Planet 51

Año: 2009
Origen: España, Estados Unidos, Gran Bretaña
Dirección: Jorge Blanco, Javier Abad, Marcos Martínez
Guión: Joe Stillman
Intérpretes: Dwayne Johnson, Jessica Biel, Justin Long, Gary Oldman, John Cleese
Edición: Alex Rodríguez
Música: James Seymur Brett
Duración: 92 minutos

por Ezequiel Villarino

Pensá en verde. La posibilidad instantánea de asociar el color verde de algunas criaturas del cine de animación con aquel ogro falto de buenos modales y estrella de Dreamworks (aunque ahora estrellado, gracias a su atroz tercera aparición en la gran pantalla) parecería impulsar una especie de anhelo de éxito que hace que algunos individuos vayan a lo seguro sin esmerarse demasiado: Planet 51, película dirigida por Jorge Blanco y co-dirigida por Javier Abad y Marcos Martínez (todo un triunvirato español donde uno es “un poco más” que los otros gracias a las categorías de la industria), remite tanto al gaseoso y otrora gracioso personaje de fábula que hasta la tipografía del título en el afiche evoca a Shrek y compañía. Claro, es que en esta superproducción coproducida entre España, Estados Unidos e Inglaterra (otro triunvirato más, aunque en este caso multinacional) hay un involucrado que huele a ogro: Joe Stillman, hombre responsable del guión de las dos primeras entregas de Shrek y escritor del guión de este film que se ha convertido en la mayor producción cinematográfica realizada en España hasta el momento (su producción podrá ser “mayor”, pero el resultado es verdaderamente menor).

Unidad 25

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Alejo Hoijman
Guión: Alejo Hoijman
Fotografía: Gastón Girod
Edición: Alejo Hoijman
Sonido: Diego Martínez
Duración: 93 minutos

por Laura Gehl

Atención: se cuenta el final de la película

Hay algunos elementos en Unidad 25 que hacen que sea un documental de dudosa credibilidad (y a la vez que no importe demasiado): la película comienza con un plano dentro de un celular que, en medio de la noche, transporta presos desde una unidad carcelaria hacia otra, en este caso desde la Unidad 1 a la 25, ambas pertenecientes al Penal de Olmos. En el viaje, la cámara se detiene en Simón Pedro (¡qué nombre para caer en una cárcel evangelista!). Simón es un chico de unos veinte años, y se lo nota sereno y tranquilo. Simón, además, no responde a las características físicas que el imaginario de clase media (construido por la televisión) tiene –equivocadamente– de los presos; y aunque pueda sonar políticamente incorrecto, ése es un factor que de alguna manera descoloca al espectador, sobre todo por el posterior desarrollo de la película.

El último verano de la boyita

Año: 2009
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Julia Solomonoff
Guión: Julia Solomonoff
Intérpretes: Guadalupe Alonso, María Clara Merendino, Nicolás Treise
Fotografía: Lucio Bonelli y Julia Solomonoff
Edición: Rosario Suárez y Andrés Tambornino
Música: Sebastián Escofett
Duración: 93 minutos

por Ezequiel Villarino

El segundo largometraje de Julia Solomonoff es un relato que se estructura a partir de una temática demasiado abordada por el cine nacional en los últimos tiempos: el despertar sexual. Sumado a esto, el film se ahoga en constantes clichés, una innegable estética pintoresca for export y una manera de desarrollar lo narrado que no escapa jamás al cálculo y a lugares comunes que son fácilmente reconocibles. Nada sorprende y todo ya ha sido visto con mejor elaboración en films como La ciénaga, La rabia y, en particular, XXY.

El corredor nocturno

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Nicolás Saad
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Miguel Ángel Solá, Erica Rivas
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Fernando Pardo
Música: Lucio Godoy
Duración: 98 minutos

por Diego Maté

Atención: se cuenta el final de la película

Los paranoicos. Fueron películas como la misma El corredor nocturno, con su gusto traicionero por los personajes imaginarios, las que nos volvieron desconfiados, incrédulos. Fueron Sexto sentido, Una mente brillante, El club de la pelea: todas colaboraron en distintos grados y niveles. Estas películas juegan decididamente al engaño, pero no en los términos cinematográficos de, por ejemplo, Brian De Palma, sino de manera ramplona, boba, sirviéndose de la mentira como puro golpe de efecto: en determinado momento de la historia, se revela que tal o cual personaje fundamental para la trama no existe más que en la mente del protagonista (por lo general, un desequilibrado, un caso para la psicología). La vuelta de tuerca en su versión más efectista y menos interesante: ya no se trata de un giro en la trama, sino directamente de la no-existencia del (la mayoría de las veces) alter-ego del protagonista, y por ende, de la manifestación de lo precario de su estado intelectual. La psicología cinematográfica muestra su lado más berreta.

