MR 73: la última misión (MR 73)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Olivier Marchal
Guión: Olivier Marchal
Intérpretes: Daniel Auteil, Olivia Bonamy, Catherine Marchal, Francis Renaud
Fotografía: Denis Rouden
Edición: Raphael Urtin
Música: Bruno Coulais
Duración: 125 minutos

por Aníbal Perotti

Lo importante no es filmar bien, sino filmar.
Jean-Luc Godard

Olivier Marchal hace películas para ajustar cuentas con su pasado en la fuerza policial. La catarsis resulta demasiado evidente y sus desbordes de rabia se traducen en una tendencia al exceso a la hora de retratar la mediocridad del género humano y el cinismo de la institución. Sin embargo, el atractivo componente autobiográfico sumado a dos actores de prestigio lograron que El muelle fuera celebrada por gran parte de la crítica y el público, felices de encontrar a un humilde artesano capaz de fabricar una película de género popular, lejos de los delirios elitistas del cine de autor.

Unidad 25

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Alejo Hoijman
Guión: Alejo Hoijman
Fotografía: Gastón Girod
Edición: Alejo Hoijman
Sonido: Diego Martínez
Duración: 93 minutos

por Laura Gehl

Atención: se cuenta el final de la película

Hay algunos elementos en Unidad 25 que hacen que sea un documental de dudosa credibilidad (y a la vez que no importe demasiado): la película comienza con un plano dentro de un celular que, en medio de la noche, transporta presos desde una unidad carcelaria hacia otra, en este caso desde la Unidad 1 a la 25, ambas pertenecientes al Penal de Olmos. En el viaje, la cámara se detiene en Simón Pedro (¡qué nombre para caer en una cárcel evangelista!). Simón es un chico de unos veinte años, y se lo nota sereno y tranquilo. Simón, además, no responde a las características físicas que el imaginario de clase media (construido por la televisión) tiene –equivocadamente– de los presos; y aunque pueda sonar políticamente incorrecto, ése es un factor que de alguna manera descoloca al espectador, sobre todo por el posterior desarrollo de la película.

El último verano de la boyita

Año: 2009
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Julia Solomonoff
Guión: Julia Solomonoff
Intérpretes: Guadalupe Alonso, María Clara Merendino, Nicolás Treise
Fotografía: Lucio Bonelli y Julia Solomonoff
Edición: Rosario Suárez y Andrés Tambornino
Música: Sebastián Escofett
Duración: 93 minutos

por Ezequiel Villarino

El segundo largometraje de Julia Solomonoff es un relato que se estructura a partir de una temática demasiado abordada por el cine nacional en los últimos tiempos: el despertar sexual. Sumado a esto, el film se ahoga en constantes clichés, una innegable estética pintoresca for export y una manera de desarrollar lo narrado que no escapa jamás al cálculo y a lugares comunes que son fácilmente reconocibles. Nada sorprende y todo ya ha sido visto con mejor elaboración en films como La ciénaga, La rabia y, en particular, XXY.

La canción de París (Faubourg 36)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Christophe Barratier
Guión: Christophe Barratier
Intérpretes: Gérard Jugnot, Clovis Cornillac, Kad Merad, Pierre Richard
Fotografía: Tom Stern
Edición: Yves Deschamps
Música: Reinhardt Wagner
Duración: 120 minutos

por Aníbal Perotti

Algún desprevenido tal vez haya visto en Christophe Barratier a un cineasta utópico incapaz de ocultar sus buenas intenciones, que con el drama histórico Los coristas nos enseñó que el autoritarismo no es necesario, ya que el pueblo puede ser educado a través del arte, la música y la emoción colectiva de un coro. Envalentonado con las mieles del éxito, ahora el audaz autor vuelve a destapar el frasco de formol y redobla la apuesta con La canción de París. La película es un elogio a la fraternidad, a la lucha mancomunada contra el desempleo (y contra los extremistas), que utiliza como único estandarte la plena confianza en la solidaridad. En esta ocasión, las viñetas edificantes incluyen una historia de amor, un drama entre padres e hijos y alguna que otra traición, todo bajo una estética de cartón pintado y fondo de acordeón.

