas

Camino a la gloria. Ser competente es un término que, al menos en el mundo cinematográfico, a veces se confunde con la chatura y la mediocridad. Hacer bien el trabajo, cumplir con los requisitos necesarios para entregar un entretenimiento sólido y sin fisuras, en estos tiempos de posmodernismo y espectacularidad instantánea, está visto como algo prácticamente riesgoso en el Hollywood actual, mientras que los servicios de streaming amenazan con destruir la experiencia de ver una buena película en pantalla grande. Leer el resto de esta página »

Sinónimos (Synonymes)

Ayer se estrenó Sinónimos, la nueva película de Nadav Lapid. Esto decíamos hace poco en Cinemarama.

C I N E M A R A M A

Año: 2019
Origen: Francia, Alemania, Israel
Dirección: Nadav Lapid
Guion: Nadav Lapid, Haim Lapid
Intérpretes: Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillotte, Christophe Paou, Uria Hayik
Fotografía: Shai Goldman
Música: Marina Kertész, Sandy Notarianni, Christophe Vingtrinier
Edición: Era Lapid
Duración: 123 minutos

por Aníbal Perotti

Sin aliento. La película se puede resumir como la historia de una puerta que se abre y luego se cierra: la puerta de un gran departamento parisino que es también la de Francia. El hombre que la atraviesa, en una primera secuencia extraordinaria, se llama Yoav: un joven israelí particularmente bello, con una virilidad desbordante pero fuera de norma. Desnudo y despojado de todo, Yoav es cobijado por Emile y Caroline: dos jóvenes franceses que le ofrecen, entre otras cosas, algo para cubrirse. Entre los tres nace rápidamente una atracción insondable. El protagonista traza su camino en…

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Mar del Plata 2019 – La muerte no existe y el amor tampoco

La muerte no existe y el amor tampoco (Argentina – 2019)
Competencia Argentina

Dirección: Fernando Salem
Guion: Fernando Salem, Esteban Garelli
Intérpretes: Antonella Saldicco, Justina Bustos, Susana Pampín, Osmar Nuñez, Fabián Arenillas

por Diego Maté

Emilia lleva una vida más bien gris en Buenos Aires con su novio cuando el padre de su amiga muerta la contacta: después de algún tiempo, van a cremar a Andrea y a esparcir las cenizas siguiendo sus deseos y quieren que la amiga esté allí. La premisa anuncia algo conocido: otra película argentina sobre el retorno al pueblo donde el viaje y el reencuentro con el pasado deben ayudar a disipar las dudas del presente. Es posible llegar a imaginarse incluso el tono: contenido, sin estallidos dramáticos, con tragedias silenciosas alimentando de manera subterránea las psiquis de los personajes. La muerte no existe y el amor tampoco es eso, pero también algunas cosas más. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – I was at home, but

I was at home, but (Ich War Zuhause, Aber – Alemania – 2019)
Competencia Internacional

Dirección: Angela Schanelec
Guión: Angela Schanelec
Intérpretes: Maren Eggert, Jakob Lassalle, Clara Möller, Franz Rogowski, Dane Komljen

por Aníbal Perotti

El joven cine alemán de la escuela de Berlín es el más consistente, orgánico y moderno que ha dado Europa en el nuevo siglo. Angela Schanelec es la cineasta más radical de esta nueva ola. En sus últimas películas, Schanelec depura la puesta en escena buscando la mejor manera de filmar las emociones. El montaje y la composición del plano le otorgan una fuerza profundamente magnética a la imagen más banal. Bajo una apariencia sobria y realista, se revela un misterio, una extrañeza iracunda, una ambición que desborda los métodos de representación habituales. I was at home, but es un notable entrelazamiento musical de personajes vinculados por una mujer que parece no estar dispuesta a comportarse de ninguna manera. Como los animales salvajes de la introducción, la película no es domesticable: el desconcierto placentero que provoca al alejarse de los modelos narrativos convencionales revela una armonía oculta, una gracia efímera o una extraña inquietud en el corazón de lo cotidiano. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Los que vuelven

Los que vuelven (Argentina – 2019)
Competencia Argentina

Dirección: Laura Casabé
Guion: Paulo Soria, Lisandro Bera, Laura Casabé
Intérpretes: Lali González, María Soldi, Alberto Ajaka, Javier Drolas, Edgardo Castro

por Diego Maté

Pasan apenas unos segundos de Los que vuelven y ya se tiene la sensación de respirar un aire diferente. En un pasado indefinido, un decimonónico genérico, digamos, una mujer está ante una catarata con su hijo muerto en brazos y pide a la Iguazú que lo traiga de vuelta, que se lo devuelva. El plano deja fuera de campo el cuerpo del bebé, y unos instantes después se lo escucha emitir un llanto monstruoso. El horror surge de lo que no se ve, una lección inmemorial del cine de terror, un recurso siempre al alcance de la mano que las películas del género suelen olvidar con demasiada frecuencia. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Vitalina Varela

