Demasiado amor (Peperoni ripieni e pesci in faccia)

Año: 2004
Origen: Italia
Dirección: Lina Wertmüller
Guión: Umberto Marino, Elvio Porta, Lina Wertmüller
Intérpretes: Sophia Loren, F. Murray Abraham, Emiliano Coltorti
Fotografía: Giuseppe Lanci
Edición: Pierluigi Leopardi
Música: Lilli Greco
Duración: 98 minutos

por Aníbal Perotti

La Loren visita a Los Cubrepileta. Demasiado amor es un bodrio mayúsculo cuyo único mérito es demostrar que Sofía Loren, una de las mujeres más bellas de la historia del cine, ha envejecido dignamente. La Loren interpreta a una mujer temperamental del sur de Italia casada con un ex periodista norteamericano (caprichos de la coproducción) que abandonó su profesión para dedicarse a la pesca (caprichos del guión). Al comenzar la película nos enteramos que la Loren discutió con el pescador y lo mandó a dormir a su barco, aunque ahora está dispuesta a perdonarlo porque se aproxima el cumpleaños de la nona y hay que evitarle un disgusto. Pero cuando la Loren desciende al barco cargando los salamines de la reconciliación, encuentra entre los papeles del pescador un poema de amor destinado a la rubia que atiende la farmacia. Ahí nomás se arma la rosca.

Sonrisas y lágrimas (Giorni e nuvole)

Año: 2007
Origen: Italia, Suiza
Dirección: Silvio Soldini
Guión: Silvio Soldini, Doriana Leondeff, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli
Intérpretes: Margherita Buy, Antonio Albanese, Alba Rohrwacher
Fotografía: Ramiro Civita
Edición: Carlota Cristiani
Música: Giovanni Venosta
Duración: 118 minutos

por Aníbal Perotti

La nueva película de Silvio Soldini comparte con El empleo del tiempo, la obra maestra de Laurent Cantet, un protagonista que le oculta a su familia su condición de desempleado. Lamentablemente esta es la única coincidencia. Cantet se concentra en la deriva de un personaje que viaja al azar por caminos que no llevan a ninguna parte, durmiendo en el auto o comiendo en bares impersonales, y que se precipita en una espiral de mentiras para sostener el engaño. La puesta en escena acompaña el comienzo lento e inestable de un protagonista que no está aún plenamente afirmado en el arte de la simulación, y se va deslizando hacia la estética del film noir a medida que el personaje se perfecciona y redobla su apuesta. El empleo del tiempo es una película compleja e inquietante que invita a cuestionar las instituciones del trabajo y la familia como pilares de la sociedad. Sonrisas y lágrimas está en el extremo opuesto, Soldini plantea muchos temas pero se queda siempre en la superficie, reduce todo el conflicto al deterioro de la relación de pareja y entrega un final tranquilizador.

El sol (Solntse)

Año: 2005
Origen: Rusia, Italia, Suiza, Francia
Dirección: Alexander Sokurov
Guión: Yury Arabov
Intérpretes: Issey Ogata, Robert Dawson, Kaori Momoi
Fotografía: Elena Zhukova
Edición: Sergey Yvanov
Música: Andrey Sigle
Duración: 110 minutos

por Aníbal Perotti

El artista no tiene derecho a proyectar todas sus emociones o todo lo que le interesa hacia el público. Su emoción por un sujeto debe metamorfosearse en la calma olímpica de la forma. Sólo entonces podrá revelar lo que lo emociona de verdad.
Andrei Tarkovski, Esculpir en el tiempo

El eclipse. Hace exactamente diez años (cuando la cartelera comercial  todavía daba lugar a sorpresas) se estrenaba en Argentina Madre e hijo de Aleksandr Sokurov, una película única e irrepetible de un impactante poder visual que, casi sin movimientos de cámara, genera en el espectador una inolvidable experiencia emocional.  Fuertemente influenciado por el ícono, expresión artística donde la perspectiva está anulada con el objeto de rehuir de cualquier realismo, el director construye un sistema de espejos deformantes que producen sugerentes distorsiones en la imagen y operan como una verdadera pintura sensorial revelando una profunda melancolía. Desde entonces, las películas de Sokourov utilizan de forma recurrente ciertos artificios como la bruma, la banda sonora en segundo plano, o una monocromía dominante que remiten al cine de su maestro Andrei Tarkovski, al que le dedicó el documental homenaje Elegía de Moscú.