La sociedad de la nieve

Año: 2007
Origen: Uruguay, Argentina, Francia
Dirección: Gonzalo Arijón
Fotografía: César Charlone y Pablo Zubizarreta
Edición: Claudio Hughes, Samuel Lajus, Alice Larry
Música: Florencia Di Concilio Perrin
Duración: 126 minutos

por Ezequiel Boetti

A la hora de analizar un documental resulta casi inevitable referirse a la construcción del relato a través de “cabezas parlantes” como un defecto. Las razones para que un personaje preste testimonio ante una cámara generalmente inerte suelen encuadrarse en dos factores: a) creativos, a la chatura de ideas de puesta en escena que implica la utilización de un recurso más asociado al vértigo televisivo, cuyo nivel de manufacturación debe ser de un documental por semana, que al de un producto proveniente de una industria donde el reloj no corre sino que trota, o b) monetarios, cuando triunfa la obligatoriedad de este recurso a raíz del presupuesto acotado con que suelen disponer las producciones latinoamericanas en general, sobre todo cuando de documentales se trata. Ese tiempo de andar cansino no se mide en horas o minutos: se mide en dólares. La sociedad de la nieve, documental sobre la  supervivencias durante setenta días de los dieciséis rugbiers uruguayos en la Cordillera de los Andes, luego de que cayera el avión que los trasladaba a Chile, encuentra en ese “defecto” su mayor virtud.

Bienvenidos al país de la locura (Bienvenue chez les Ch’tis)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Dany Boon
Guión: Dany Boon y Alexandre Charlot
Intérpretes: Kad Merad, Dany Boon, Zoé Félix, Anne Marivin
Fotografía: Pierre Aim
Edición: Luc Barnier y Julie Delord
Música: Philippe Rombi
Duración: 106 minutos

por Ezequiel Villarino

Atención: se cuenta el final de la película

Primera degustación (a vaso lleno). Como preludio habría que hacerle caso al afiche del film y abrazar, en éxtasis, alguna botella de vino. Tal acción, al menos, podría conducirnos a vaciar su contenido y de esta manera llegar a un estado de ebriedad pleno, lo que nos aseguraría algún tipo de disfrute para entrar al universo de los beodos y así intentar pasarla bien con esta película titulada en nuestras tierras como Bienvenidos al país de la locura (si alguien encontró la locura, por favor avise). Traducciones de títulos originales a frases o palabras pésimas y tramposas las hay por todos lados. Pero esto es el colmo. Quiero decir: si al menos en el relato dirigido y coprotagonizado por Dany Boon (ahora que escribo Boon, me pregunto dónde demonios está el “Boom” que hace que este film sea el de mayor éxito en recaudaciones de toda la historia cinematográfica de Francia) existiese algo de absurdo o de hiperbólico que funcione dignamente todo sería distinto y la película podría valer un poco la pena, ya que no alcanzan los mejores minutos en donde uno de los personajes, por ejemplo, intenta dispararle falsamente a un gato para luego indicar que la carne del felino se ha convertido en el plato principal de la cena (una vuelta al “clisé animal”, digamos).

Las flores del cerezo (Kirschblüten-Hanami)

Año: 2008
Origen: Alemania, Francia
Dirección: Doris Dörrie
Guión: Doris Dörrie
Intérpretes: Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Brückner
Fotografía: Hanno Lentz
Edición: Frank C. Müller, Inez Regnier
Música: Claus Bantzer
Duración: 127 minutos

por Aníbal Perotti

“El personaje se ha transformado en una suerte de espectador. Por más que se mueva, corra y se agite, la situación en que se encuentra desborda por todas partes su capacidad motriz”.
La imagen tiempo, Gilles Deleuze

El cine de Doris Dörrie retrata historias de gente común que vive un presente determinado por las oportunidades perdidas, sus personajes se encuentran por lo general sin respuesta ni posibilidad de acción ante una realidad social marcada por la fragmentación y el desencanto. El tono de comedia de sus primeras películas le permitió acceder a un núcleo vedado por la sociedad alemana y hablar de las carencias encubiertas por el bienestar económico, siempre con una aparente liviandad que se convertiría con el tiempo en su marca de fábrica. Su mayor éxito en nuestro país se produjo hace algo más de diez años, cuando Nadie me quiere estuvo en cartel más de seis meses a sala llena en el cine Cosmos. Poco tiempo después, la directora vino a presentar ¿Soy linda? al primer festival de cine alemán en el Lorca. Una vez finalizada la  proyección, Dörrie se prestó a un amable diálogo con los espectadores y confesó, de muy buen humor, que nunca había estado en un cine tan largo.