Vitalina Varela (Portugal – 2019)
Competencia internacional

Dirección: Pedro Costa
Guion: Pedro Costa, Vitalina Varela
Intérpretes: Vitalina Varela, Ventura

por Aníbal Perotti

Pedro Costa es un autor insoslayable del cine contemporáneo. Sus películas poseen una fuerza y una singularidad excepcionales. El cineasta vuelve a filmar la misma comunidad de la periferia de Lisboa, con los abismos insondables a su alrededor que acentúan la sensación de estar en un lugar secreto, al borde del mundo. En esta nueva película, la oscuridad de la noche tiene un espesor nunca visto. Una noche eterna, fantástica, mítica, gigantesca como un océano, que transforma al vecindario en un limbo laberíntico donde los inmigrantes deambulan aturdidos como si hubieran perdido el camino a su hogar desde hace mucho tiempo. En boca de los personajes, Cabo Verde parece tan lejano como una tierra de leyendas. Cada plano mezcla alegría y sufrimiento: un esplendor tenebroso en el que parece latir la vida, el dolor y el misterio. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Parasite

Parasite (Gisaengchung – Corea del Sur – 2019)
Autores – Autoras

Dirección: Bong Joon-ho
Guion: Bong Joon-ho, Han Jin Woon
Intérpretes: Song Kang-Ho, Lee Sun-kyun, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik

por Aníbal Perotti

La ceremonia. La primera imagen es significativa: el entrepiso en mal estado que habita la familia Ki-taek tiene una ventana al ras de la calle que les otorga una perspectiva a medio enterrar sobre la ciudad y el mundo. El clan vive de pequeños trabajos ocasionales, pero todo cambia cuando el hijo es contratado para ser tutor de inglés de una adolescente en la casa de una familia muy rica. En menos de diez minutos, la película establece sus grandes principios y devela un elemento perturbador, una infiltración discreta: los sirvientes como los dobles secretos de sus amos. La lucha de clases aparece como un intercambio de cuerpos diferenciados por sus ambientes: los refugios subterráneos de los pobres y las alturas urbanas y arquitectónicas de los ricos. Leer el resto de esta página »

Mar del Plata 2019 – Shakti

Shakti (Argentina, Chile – 2019)
Panorama de Cine Argentino

Dirección: Martín Rejtman
Guion: Martín Rejtman
Intérpretes: Ignacio Solmonese, Laura Visconti, Patricio Penna, Susana Pampín, Pablo Moseinco

por Diego Maté

Pasan los años y las películas (y los mediometrajes, y los cortos) y uno confirma una intuición feliz: el cine de Martín Rejtman no evoluciona, no se transforma, no se reinventa. No tiene razones para hacerlo: desde Silvia Prieto el director sabe lo que quiere y cómo lograrlo, no hay grandes interrogantes; el cine según Rejtman no es un medio para hacerse preguntas, sino un dispositivo que persigue efectos específicos con una precisión milimétrica. Cada nueva película introduce a lo sumo variaciones en el mecanismo, desvíos leves con miras a un incremento de la eficacia, como una máquina que juega a reordenar sus engranajes segura de que la modificación no hará más que perfeccionar su desempeño. Leer el resto de esta página »

High Life

Llegamos al final del dossier sobre Claire Denis. Fueron catorce textos dedicados a analizar la filmografía de una de las directoras más importantes del cine contemporáneo. Terminamos con High Life, su nueva película, una joya que pasó demasiado rápido por la cartelera local.

C I N E M A R A M A

High Life (Francia, Alemania, Gran Bretaña, Polonia – 2018)

Dirección: Claire Denis
Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox
Intérpretes: Robert Pattinson, Juliette Binoche, André Benjamin, Mia Goth, Lars Eidinger

por Aníbal Perotti

El sacrificio. Un jardín exuberante, una fusión de materiales entre lo orgánico y lo mineral, un esplendor desconcertante que emerge desde otro tiempo. De pronto, la cámara parece cautivada por el sonido de los balbuceos de un bebé y abandona el edén prefabricado para ir a su encuentro atravesando los pasillos de una nave espacial. La niña está dentro de un corralito improvisado frente a dos pantallas. Mediante un asombroso dispositivo, ella se comunica con su padre que se encuentra haciendo arreglos en otra parte de la nave. El sonido aterciopelado de los breves intercambios instala una fuerte emoción teñida de angustia. El cosmos inmensamente frío e indiferente al grito vital de la bebé…

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Mar del Plata 2019 – Il traditore