Terminator: la salvación (Terminator Salvation)

Origen: Estados Unidos, Alemania, Gran Bretaña, Italia
Año: 2009
Dirección: McG
Guion: John D. Brancato, Michael Ferris
Intérpretes: Christian Bale, Sam Worthington, Anton Yelchin, Moon Bloodgood, Helena Bonham Carter
Fotografía: Shane Hurbult
Música: Danny Elfman
Edición: Conrad Buff IV
Duración: 115 minutos

por Laura Gehl

Come with me if you want to live. El mercado de las sagas es una unidad aparte en la materia “cine industrial”. Se supone (o mejor dicho, Hollywood supone) que con la sola mención en el título de aquella película exitosa, que fuera el origen de varios capítulos por venir, ya hay un nicho asegurado de espectadores. Y probablemente sea así. Pero eso, definitivamente, no alcanza. No les alcanzó a las últimas entregas de Indiana Jones, Wolverine (de X-men), Star Wars, El hombre araña o Superman, por citar solo algunos ejemplos. Lo mismo ocurre con Terminator: la salvación.

El artista

Año: 2008
Origen: Argentina, Italia
Dirección: Gastón Duprat, Mariano Cohn
Guión: Andrés Duprat
Intérpretes: Sergio Pángaro, Alberto Laiseca, León Ferrari, Horacio González, Rodolfo Fogwill
Fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Edición: Santiago Ricci
Música: Diego Bliffeld
Duración: 94 minutos

por Ezequiel Villarino

Arte sin cine. La sátira sobre el campo del arte ha encontrado en la dupla Cohn-Duprat una mirada que hace gala, con recato inexistente, de una particular extrañeza: en lugar de satirizar con enérgico disfrute esa especie de relación simbiótica entre el artista y la obra (sujeto-objeto, creador-creación), se opta por una anémica, tenue y, al parecer, “demasiado”inteligente (dudo que muchos disfruten de su humor) revisión sobre el terreno artístico (todo encuadre, por ejemplo, está elucubrado milímetro a milímetro y todo es tan soft que adormece).

El silencio de Lorna (Le silence de Lorna)

Año: 2008
Origen: Bélgica, Francia, Italia
Dirección: Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Guión: Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Intérpretes: Arta Dobroshi, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione
Fotografía: Alain Marcoen
Edición: Marie Hélène Dozo
Duración: 105 minutos

por David Obarrio

No es fácil saber si algo de la potencia particular que indiscutiblemente anida en la propuesta de los hermanos Dardenne se ha perdido en el camino. O si a fuerza de insistir en algunas de sus características más evidentes, un cierto aire de automatismo se ha apoderado de su cine despojándolo de manera perceptible de esa energía primitiva. El de los Dardenne fue siempre un cine dotado de una indudable urgencia, de una fatal, casi dolorosa comunión con su Bélgica natal (es decir, el mundo circundante), como si los hermanos no concibieran su arte sino en relación con las desdichas del presente, y éstas se manifestaran del modo más idóneo bajo la luz arrolladora del cine.

Jardines en otoño (Jardins en automne)

Año: 2006
Origen: Francia, Italia, Rusia
Dirección: Otar Iosseliani
Guión: Otar Iosseliani
Intérpretes: Séverin Blanchet, Michel Piccoli, Jacynthe Jacquet, Otar Iosseliani, Pierre Etaix
Fotografía: William Lubtchansky
Edición: Otar Iosseliani, Ewa Lenkiewicz
Música: Nicolas Zourabichvili
Duración: 118minutos

por Aníbal Perotti

“La fe en las virtudes del trabajo está haciendo mucho daño en el mundo moderno”.
Elogio del ocio, Bertrand Russell.

Bertrand Russell, uno de los filósofos más influyentes del siglo pasado y premio novel de literatura en 1950, estuvo preso en más de una ocasión por ser fiel a sus convicciones (por ejemplo al oponerse a la Primera Guerra) y por la habilidad manifiesta en sus textos para sorprender y provocar con mucha ironía. Con Elogio del ocio, un ensayo en el que mediante un brillante (y muy sencillo) análisis económico concluye que la causa de todos los males es el ahorro, se ganó la simpatía de mucha gente y el odio de gran parte de los dirigentes. Russell recomienda no depositar el dinero en los bancos (¡el texto es de 1935!) y en cambio sugiere gastarlo en fiestas con amigos, que es la mejor forma de honrar la camaradería y además se beneficia el carnicero, el panadero y el contrabandista de alcohol. A lo largo del texto derriba de forma magistral aquel refrán que dice que “el ocio es la madre de todos los vicios” e incluso arriesga que “el sabio uso del ocio es un producto de la civilización y de la educación”. Setenta años después Otar Iosseliani toma la posta, arremete con un tono libertario contra la moral del trabajo y compone una oda a la ausencia de ambición y al abandono a los pequeños placeres hipnóticos de la vida.

