Street Fighter, la leyenda (Street Fighter, the Legend of Chun-li)

Año: 2009
Origen: Canadá, India, Estados Unidos, Japón
Dirección: Andrzej Bartkowiak
Guión: Justin Marks
Intérpretes: Kristin Kreuk, Chris Klein, Neal McDonough, Robin Shou, Michael Clarke Duncan
Fotografía: Geoff Boyle
Edición: Paulo Derek Brechin, Niven Howie
Música: Marce Stephen Endelman
Duración: 96 minutos

por Diego Maté

Todavía me acuerdo del disgusto que me llevé cuando vi por primera vez la película de Street Fighter, allá a mediados de los 90. Me molestaban la enorme cantidad de incongruencias que el guión mostraba respecto de la historia original, y es que algunas hasta rayaban sin más en la estupidez más rampante (personajes malvados que de repente luchaban del lado de los buenos, o algunos tenían profesiones irrisorias -Edmond Honda, el campeón de sumo, en la película resultaba ser periodista, y Balrog, el boxeador asesino, ¡camarógrafo!). Pero lo que más me indignaba era el tono de burla y parodia que yo, ignorante absoluto de las posibilidades del cine, atribuía más a una falta de capacidad de los realizadores que a una decisión consciente de los mismos. En resumen, yo veía un fiasco total, que solamente por momentos se salvaba gracias a las apariciones de Guile y Zangief, los únicos personajes que se ceñían al carácter y diseño originales. Por suerte, el tiempo me iba a enseñar que estaba muy equivocado, porque en algunas visiones posteriores (la última fue hace cosa de un año) Street Fighter se me iba a revelar como una película de una vitalidad increíble, desbordante, que detrás de su fachada paródica escondía ambiciones altamente cinematográficas.

Ponyo y el secreto de la sirenita (Gake no ue no Ponyo)

Año: 2008
Origen: Japón
Dirección: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Voces: Yuria Nara, Hiroki Doi, Jôji Tokoro, Tomoko Yamaguchi
Fotografía: Atsushi Okui
Edición: Hayao Miyazaki, Takeshi Seyama
Música: Joe Hisaishi
Duración: 100 minutos

por David Obarrio

Para Jime, que se encarga de la luz

¿Vivirán juntos Ponyo y Sosuke finalmente?¿Serán “novios” ? Así lo ha sugerido el atribulado padre de Ponyo, el mago a quien las cosas no le salen del todo bien y cuya magia, que también es poder, se muestra en verdad insuficiente para dar cuenta de la complejidad del mundo: “Encima parece que se consiguió un novio”, se queja a los vientos en un momento de máximo desasosiego en el que todo parece haberse salido de cauce. El tipo no las tiene todas consigo. Es que lejos de quedarse en una burbuja (la situación es cómicamente literal), su hija se ha aventurado por las aguas hacia la superficie, picada por la curiosidad, hasta quedar deslumbrada ante la visión de la casa en lo alto de una colina: el hogar de Sosuke, un niño de cinco o seis años que tiene un padre al que ve poco y nada, un barquito de juguete y un balde, y que debe comerse el desayuno en el auto rumbo al colegio porque si no su madre llega tarde al trabajo. Es en ese contexto en tierra firme, en ese mundo diurno aunque con borrascas (la película se inicia con unas nubes que se recortan sobre el mar) en el que lo maravilloso se realiza, pero no como discrepancia con fuerzas que se le oponen sino más bien blandamente, como si el mundo infantil (qué otra cosa podría ser el mundo según Sosuke) no fuera un escenario de contrastes irresolubles sino la posibilidad siempre abierta de la aparición del factor maravilloso en medio de lo cotidiano.