Il traditore (Italia, Francia, Alemania, Brasil – 2019)
Autores

Dirección: Marco Bellocchio
Guion: Marco Bellocchio, Valia Santella, Ludovica Rampoldi, Francesco Piccolo
Intérpretes: Pierfrancesco Favino, Maria Fernanda Candido, Fabrizio Ferracane, Luigi Lo Cascio, Fausto Russo

por Aníbal Perotti

A los ochenta años, Marco Bellocchio esgrime una frescura anárquica y una libertad creativa sorprendente que le permite filmar una película original, excesiva y compleja. Su cine estuvo marcado desde siempre por la muerte y ahora encuentra su meditación más perturbadora: un tratado sobre el tormento. Los grandes artistas son capaces de incorporar cualquier tema a su propio universo. Mucho más que una película sobre la mafia, Il traditore es el retrato ambiguo de un hombre justo con sangre en las manos, una visión inexpugnable sobre la Cosa Nostra y al mismo tiempo sobre la sociedad italiana, su justicia, sus vericuetos administrativos, penitenciarios y judiciales que el cineasta examina en los mínimos detalles.  Bellocchio filma a sus conciudadanos como un extranjero, con la distancia justa para capturar un territorio interior evitando el folclore local. El cineasta conduce a su héroe a través de distintos países e idiomas y construye una película cambiante que modula su tono de una escena a la otra: una suerte de fantástico naturalista que confirma su gusto por el claustro, el altar, las alcobas y las confesiones. Leer el resto de esta página »

Un bello sol interior (Un beau soleil intérieur)

Estamos llegando al final del dossier de la gran Claire Denis. Volvemos con Un bello sol interior, que no generó en las críticas el entusiasmo que merecía.

C I N E M A R A M A

Año: 2016
Origen: Francia
Dirección: Claire Denis
Guión: Claire Denis, Christine Angot
Intérpretes: Juliette Binoche, Xavier Beauvois, Philippe Katerine, Josiane Balasko, Alex Descas, Valeria Bruni Tedeschi, Gérard Depardieu
Fotografía: Agnès Godard
Música: Stuart A. Staples
Edición: Guy Lecorne
Duración: 94 minutos

por Aníbal Perotti

Elle. La nueva película de Claire Denis marca su retorno a los ambientes parisinos e intimistas de Vendredi soir y 35 Rhums. La cineasta conserva la mezcla audaz de crudeza y sensualidad e incorpora un humor satírico y absurdo para retratar la tormentosa vida sexual de Isabelle. La película está organizada como una serie de escalas fragmentadas en el itinerario obstinado de una mujer que busca el amor absoluto. Un bello sol interior es un recorrido embriagador por una rutilante constelación de actores girando torno a una extraordinaria Juliette Binoche que nunca estuvo tan ligera, simple…

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Dossier Denis – Les salauds

Continuamos con el dossier dedicado a Claire Denis. Seguimos con Les Salauds. Escribe Aníbal Perotti.

C I N E M A R A M A

Les Salauds (Francia – 2012)

Dirección: Claire Denis
Guion: Jean-Pol Fargeau, Claire Denis
Interpretes: Vincent Lindon, Chiara Mastroianni, Julie Bataille, Michel Subor

por Aníbal Perotti

La lluvia violenta se abate sobre el cuerpo de un hombre muerto, una noche, en un barrio elegante de París. Algunos metros más lejos, una joven camina desnuda por el medio de la calle; parece aturdida y lleva en su cuerpo marcas de violencia sexual. La cámara se detiene de manera inquietante buscando algo en su mirada, un cierto disfrute. En el cine de Claire Denis el sexo es el lugar de la pasión y del odio, del deseo y del peligro, de la caricia y de la mordedura. La vibración eléctrica y la belleza venenosa de su nueva película se afirman en ambientes nocturnos y espacios cerrados, bañados de una luz pálida y saturados por los sonidos etéreos de Tindersticks.

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Sobre Succession

c5ca1e50042bedf41561b34afb89bb35f34e351fce6ba5d16c416f2167f8e96a67a20d6f6c44cfd6cebc8024ba6b3b0d

por Santiago Armas

Nido de serpientes. Con dos temporadas en su haber, ya podemos afirmar que la nueva creación del guionista británico Jesse Armstrong (responsable de grandes sátiras políticas como Veep y la película In The Loop), junto al director norteamericano Adam McKay, se encuentra entre lo mejor en materia de series en los últimos años. La combinación de los diálogos filosos y cargados de ironía propios de Armstrong con el estilo de cámara nervioso visto en las últimas películas de McKay (como La gran apuesta y El vicepresidente) dan como resultado una historia apasionante y explosiva, llenas tanto de tensiones dramáticas como de momentos de humor en los que la mirada punzante y aguda de los creadores está dirigida hacia el mundo de las grandes corporaciones norteamericanas y de los poderosos que observan el mundo desde arriba. Leer el resto de esta página »