Gomorra

Año: 2008
Origen: Italia
Dirección: Matteo Garrone
Guión: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Gianni Di Gregorio, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso, Roberto Saviano
Intérpretes: Toni Servillo, Gianfelice Imparato, Maria Nazionale
Fotografía: Marco Onorato
Edición: Marco Spoletini
Duración: 135 minutos

por David Obarrio

Parece que no es para cualquiera, la cosa. No estoy hablando de la película llamada Gomorra sino de la vida criminal que en ella se representa. Que lo digan si no los dos palurdos que se empeñan en vivir peligrosamente y terminan poco menos que clamando por sus mamás cuando se encuentran con unos pesados de verdad. Es que uno de los jóvenes aprendices de ladrones tiene como modelo a Tony Montana (el personaje de Scarface de acuerdo con la versión de Brian De Palma), y la distancia que hay entre el cine y la realidad se les presenta a los personajes de la manera más brutal y desgraciada posible.

Competencia desleal (Concorrenza sleale – Estreno en DVD ampliado)

Año: 2001
Origen: Italia, Francia
Dirección: Ettore Scola
Guión: Ettore Scola, Silvia Scola, Fulvio Scarpelli, Furio Scarpelli, Giacomo Scarpelli
Intérpretes: Diego Abatantuono, Sergio Castellitto, Gérard Depardieu, Jean Claude Brialy
Fotografía: Franco Di Giacomo
Edición: Jo Raimondo Crociani
Música: Armando Trovajoli
Duración: 110 minutos

por Aníbal Perotti

Hace apenas diez años se estrenaban regularmente las últimas películas de Theo Angelopolus, Manoel de Oliveira, Doris Dörrie, Alexander Sokurov, Nanni Moretti,  Shoei Imamura, Tsai Ming Liang, Abbas Kiarostami, José Luis Guerín, Samira Majmalbaf o Arturo Ripstein, entre otros directores de vanguardia. Y el público respondía. Todavía recuerdo el insólito cartel de “localidades agotadas” en la sala uno del Lorca para La manzana o Profundo carmesí, (por no mencionar el mítico caso de El sabor de la cereza), o la permanencia en cartel de Nadie me quiere o Tren de sombras por más de seis meses en el Cosmos. En ese contexto, La Cena de Ettore Scola era considerada una película clásica y convencional, y su estreno en el año 2000 fue un importante suceso comercial. Pero aquel gran momento no se consolidó en un circuito alternativo de salas y en el 2001, crisis mediante, todo se vino abajo.

Asterix en los juegos olímpicos (Astérix aux jeux olympiques)

Año: 2008
Origen: Francia, Alemania, España, Italia
Dirección: Frédéric Forestier, Thomas Langmann
Guión: Alexandre Charlot, Franck Magnier, Olivier Dazat, Thomas Langmann
Intérpretes: Gérard Depardieu, Alain Delon, Clovis Cornillac, Benoît Poelvoorde, Stéphane Rousseau, Santiago Segura
Fotografía: Thierry Arbogast
Edición: Yannick Kergoat
Música: Frédéric Talgorn
Duración: 116 minutos

por Aníbal Perotti

Asterix en los juegos olímpicos traslada las peores prácticas de Hollywood a Europa. La película (de algún modo hay que llamarla) se puede asimilar perfectamente a cualquier tanque americano: contó con un presupuesto desmesurado (setenta y ocho millones de euros de producción más veinte millones de euros de publicidad) y una campaña de marketing que incluyó el lanzamiento simultáneo en cinco mil salas de toda Europa. La comparación entre el producto final y las abultadas cifras de recaudación confirman que el poder económico produce el atontamiento de masas sin importar las latitudes.

La duquesa (The Duchess)

Año: 2008
Origen: Gran Bretaña, Italia, Francia
Dirección: Saul Dibb
Guión: Jeffrey Hatcher, Anders Thomas Jensen
Intérpretes: Keira Knightley, Ralph Fiennes, Charlotte Rampling, Dominic Cooper, Simon Mcburney
Fotografía: Gyula Pados
Edición: Masahiro Hirakubo
Música: Rachel Portman
Duración: 110 minutos

por Aníbal Perotti

Bajo la máscara de film de época y de adaptación literaria con alto valor cultural agregado, la última película de Rivette, No toquen el hacha (que adapta una novela  poco conocida de Balzac y se pudo ver en Buenos Aires el año pasado en una muestra de Cahiers du Cinema en la Sala Lugones), posee una intensidad constante que no necesita música extradiegética para conmover. Una película viva, seca y nerviosa que transmite el placer de filmar cuerpos, ya sea el del hombre herido o el de la mujer cautiva; y dónde el actor encuentra el tono justo, lejos de los énfasis, los decorados y los trajes típicos. La duquesa es todo lo contrario, porque la película de Saul Dibb jamás llega a sobrepasar los pasajes obligados e irritantes de la película histórica.