Mi vida en Grecia (My Life in Ruins)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, España
Dirección: Donald Petrie
Guión: Mike Reiss
Intérpretes: Nia Vardalos, Richard Dreyfuss, Alexis Georgoulis, Alistar McGowan
Fotografía: José Luis Alcaine
Edición: Patrick J. Don Vito
Música: David Newman
Duración: 95 minutos

por Laura Gehl

¿Vieron las pantallas que suele haber en las agencias de turismo? Uno entra a cualquiera de estas oficinas y mientras espera que lo atiendan le proyectan imágenes de destinos paradisíacos: playas de arena blanquísima, cócteles con sombrillita rosa a orillas de alguna pileta, tomas aéreas de mares turquesas y ese tipo de cosas. Ese tipo de cosas como las que parece querer vendernos Donald Petrie con esta cosa llamada película.

Los abrazos rotos

Año: 2009
Origen: España
Dirección: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Intérpretes: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Tamar Novas
Fotografía: Rodrigo Prieto
Edición: José Salcedo
Música: Alberto Iglesias
Duración: 127 minutos

por Aníbal Perotti

La mejor escena del año. Los últimos trabajos de Pedro Almodóvar confirman el perfeccionamiento de un estilo y la maduración de un universo estético y temático propio, pero han perdido en cambio la frescura kitsch y el humor irreverente de sus primeras épocas. Podríamos afirmar que, a priori, éstos no son tiempos de rupturas o innovaciones formales y que, en resumidas cuentas, su cine ya no sorprende. Los primeros datos sobre su nueva película parecen confirmar los pronósticos: un director de cine atrapado por la ficción, la madre posesiva de un bello adolescente, un amor quebrantado por un accidente automovilístico y hasta una secuencia entera de la película con la que saltó a la fama. Afortunadamente, este reciclaje no es análogo a la falta de inspiración. Los abrazos rotos rebate todas las expectativas y razonamientos previos. Almodóvar se juega, va un paso más allá en la conjugación de recursos estilísticos y visuales, y entrega una película profusa, excesiva, inabarcable en una primera visión.

El vestido

Año: 2008
Origen: Argentina, España
Dirección: Paula de Luque
Guión: Paula de Luque, Pablo Fidalgo
Intérpretes: Antonella Costa, Eduard Fernández, Guillermo Pfening, Paloma Coscia
Fotografía: Alejandra Martín
Edición: Alberto Ponce
Música: Diego Frenkel, Roi Gil
Duración: 96 minutos

por Diego Maté

Hay una idea muy recurrente en la crítica de cine que suele ser bastante poco precisa y que a veces funciona casi como si fuera un comodín (porque se adapta a un sinfín de situaciones distintas -de ahí, también, su imprecisión). Que a una película se la tilde de “pretenciosa” es algo que se puede leer seguido en crítica, especialmente en la de diarios. La noción por lo general remite a una cierta visión despectiva de lo sobrecargado, de denuncia de alguna suerte de aspiración moral que raya en la pedantería, y también puede hacer alusión a la presencia de ciertos de temas tratados de manera solemne. El problema surge cuando el término se usa sin dar demasiada cuenta de su inclusión, como si “lo pretencioso” fuera un código que el crítico y el lector comparten de antemano y que no necesita explicación. Y es que muchas veces no vendría mal una definición más o menos clara, porque con el tiempo el concepto designa ya demasiadas cosas y su uso extendido, muchas veces (como decía antes), es el de comodín: frente a cualquier película que descoloca, que se atreve a proponer alguna clase de registro distinto (siempre cerca de lo excesivo y sobrecargado, sí), el crítico la despacha cómodamente bajo el estigma de ser “pretenciosa” y cancela la posibilidad de encontrar algo nuevo, de sorprenderse.