La huérfana (Orphan)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Canadá, Alemania, Francia
Dirección: Jaume Collet-Serra
Guión: David Johnson
Intérpretes: Isabelle Fuhrman, Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, Aryana Engineer
Fotografía: Jeff Cutter
Edición: Timothy Alverson
Música: John Ottman
Duración: 123 minutos

por Laura Gehl

Tengo una limitación gravísima: no puedo ver películas de terror. Es una limitación que me frustra, que pega certera en el corazón de mi cinefilia, en el intento de ver todo lo que pueda. El género completo queda afuera, no tengo distinciones, películas de fantasmas, zombies, hombres-cualquier cosa, gore, paranormales: las que sean, ustedes nómbrenlas que yo les temeré. Soy miedosa, me dan miedo un montón de cosas, en general muy pavotas: las imágenes religiosas (en especial las correspondientes al catolicismo, como las monjas o los crucifijos), los cementerios, los monstruos (su representación cinematográfica, porque hasta ahora nunca vi uno) y las chicas que flotan en camisón (entre varias cosas más).

Educando a Victor Vargas (Raising Victor Vargas)

Año: 2002
Origen: Estados Unidos, Francia
Dirección: Peter Sollet
Guión: Peter Sollet
Intérpretes: Victor Rasuk, Judy Marte, Melonie Díaz, Altagracia Guzmán, Silvestre Rasuk
Fotografía: Tim Orr
Edición: Myron I. Kerstein
Música: Roy Nathanson
Duración: 88 minutos

por David Obarrio

Pase lo que pase, siempre será sorprendente.
John Ashbery, More Pleasant Adventures

Educando a Victor Vargas es una película sostenida en la presencia de cuerpos y de objetos, de jóvenes sin ocupación aparente en un verano en el Lower East Side en el que una zona de Nueva York se convierte en el centro del mundo. O virtualmente, en el único mundo que hay. Ambientada en un barrio con mayoría de inmigrantes latinos, el director Peter Sollet construye sin embargo su película desoyendo todo llamado comprometedor de un cine étnico, decidido a eludir con olímpica energía cualquier tentación de hacer un film condicionado a representar los movimientos de un grupo o minoría particular. Los protagonistas de Educando a Victor Vargas son solo chicos con nombres hispanos, que hablan un precioso broken english, un inglés desarrapado que se constituye en la melodía feliz con la que Sollet engalana subrepticiamente su película.

Algún día comprenderás (Plus tard tu comprendras)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Amos Gitaï
Guión: Jérôme Clément
Intérpretes: Jean Moreau, Hippolyte Girardot, Emmanuel Devos, Dominique Blanc
Fotografía: Caroline Champetier
Edición: Isabelle Ingold
Música: Louis Sclavis
Duración: 89 minutos

por Aníbal Perotti

La historia de la familia de Jérôme Clément, una de las grandes figuras del mundo de la cultura y los medios de comunicación europeos (fue director general del instituto francés de cine y presidió desde sus orígenes la cadena franco alemana de televisión ARTE), es singular y dolorosa. Sus abuelos maternos judíos fueron deportados durante la guerra y el  departamento parisino donde vivían fue ocupado por sus otros abuelos. Clément se enteró de esta espantosa expoliación interfamiliar cuatro décadas más tarde y decidió escribir un libro que el director Amos Gitaï adaptó a la pantalla grande, realizando una brillante apropiación del relato. Algún día comprenderás retrata de manera sutil e inteligente los rastros de aquella tragedia en el presente y el modo en el que la historia se transmite al plano íntimo y familiar.

Hace mucho tiempo que te quiero (Il y a longtemps que je t`aime)