Big Bang Love (46-okunen no koi) – Estreno en DVD ampliado

Año: 2006
Origen: Japón
Dirección: Takashi Miike
Guión: Masa Nakamura
Intérpretes: Ryuhei Matsuda, Masanobu Ando, Ryo Ishibashi, Renji Ishibashi, Kenichi Endo
Fotografía: Masahito Kaneko
Edición: Yasushi Shimamura
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“…estoy calmo, atento, como si me encontraran
ante un insecto extraño
del que bruscamente ya no tengo miedo”
Roland Barthes, Fragmentos de un discurso amoroso

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En cuerpo y mente. Como siempre sucede en el cine de Miike, lo primero que se fuerza, cayendo en una especie de hipnótica constancia, es el cuerpo (estrepitosamente sufrido en su materialidad e indescriptiblemente abismal en términos introspectivos): la danza iniciática que dispara el nonsense dentro de Big Bang Love,  y que combina movimientos tribales con tempos desenfrenados al mejor estilo new age, emprende, excitada, un camino sinuoso a recorrer. Desde un espacio identificable como aquel del pensamiento, un pequeño es hechizado por los movimientos de un bailarín cuya corporalidad se presenta estigmatizada por esos tatuajes tan comunes dentro de la yakuza: en los instantes finales de esa representación que escapa a todo estatismo a través del montaje (rítmico aunque escasamente acelerado), el cuerpo del danzante cae aquejado por tamaño esfuerzo dejando entrever un estremecimiento que, frente a los ojos del niño y de esa otra presencia (avejentada y altamente discursiva), emite una sensación de homoerotismo seductor.

Mil años de oración (One Thousand Years of Good Prayers)

Año: 2007
Origen: Estados Unidos, Japón
Dirección: Wayne Wang
Guión: Yiyun Li
Intérpretes: Faye Yu, Henry O, Pavel Lychnicoff, Vida Ghahremani
Fotografía: Patrick Lindenmaier
Edición: Deirdre Slevin
Música: Lesley Barber
Duración: 80 minutos

por Ezequiel Villarino

Los tiempos. Un film sobre los tiempos; dos, específicamente. De eso se trata Mil años de oración de Wayne Wang. Por un lado, de un tiempo verbal: una película que vuelve al pasado desde el discurso, o mejor dicho desde el lenguaje (sea cual sea el idioma que se hable). Sin retroceso temporal alguno en imágenes, el realizador nacido en Hong Kong y radicado en los Estados Unidos niega todo flashback, haciendo del lenguaje eso que para muchos abocados al estudio de la palabra es ley: lo dicho como representación y capacidad de dar existencia a lo que se dice (porque, como ciertos fervorosos lingüistas y semióticos indican, aquello que no se dice no goza de presencia alguna). Y esa representación, en el film, despierta un tiempo que fue dentro de una relación resquebrajada entre padre e hija: el decir lastima y recuerda otras décadas, otros períodos históricos signados por ideologías políticas para muchos cuestionables (el comunismo en el film de Wang es representado, dentro de ese tiempo discursivo, como una ruidosa mala palabra culpable de la destrucción de una familia).

Shara (Sharasojyu)

Año: 2003
Origen: Japón
Dirección: Naomi Kawase
Guión: Naomi Kawase
Intérpretes: Kohei Fukungaga, Yuka Hyyoudo, Naomi Kawase, Katsuhisa Namase, Kanako Higuchi
Fotografía: Yutaka Yamasaki
Edición: Naomi Kawase, Shotaru Anraku, Tomoh Sanjo
Música: Yoshiya Nagasawa
Duración: 99 minutos

por Aníbal Perotti

La libertad. Los directores de la Nouvelle Vague iniciaron una revolución formal y estética a fines de los años 50 que contribuyó a renovar el lenguaje cinematográfico, filmando en exteriores con luz natural para lograr un mayor realismo y evidenciando a su vez el artificio con quiebres en la continuidad narrativa, actores mirando a cámara y un largo etcétera. Naomi Kawase reemprende con Shara la transformación iniciada por la Nouvelle Vague en el lugar donde varios de sus autores la abandonaron hace cuarenta años.