Las viudas de los jueves

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Marcelo Piñeyro
Guión: Marcelo Piñeyro, Marcelo Figueras
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Gabriela Toscano, Pablo Echarri, Ana Celentano, Juan Diego Botto, Juana Viale, Ernesto Alterio, Gloria Carrá
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Juan Carlos Macías
Música: Roque Baños
Duración: 121 minutos

por Laura Gehl

Las viudas de los jueves, la novela de Claudia Piñeiro, es entretenida, de fácil y de ágil lectura, pero de poca profundidad en varios aspectos. Un supuesto accidente –tres hombres aparecen ahogados en una piscina– es el disparador para presentar personajes y situaciones; es desencadenante, pero no importante. La vida en el country Altos de la Cascada (centrada durante unos meses antes de la debacle del 2001) es lo substancial, y justamente por eso se desmenuza prolijamente. Si algo tiene de interesante la novela es precisamente esa descripción que se hace de cada uno de los aspectos de la vida en común que tienen las familias que viven allí, y cómo se va haciendo palpable la decadencia económica y moral en la que se ven inmersos. Todas las particularidades de los Altos y su gente son narradas en general por medio de Mavi, antigua habitante del country y personaje en quien está puesta la empatía de la escritora, y se narran a través de hechos puntuales protagonizados por varias de las numerosas familias que lo habitan: un cambio de césped en invierno, la compra de un perro, la adopción de dos niños, entre otros, dejan entrever la crítica posible a ese estilo de vida absurdo e irreal. El problema reside en que ésto se da de manera demasiado obvia y superficial. Se traslada a la escritura el vacío de lo narrado.

Che – Guerrilla (Che: Part Two)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Francia, España
Dirección: Steven Soderbergh
Guión: Peter Buchman, Benjamín van der Veen
Intérpretes: Benicio del Toro, Joaquim de Almeida, Rodrigo Santoro, Franka Potente, Gastón Pauls
Fotografía: Steven Soderbergh
Edición: Pablo Zumárraga
Música: Alberto Iglesias
Duración: 126 minutos

por David Obarrio

El director Steven Soderbergh no sabe del todo qué hacer con el tema que tiene entre manos. Se dedica por ello a una reconstrucción mimética casi desenfrenada, en la que no se desatiende ningún dato (acentos, ropa, música, escenarios, idiosincrasias, tipos físicos) y cuya virtud termina constituyendo al fin la superficie lustrosa desde donde su película pide ser apreciada, quizás a su pesar. Basada en Diario de Bolivia, libro en el que el propio Che da cuenta minuciosa de las vicisitudes de su aventura revolucionaria en el país mencionado, la película de Soderbergh parece empeñada en protegerse de las iras de propios y extraños y, en esa busca de indefinición política que lo mantenga al margen de cuestionamientos ideológicos, consigue un tono neutro que se vuelve casi exquisito por su carácter prácticamente delirante.

Fuera de menú (Fuera de carta)

Año: 2008
Origen: España
Dirección: Nacho García Velilla
Guión: Nacho Velilla, David Olivas, Oriol Capel, Antonio Sánchez
Intérpretes: Javier Cámara, Lola Dueñas, Fernando Tejero, Benjamín Vicuña, Chus Lampreave
Fotografía: David Omedes
Edición: Angel Hernández Zoido
Música: Juanjo Javierre
Duración: 106 minutos

por David Obarrio

A veces uno se sienta a la mesa de un bar y pide la carta. Puede pasar entonces que el mozo se lo quede mirando y uno, mientras hace el gesto de sostener algo en el aire con una mano y de ir pasando páginas invisibles con la otra, capaz que encuentra las palabras mágicas y larga: “el menú”. Así, para evitar equívocos, los distribuidores de esta película española que semeja ser una comedia o algo (el lenguaje se muestra insuficiente para describir algunos fenómenos) se deciden a zanjar la cuestión cambiando el título original de Fuera de carta por el que aquí nos ocupa. La cosas no mejoran para nada con el enroque, hay que decirlo, y sigue resultando difícil saber si se está viendo mala televisión, un vaudeville de categoría Z o alguna combinación no del todo identificada entre los dos en la que la capacidad empobrecedora de las partes se potencia para lograr un caso prácticamente único de estupidez y sentimentalismo (que podrían ser la misma cosa o estar muy cerca de serlo).