Año: 2008
Origen: Francia, Alemania
Dirección: Philippe Claudel
Guión: Philippe Claudel
Intérpretes: Kristin Scott Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius
Fotografía: Jérôme Alméras
Edición: Virginie Bruant
Música: Jean Louis Aubert
Duración: 116 minutos

por Diego Maté

Hay momentos en los que la película de Claudel no está tan mal, como cuando se muestra la rutina cotidiana de la familia de Léa, los silencios del abuelo, un par de recorridos breves por las calles de París y algún que otro encuentro en un café de la ciudad. Pero al director le cuesta mucho contar sin subrayar, y entonces pasada la primera media hora (un comienzo más o menos prometedor), Hace mucho tiempo que te quiero deviene una seguidilla de escenas gruesas y burdas que se disparan una tras otra, sin descanso. Desde las charlas que tiene Juliette con el melancólico me-pego-un-tiro-dentro-de-cinco-minutos capitán Fauré hasta una discusión pedante y de corte intelectualoide sobre la importancia de Rohmer (encima la discusión la propone un personaje sumamente desagradable), pasando por un estallido emocional de Léa en su clase de literatura cuando habla sobre Dostoievski (momento que indigna por la mala actuación de Elsa Zylberstein) o el enojo del esposo de Léa, Luc, al saber que sus hijas están solas con Juliette. Nada resulta creíble con semejantes actuaciones, y lo peor es que Claudel, escritor y guionista que hace su primera incursión como realizador, además de un pésimo director de actores, es un pésimo director a secas.

Cous cous, la gran cena (La graine et le mulet)

Año: 2007
Origen: Francia
Dirección: Abdellatif Kechiche
Guión: Abdellatif Kechiche
Intérpretes: Habib Boufares, Hafsia Herzi, Farida Benkhetache
Fotografía: Lubomir Bakchev
Edición: Ghalya Lacroix, Camille Toubis
Música: Martín Bianchedi, Eduardo Frigerio
Duración: 151 minutos

por Aníbal Perotti

En la primera escena Kader protagoniza un juego de seducción y riesgo que culmina con una palmada en las nalgas desnudas de su amante en medio de una multitud. Un clap inaugural cómico y apacible que deja lugar velozmente a un momento de gran tensión dramática en el que Slimane, el padre de Kader, se enfrenta cara a cara con un jefe que lo considera poco productivo. Kechiche cambia de escena y de género a gran velocidad. La narración avanza mediante grandes elipsis. El director rechaza la forma más convencional de evolución psicológica de los personajes en el tiempo y se concentra en el trayecto que cada uno de ellos realiza en la escena, incluso en el plano.

El sol (Solntse)

Año: 2005
Origen: Rusia, Italia, Suiza, Francia
Dirección: Alexander Sokurov
Guión: Yury Arabov
Intérpretes: Issey Ogata, Robert Dawson, Kaori Momoi
Fotografía: Elena Zhukova
Edición: Sergey Yvanov
Música: Andrey Sigle
Duración: 110 minutos

por Aníbal Perotti

El artista no tiene derecho a proyectar todas sus emociones o todo lo que le interesa hacia el público. Su emoción por un sujeto debe metamorfosearse en la calma olímpica de la forma. Sólo entonces podrá revelar lo que lo emociona de verdad.
Andrei Tarkovski, Esculpir en el tiempo

El eclipse. Hace exactamente diez años (cuando la cartelera comercial  todavía daba lugar a sorpresas) se estrenaba en Argentina Madre e hijo de Aleksandr Sokurov, una película única e irrepetible de un impactante poder visual que, casi sin movimientos de cámara, genera en el espectador una inolvidable experiencia emocional.  Fuertemente influenciado por el ícono, expresión artística donde la perspectiva está anulada con el objeto de rehuir de cualquier realismo, el director construye un sistema de espejos deformantes que producen sugerentes distorsiones en la imagen y operan como una verdadera pintura sensorial revelando una profunda melancolía. Desde entonces, las películas de Sokourov utilizan de forma recurrente ciertos artificios como la bruma, la banda sonora en segundo plano, o una monocromía dominante que remiten al cine de su maestro Andrei Tarkovski, al que le dedicó el documental homenaje Elegía de Moscú.

El primer día del resto de nuestras vidas (Un conte de Noël)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Arnaud Desplechin
Guión: Arnaud Desplechin, Emmanuel Bourdieu
Intérpretes: Catherine Denueve, Mathieu Amalric, Chiara Mastroianni
Fotografía: Eric Gautier
Edición: Laurence Briaud
Música: Grégoire Hetzel
Duración: 150 minutos