Shara (Sharasojyu)

Año: 2003
Origen: Japón
Dirección: Naomi Kawase
Guión: Naomi Kawase
Intérpretes: Kohei Fukungaga, Yuka Hyyoudo, Naomi Kawase, Katsuhisa Namase, Kanako Higuchi
Fotografía: Yutaka Yamasaki
Edición: Naomi Kawase, Shotaru Anraku, Tomoh Sanjo
Música: Yoshiya Nagasawa
Duración: 99 minutos

por Ezequiel Villarino

Un doble camino. Existe en Shara un transitar oscilante entre la vida y la muerte, las presencias y las ausencias, la luz y la oscuridad. Un desarrollo que hace de causas y consecuencias una referencia obligada a aquel doble camino del zen, un movimiento basado en la interiorización del exterior y la exteriorización del interior; ya que si en ciertas instancias del film Naomi Kawase propone una cercanía poco antes vista, describiendo y exponiendo magníficamente las emociones más íntimas como pueden ser esos primeros planos contemplativos y silenciosos sobre la mayoría de los personajes, en otros momentos la directora elige el estallido emocional de manera colectiva aferrándose a una idea de festividad corporal y sentimental tan cautivante que es imposible permanecer inmune al contagio de la fuerza de las imágenes.

Ceguera (Blindness)

Año: 2008
Origen: Canadá, Brasil, Japón
Dirección: Fernando Meirelles
Guión: Don McKellar
Intérpretes: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Danny Glover, Gael García Bernal.
Fotografía: César Charlone
Edición: Daniel Rezende
Música: Marco Antônio Guimaraes
Duración: 120 minutos

por Laura Gehl

Hay piezas literarias que son de difícil adaptación al cine, aunque a priori puedan parecer sencillas y cinematográficas al leerlas (ocurre con algunos policiales, como Pacto de sangre o Laura). Necesariamente el paso de un medio a otro debe importar un cambio en su planteo dado que el lenguaje en el que se expresan es distinto y hasta podría decirse que diametralmente opuesto. Entonces, al transpolar una novela al cine sin aportar algún signo propio o característico del soporte último (obviando por supuesto el mero uso de la imagen), sólo nos vamos a encontrar con un “texto filmado” donde irreparablemente quedará resentida la película y la palabra adaptación perderá su significado.

La princesa de Nebraska (The Princess of Nebraska)

Año: 2007
Origen: Estados Unidos, Japón
Director: Wayne Wang
Guión: Michael Ray
Intérpretes: Ling Li, Brian Danforth, Pamelyn Chee, Patrice Binaisa
Fotografía: Richard Wong
Música: Kent Sparling
Edición: Deirdre Slevin
Duración: 75 minutos

por David Obarrio

De Wayne Wang, director de La princesa de Nebraska, tuve noticias por primera vez hace ya varios años. Recuerdo vagamente haber visto una película suya, reseñada en su momento con no poco entusiasmo en algún diario, protagonizada por Tom Hulce. Supongo que el actor de Amadeus en algún tramo del film reía de manera estentórea y gesticulaba. Creo que también lloraba un poco, interpretaba a un dibujante de historietas atribulado por no me acuerdo qué vericuetos de la trama y tenía problemas familiares y de dinero. O algo así. Es decir que olvidé esa película casi por completo, incluso su título (remito a los lectores interesados a IMDB, que para eso algún benefactor de la humanidad se tomó el trabajo de inventarlo) pero retuve el nombre del director, que suena como una aliteración y que evoca de inmediato en el oído del aficionado la figura ejemplar del protagonista de Rio Bravo o The Searchers. Nadie sabe qué se ha hecho de Tom Hulce, pero se ve que Wayne Wang se las ingenió para desarrollar una carrera más o menos errática a mitad de camino entre su Hong Kong natal y los Estados Unidos, su país de adopción.