Luisa

Año: 2008
Origen: Argentina, España
Dirección: Gonzalo Calzada
Guión: Rocío Azuaya
Intérpretes: Leonor Manso, Jean Pierre Reguerraz, Marcelo Serre, Diego Leske, Ethel Rojo
Fotografía: Abel Peñalba
Edición: Alejandro Narvaez
Duración: 110 minutos

por Diego Maté

El volantazo que pega Luisa promediando la película no tiene nombre. Bueno, en realidad sí, lo tiene y es Horacio, un personaje al que le falta una pierna y que pide monedas en el subte. Pero vayamos a la película que era Luisa en su época prehoraciana. Luisa arranca con la protagonista homónima preparándose para ir a trabajar: Luisa (Leonor Manso) tiene un gesto rígido que deja ver años (décadas, quizás) de la misma rutina, y las actividades propias de una mañana laboral (elección de la ropa, vestirse, peinado, café y algo para comer) las realiza con el cálculo seguro de alguien que lleva toda una vida haciendo la misma cosa. Luisa trabaja en un cementerio, el mismo en donde están enterrados su esposo y su hija (detalle macabro: notar la diferencia entre la jovialidad del esposo –en los recuerdos de la protagonista- y compararla con la vejez que parece haber atacado a Luisa después de la muerte de su familia). Además, Luisa también le da una mano a la vedette que interpreta Ethel Rojo, un personaje débil que funciona de a ratos como comic relief. Pero Luisa se queda sin trabajo en el cementerio (cuando le falta un año para jubilarse; el joven director la echa porque dice que está buscando una cara nueva para la institución) y la señora González (Rojo) se está por ir de Buenos Aires, así que Luisa se encuentra, de golpe y porrazo, sin sustento de ninguna clase. Para colmo, a Luisa se le muere el gato que tanto quiere (una muerte tremenda: anunciada, casi por descuido de la propia Luisa, con mucha lluvia, silencio y en off).

Manuel de Falla, músico de dos mundos

Año: 2008
Origen: Argentina, España
Dirección: José Luis Castiñeira de Dios
Guión: José Luis Castiñeira de Dios, María Ibáñez Lago
Intérpretes: Luis Luque, Mónica Galán, José Tambutti, Jorge Paccini, Coni Vera, Julio César Acera
Fotografía: Gerardo Silvatici
Edición: Liliana Nadal
Música: José Luis Castiñeira de Dios
Duración: 90 minutos

por Ezequiel Boetti

Tres actos breves. Primer acto. Un anciano transita sus últimos años de vida en una casa en las sierras cordobesas, inmerso en la soledad y el ostracismo, tocando el piano día y noche. Nostalgioso de su España natal, país que abandonó en pleno apogeo franquista y ante la inminencia de la segunda guerra mundial, mantiene sobre su hogar un reloj con la hora local y otro con el horario de su tierra. Es una escena desoladora: un hombre que supo saborear las mieles del éxito y del dinero ahora sólo espera que la muerte lo encuentre en la enorme casona de Alta Gracia, agachado a la luz de las brasas, derrotado por un exilio forzado y el desarraigo, con el eterno deseo de volver. El lejano crepitar y un piano extradiegético acompañan la imagen del desdichado músico, conformando una escena potente y visualmente bella. Pero aparece la voz en off y el ambiente sutilmente creado a lo largo de cinco minutos se desbarranca. “Tiene dos relojes: uno con la hora de argentina y otro con la de España. Añora volver a su tierra”, dice sin entender que el lenguaje del cine es una yuxtaposición de imagen y sonido y no la preponderancia de uno sobre otro.

Caja cerrada

Año: 2008
Origen: Argentina, España
Dirección: Martín Solá
Guión: Martín Solá
Fotografía: Martín Solá
Montaje: Martín Solá y Lili Marsans
Sonido: Lucas Peñafort
Duración: 72 minutos

por Laura Gehl

Diario de navegación. Caja cerrada es un documental que retrata una jornada laboral de un barco pesquero que navega por el Mediterráneo, o el Atlántico. Para cuando la película termina poco (y nada) sé de la pesca, los pescadores o siquiera por dónde viajan con seguridad, pero a la vez la sensación no es ni de vacío ni de haber perdido el tiempo viendo algo inentendible. Por el contrario, la sensación es de plena satisfacción, de asombro que se sostiene aún después de varios minutos de haberme retirado de la sala. Lo curioso es que esa euforia es generada, mayormente, por una sola secuencia, a la que podríamos llamar “la secuencia del pescado fresco”. Pero para poder relatar ese momento primero tenemos que situarnos en el contexto apropiado.