por Aníbal Perotti

La familia Desplechin. Mi primer contacto con el cine de Arnaud Desplechin se produjo en un ciclo de Nuevo Cine Francés en la Sala Lugones a fines de 1997, donde pude ver Comment je me suis disputé (ma vie sexuelle), una película ambiciosa y visualmente fascinante, con una decena de personajes muy bien construidos entre los que se destacaba el protagonista principal, Mathieu Amalric (también era la primara vez que veía al actor). Recuerdo que salí de la sala con el deseo irrefrenable de volver a ver la película pero, como era la última función, decidí buscar en algún videoclub otra dirigida por Desplechin (o actuada por Amalric). Aquella tarde busqué en vano, aunque luego, gracias al festival de Mar del Plata y al BAFICI primero, y con la ayuda de Internet más tarde, pude completar la filmografía de Desplechin, un brillante narrador que ha creado una familia, con rostros, nombres y figuras que trazan una genealogía particular que reencontramos una y otra vez, generando sugerentes ecos en nuestra memoria.

Che – Guerrilla (Che: Part Two)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Francia, España
Dirección: Steven Soderbergh
Guión: Peter Buchman, Benjamín van der Veen
Intérpretes: Benicio del Toro, Joaquim de Almeida, Rodrigo Santoro, Franka Potente, Gastón Pauls
Fotografía: Steven Soderbergh
Edición: Pablo Zumárraga
Música: Alberto Iglesias
Duración: 126 minutos

por David Obarrio

El director Steven Soderbergh no sabe del todo qué hacer con el tema que tiene entre manos. Se dedica por ello a una reconstrucción mimética casi desenfrenada, en la que no se desatiende ningún dato (acentos, ropa, música, escenarios, idiosincrasias, tipos físicos) y cuya virtud termina constituyendo al fin la superficie lustrosa desde donde su película pide ser apreciada, quizás a su pesar. Basada en Diario de Bolivia, libro en el que el propio Che da cuenta minuciosa de las vicisitudes de su aventura revolucionaria en el país mencionado, la película de Soderbergh parece empeñada en protegerse de las iras de propios y extraños y, en esa busca de indefinición política que lo mantenga al margen de cuestionamientos ideológicos, consigue un tono neutro que se vuelve casi exquisito por su carácter prácticamente delirante.

Los secretos del poder (State of Play)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia
Dirección: Kevin Macdonald
Guión: Matthew Michael Carnahan, Tony Gilroy, Billy Ray
Intérpretes: Russell Crowe, Ben Affleck, Helen Mirren, Rachel McAdams, Robin Wright Penn, Jason Bateman
Fotografía: Rodrigo Prieto
Edición: Justine Wright
Música: Alex Heffes
Duración: 125 minutos

por Ezequiel Boetti

La ética y la moral. No hay ley escrita que lo castigue, pero sí implícita: los “códigos”. Russell Crowe duda. La amistad, el amor y la culpa. La novia/esposa de un amigo no se toca. ¿No se toca? ¿Ni siquiera si ella es Robin Wright Penn y el amigo es el tosco duro e inexpresivo de Ben Affleck? Deudas y asignaturas pendientes. Pensamientos que se callan, sensaciones que implosionan. Ladrones drogadictos, pobres, desplazados: la otra cara del laissez faire. Asesinatos con sello marcial: el “hitman” despersonalizado y autómata, veterano de Irak. ¿Irak? Sí, Desert Storm e Iraqi Freedom. La camaradería entre los soldados. La guerra es el negocio de unos pocos. PointCorp. Corp de Corporación: ejecutivos mercenarios, corruptos e inescrupulosos. Tranzan con el gordo “retonto” de Jeff Daniels. Compran congresistas, canales, radios y diarios. Oligopolios. Presiones. “A los nuevos dueños no les gustan las notas con fuentes anónimas”. Periodistas sometidos, meros eslabones de una cadena multimediática. Hora de cierre, editores. Hellen Mirren, preciosa, luminosa a los sesenta y cuatro. La crisis de los diarios. El rol de Internet. Adiós a los géneros: crónica, nota informativa, nota color, entrevista, perfil. ¿Adiós? ¿Homenaje a los matutinos? Ni. El nuevo periodismo de Tom Wolfe. Blogs contra diario. Cronista ambiciosa en el primero; veterano y bonachón en el segundo. “Ésto es para leer con los dedos entintados”. El poder del dinero. El poder y el dinero.