Mi hermano es hijo único (Mio frattelo è figlio unico)

Año: 2007
Origen: Italia, Francia
Dirección: Daniele Luchetti
Guión: Daniele Luchetti, Sandro Petraglia, Stefano Rulli
Intérpretes: Elio Germano, Riccardo Scamarcio, Diane Fleri, Angela Finocchiaro, Massimo Popolizio, Alba Rorhwacher
Fotografía: Claudio Collepiccolo
Música: Franco Piersanti
Edición: Mirco Garrone
Duración: 103 minutos

por Anibal Perotti

Nos habíamos odiado tanto. “Nosotros creíamos que cada piedra, desde la iglesia de San Marco hasta el hotel de la ciudad, había sido puesta por el Duce”, escribe Antonio Pennacchi en Il Fasciocomunista. Esta novela con tintes autobiográficos es la base del guión de Mi hermano es hijo único, el nuevo trabajo de Daniele Luchetti. La película relata la atormentada vida de Accio Benassi, el facho comunista del titulo del libro, que pasa de joven seminarista católico a las filas del Movimiento Social Italiano (armado con las cenizas del Partido Fascista, prohibido después de la guerra) y de ahí, sin escalas, al partido comunista. El director intenta describir la historia socio política italiana de las décadas del 60 y 70, a través del aprendizaje sentimental e ideológico del protagonista y el enfrentamiento con su hermano mayor, en el contexto de una familia de clase obrera.

La mujer sin cabeza

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia, Italia
Dirección: Lucrecia Martel
Guión: Lucrecia Martel
Intérpretes: María Onetto, Claudia Cantero, Inés Efron, Daniel Genoud, Guillermo Arengo, César Bordón, María Vaner
Fotografía: Bárbara Alvarez
Dirección de sonido: Guido Beremblun
Edición: Miguel Schverdfinger
Duración: 87 minutos

por Diego Maté

En La ciénaga y La niña santa ya estaba esbozado el que sería el tema central del cine de Lucrecia Martel: las mujeres y la locura (aclaro que uso el término en su acepción estrictamente popular). Mecha (Graciela Borges, en La ciénaga) y Helena (Mercedes Morán, en La niña santa) tienen mucho en común: las dos están separadas (Helena legalmente, Mecha no), duermen mucho, pasan bastante tiempo en la cama, salen poco y van perdiendo muy lentamente contacto con lo que pasa afuera de sus habitaciones (por ejemplo, ninguna de las dos puede ganarse el respeto del personal de servicio). Como contrapartida están Tati (de nuevo Morán, en La ciénaga) y la madre de Josefina (Mónica Villa, en La niña santa), dos mujeres que son cabeza de familia, organizadoras y ordenadoras incansables que tratan de mantener un equilibrio familiar mediante la autoridad más despótica.

La mujer sin cabeza

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia, Italia
Dirección: Lucrecia Martel
Guión: Lucrecia Martel
Intérpretes: María Onetto, Claudia Cantero, Inés Efron, Daniel Genoud, Guillermo Arengo, César Bordón, María Vaner
Fotografía: Bárbara Alvarez
Dirección de sonido: Guido Beremblun
Edición: Miguel Schverdfinger
Duración: 87 minutos

por Malena Flores Piera

La naturaleza impalpable del cine puede volverse una limitación al asistir a una película como La mujer sin Cabeza. Una vez fuera de la sala, uno quisiera recortar un par de escenas y repetirlas cada noche, poder almacenar en mp3 el sonido de las primeras gotas de la lluvia golpeando en el parabrisas del coche de Vero, y robar algún plano de objetos incompletos y atesorarlos en alguna agenda adolescente. Pero con La Mujer…no se puede porque no hay merchandising posible, no hay narrador que pueda plasmar las sensaciones de la película porque el espíritu de Martel está ligado a la vivencia del cine; a la experiencia de esos ochenta y siete minutos prendidos sensorialmente a encuadres que esconden más de lo que muestran, al sonido artesanal, a los diálogos sin tag-lines ni discursos, al gesto cinematográfico que escapa de todo envase.