Vicky Cristina Barcelona

Año: 2008
Origen: España, Estados Unidos
Dirección: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Intérpretes: Javier Bardem, Penélope Cruz, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Kevin Dunn
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Edición: Alisa Lepselter
Duración: 95 minutos

por Diego Maté

El cine que no existe. Woody Allen es un caso serio. Un tipo que fue uno de los cineastas norteamericanos más interesantes durante los 70 y 80; que inyectó humor, ingenio y una conciencia por las formas cinematográficas en el público como pocos directores supieron hacerlo; que llenaba salas con películas exigentes, que nunca dejaban de pensar y cuestionar el cine; responsable de algunas de las comedias más rescatables de los últimos treinta años. Algo de esa primera lucidez alcanza a tocar a películas de los 90 como Maridos y esposas, Celebrity o Los secretos de Harry, y hasta alguna que otra del nuevo milenio como La maldición del escorpión de Jade. En el medio, como corresponde a cualquier artista increíblemente prolífico, hubo películas débiles, directamente fallidas y algún que otro fiasco. Pero lo que sucedió a partir de Match Point es difícil de explicar: es como si aquel experimentador cinematográfico y observador riguroso de la vida urbana, cansado de darle tantas vueltas al asunto este de hacer películas (a un ritmo de casi una por año, como para no cansarse) hubiese decidido abandonar cualquier clase de búsqueda y empezar a filmar sin ganas, sin vitalidad.

Asterix en los juegos olímpicos (Astérix aux jeux olympiques)

Año: 2008
Origen: Francia, Alemania, España, Italia
Dirección: Frédéric Forestier, Thomas Langmann
Guión: Alexandre Charlot, Franck Magnier, Olivier Dazat, Thomas Langmann
Intérpretes: Gérard Depardieu, Alain Delon, Clovis Cornillac, Benoît Poelvoorde, Stéphane Rousseau, Santiago Segura
Fotografía: Thierry Arbogast
Edición: Yannick Kergoat
Música: Frédéric Talgorn
Duración: 116 minutos

por Aníbal Perotti

Asterix en los juegos olímpicos traslada las peores prácticas de Hollywood a Europa. La película (de algún modo hay que llamarla) se puede asimilar perfectamente a cualquier tanque americano: contó con un presupuesto desmesurado (setenta y ocho millones de euros de producción más veinte millones de euros de publicidad) y una campaña de marketing que incluyó el lanzamiento simultáneo en cinco mil salas de toda Europa. La comparación entre el producto final y las abultadas cifras de recaudación confirman que el poder económico produce el atontamiento de masas sin importar las latitudes.

Liverpool

Año: 2008
Origen: Argentina, Francia, Holanda, Alemania, España
Director: Lisandro Alonso
Guión: Lisandro Alonso, Salvador Roselli
Intérpretes: Nieves Cabrera, Juan Fernández, Giselle Irrazábal
Fotografía: Lucio Bonelli
Edición: Lisandro Alonso, Fernando Epstein, Martín Mainoli
Música: Flormaleva
Duración: 84 minutos

por David Obarrio

Por si se necesitara alguna prueba al respecto, Lisandro Alonso vuelve a dar muestras de la potencia insólita de su cine, un universo que no se parece a nada excepto tal vez a sí mismo. De carácter insobornablemente material, sus películas se presentan a la vez dotadas de un raro aliento evanescente, como si en el fondo este autor único se empeñara en recorrer las fronteras que separan al sueño de la realidad más concreta de manera admirable. Ligeramente emparentada con Los muertos, una de sus películas anteriores, Liverpool toma de allí una situación básica y la despliega en una nueva serie de imágenes tenues que parecen atravesadas por una corriente subterránea de misterio y extrañeza.