Bellamy

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Claude Chabrol
Guión: Claude Chabrol, Odile Barski
Intérpretes: Gerard Depardieu, Clovis Cornillac, Jacques Gamblin
Fotografía: Eduardo Serra
Edición: Monique Fardoulis
Música: Matthieu Chabrol
Duración: 110 minutos

por Aníbal Perotti

Cada vez que se estrena una película francesa se ponen de manifiesto algunas taras que afectan a gran parte de la crítica local. Se trata de una falsa toma de posición, que a esta altura no es más que un lugar común de los más gastados. El juego consiste en hablar de manera despectiva del supuesto público al que están destinadas estas películas para denostar con ligereza un cine que denominan neo qualité (por no mencionar otros calificativos menos felices). Marcan el terreno para diferenciarse, como cinéfilos populares, de aquellas señoras que concurren a las salas de Patio Bullrich y luego se van a tomar un tecito por La Recoleta. De esta manera pretenden emular el gesto revolucionario de los primeros Cahiers, pero sólo consiguen (con suerte) establecer alguna tensión entre pochocleros y partidarios de las masas finas.

La sangre brota

Año: 2007
Origen: Argentina, Francia, Alemania
Dirección: Pablo Fendrik
Guión: Pablo Fendrik
Intérpretes: Arturo Goetz, Nahuel Pérez Biscayart, Guillermo Arengo, Nahuel Viale
Fotografía: Julián Apezteguía
Edición: Leandro Aste
Música: Juan Ignacio Bouscayrol
Duración: 88 minutos

por Aníbal Perotti

El azar de la distribución cinematográfica en Argentina dictaminó que se estrenen comercialmente con un mes de diferencia las dos películas que realizó hasta el momento Pablo Fendrik. El asaltante fue un auspicioso debut en el que se destacaban una puesta en escena austera, un guión conciso y seductor, la precisión del director (sorprendente por tratarse de una opera prima) y la gran actuación de su protagonista excluyente, Arturo Goetz. Por desgracia, la enorme figura de Goetz es lo único que permanece inalterable en La sangre brota. La segunda película de Fendrik no encuentra nunca su tono justo, cambia el registro casi documental de su predecesora por una caricatura constante que no escatima el trazo grueso cuando se trata de describir el desamparo de sus criaturas. Los personajes son espectros que yerran sin objetivo ni gracia en medio de una negrura más social que policial.  Las imágenes mórbidas apoyan la metáfora mientras la cámara en mano registra la degradación de dos hombres, de su familia, de la sociedad y (como se trata de una película “ambiciosa”) de toda la humanidad.

El cine de los hermanos Dardenne

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por Aníbal Perotti

Ética y estética. Un plano filmado por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne se reconoce en menos de tres segundos por su intensidad y su dinámica. La cámara tiene un lugar esencial como creadora de tensión y lazo caótico entre la interioridad de los personajes y el espectador. La puesta en escena reposa en una estética despojada, la ausencia de música y un dispositivo técnico sofisticado que coloca la cámara tan cerca del protagonista que por momentos parece perseguirlo. Sus películas tienen como escenario recurrente la región belga de Seraing cerca de la frontera alemana, una zona ligada históricamente a las industrias minera y siderúrgica en donde los directores pasaron su infancia. Los Dardenne filman en el margen de esta sociedad y muestran lo que no se suele (o no se quiere) ver: el trabajo de los jóvenes, la desocupación o los problemas de la inmigración clandestina. Es un cine de hondo contenido humanista que sin embargo está lejos ser didáctico o “comprometido” a lo Ken Loach, porque los directores tienen el coraje de no mezclar nunca la representación social con los buenos sentimientos.

El silencio de Lorna (Le silence de Lorna)

Año: 2008
Origen: Bélgica, Francia, Italia
Dirección: Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Guión: Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Intérpretes: Arta Dobroshi, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione
Fotografía: Alain Marcoen
Edición: Marie Hélène Dozo
Duración: 105 minutos

por David Obarrio

No es fácil saber si algo de la potencia particular que indiscutiblemente anida en la propuesta de los hermanos Dardenne se ha perdido en el camino. O si a fuerza de insistir en algunas de sus características más evidentes, un cierto aire de automatismo se ha apoderado de su cine despojándolo de manera perceptible de esa energía primitiva. El de los Dardenne fue siempre un cine dotado de una indudable urgencia, de una fatal, casi dolorosa comunión con su Bélgica natal (es decir, el mundo circundante), como si los hermanos no concibieran su arte sino en relación con las desdichas del presente, y éstas se manifestaran del modo más idóneo bajo la luz arrolladora del cine.