Lo que sé de Lola

Año: 2006
Origen: Francia, España
Dirección: Javier Rebollo
Guión: Javier Rebollo, Lola Mayo
Intérpretes: Michael Abitebul, Lola Dueñas, Carmen Machi, Lucienne Deschamps, Jacky Nercessian
Fotografía: Santiago Racaj
Edición: Angel Hernández Zoido
Duración: 112 minutos

por Aníbal Perotti

León es un joven solitario que vive con su madre postrada en un gran edificio en la periferia de París. Un buen día descubre la existencia de su hermosa vecina, la española Dolores (Lola para los íntimos), que se gana la vida gracias al porno amateur y arrastra una larga historia de desarraigo y carencias de todo tipo. León queda rápidamente cautivado por Lola pero no se atreve a actuar, prefiere primero observarla discretamente, y luego seguirla y espiarla como el más obsesivo de los mirones. Con la muerte de su madre todo se potencia; León se dedica por completo a Lola y decide intervenir en su pobre vida. La joven española le depara por fin la ocasión de ser alguien, le devuelve una razón para avanzar. León y Lola son personajes rotos y a la deriva, que funcionan como espejos que reflejan mutuamente su incomunicación. Película sobre el deseo, Lo que se de Lola propone a un héroe que parece haber trascendido las contingencias físicas para vivir por transferencia una bella historia de amor.

Rec

Año: 2007
Origen: España
Dirección: Jaume Balagueró, Paco Plaza
Guión: Jaume Balagueró, Luis Berdejo, Paco Plaza
Intérpretes: Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Serrano, Pablo Rosso, David Vert
Fotografía: Pablo Rosso
Edición: David Gallart
Duración: 79 minutos

por Ezequiel Villarino

Entre el suspenso y el shock: prolongar o acortar los tiempos. Si bien imaginé encontrarme con buenas cuotas de terror y sustos varios en el film codirigido por Jaume Balagueró y Paco Plaza, no pude dejar de preguntarme ni un segundo si los momentos más interesantes de este horror film español son aquellos que se centran en revelar lo monstruoso detenidamente y sin recurrir al constante abuso de esa, digamos, herramienta o componente demasiado exprimido por este tipo de género como es el bus effect (ese suceso imprevisto que causa sobresaltos en los espectadores cada vez que irrumpe en el relato). El problema de Rec es que se presenta como una película demasiado efectista y muy poco eficaz, ya que los “golpes de efecto” van y vienen una y otra vez pero su efectividad se ve interrumpida debido a la anticipación grosera de aquello que va a suceder.

Abrígate

Año: 2007
País: Argentina, España
Director: Ramón Costafreda
Guión: Fernando Castets, Ramón Costafreda
Intérpretes: Manuela Pal, Félix Gómez, María Bouzas, Javier Lombardo, Celso Bugallo
Fotografía: Jesús Escosa
Edición: Guillermo Represa
Música: Xabi Font, Arturo Vaquero
Duración: 90 minutos

por Diego Maté

Lenguas muertas. El problema con Abrígate es que la película bordea y cruza el límite del ridículo a cada rato, en cada escena, y lo hace de forma totalmente gratuita e innecesaria, como si todo se tratase de un mal chiste de larga duración. En rigor, la película debe tener los peores diálogos que se pudieron escuchar en mucho tiempo (y eso contando a películas inescuchables como Yo soy sola o la uruguaya Paisito): el guión es una maquinita de tirar lugares comunes y frasesitas rimbombantes que, a juzgar por el nivel de imbecilidad que reboza la coproducción, parece que nadie se tomó el trabajo de ensayar con actores y ver cómo diablos sonaban antes de empezar a filmar.

La mujer sin cabeza

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia, Italia
Dirección: Lucrecia Martel
Guión: Lucrecia Martel
Intérpretes: María Onetto, Claudia Cantero, Inés Efron, Daniel Genoud, Guillermo Arengo, César Bordón, María Vaner
Fotografía: Bárbara Alvarez
Dirección de sonido: Guido Beremblun
Edición: Miguel Schverdfinger
Duración: 87 minutos

por Diego Maté

En La ciénaga y La niña santa ya estaba esbozado el que sería el tema central del cine de Lucrecia Martel: las mujeres y la locura (aclaro que uso el término en su acepción estrictamente popular). Mecha (Graciela Borges, en La ciénaga) y Helena (Mercedes Morán, en La niña santa) tienen mucho en común: las dos están separadas (Helena legalmente, Mecha no), duermen mucho, pasan bastante tiempo en la cama, salen poco y van perdiendo muy lentamente contacto con lo que pasa afuera de sus habitaciones (por ejemplo, ninguna de las dos puede ganarse el respeto del personal de servicio). Como contrapartida están Tati (de nuevo Morán, en La ciénaga) y la madre de Josefina (Mónica Villa, en La niña santa), dos mujeres que son cabeza de familia, organizadoras y ordenadoras incansables que tratan de mantener un equilibrio familiar mediante la autoridad más despótica.