Patrick Swayze

Enemigos públicos. Otra mirada.

Nuestro redactor especialista en música fue a ver Enemigos públicos y le brotó una nota en contra de la película (y Christian Bale).

por Fernando Piscitelli

A Enemigo públicos, el nuevo y esperado film de Michael Mann, no es que le falte sangre, al menos en términos visuales, ya que ésta abunda y está bien desparramada, sino que le falta pasión, garra, y a medida que transcurre la historia, la película se convierte en una comida insulsa, digerible pero sin gusto.

Sobre Hayao Miyazaki

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por Ezequiel Villarino

Al maestro, con cariño. Hayao Miyazaki (“Miya”, afectuosamente hablando) nació en la ciudad de Tokio un 5 de enero de 1941, cuatro años y siete meses antes de la barbarie genocida (una de las tantas muestras a gran escala de la desmedida soberbia humana) que destruyó Hiroshima y Nagasaki. Su niñez, adolescencia y juventud estuvieron marcadas por un fuerte contexto bélico y político: Japón, a partir de mediados de la década del 40´, fue un terreno de batalla de las más diversas. Luego del estallido de las bombas nucleares, comenzó la rendición del país oriental y la ocupación norteamericana en la nación nipona de la posguerra (instalando sus ya clásicas bases militares de control). Durante los años 50´ y 60´ el comunismo, a partir de la fundación del Partido Comunista Japonés, iniciaba frecuentes marchas de protesta en contra de tal ocupación y, muchos años más tarde, en contra de la guerra de Corea y de Vietnam. Es necesario aclarar que tanto Miyazaki como su futuro compañero y amigo Isao Takahata (mentor y cofundador del Estudio Ghibli en 1985) adhirieron a la ideología del partido, sobre todo en sus épocas de estudios universitarios.

Comentario de un espectador sobre Ponyo

Lo que van a leer a continuación no es una crítica sino un comentario de un espectador que disfrutó mucho Ponyo. Uno de nuestros redactores lo anotó (se lo dictaron) y, como nos gustó, lo subimos.

por Franco y Aníbal Perotti

Una música hermosa. La gente tira mucha basura y entonces Ponyo fue a parar adentro de un frasco. Un nene llamado Sasuke de cinco años la sacó rompiendo el frasco con una piedra. Y entonces puso a Ponyo en un balde lleno de agua. Era un pez rojo. Lo llevó al jardín y a una nena le escupió agua. A una abuela también le escupió. Sasuke vivía arriba de una montaña con la mamá. El papá vivía en un barco y entonces cuando pasaba cerca le hacía señas con luces y escribía mandando mensajes. Una vez se trabó el motor del barco y entonces vino la mamá de Ponyo que era la madre de la naturaleza y lo destrabó.

Los libros de Dan Brown

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por Ezequiel Boetti

Dan Brown es a la literatura lo que el binomio Michael Bay y Jerry Bruckheimer es al cine. Mas allá de que los periodistas especializados les asesten puntajes bajos, malas críticas y se desganen hablando pestes de sus productos (sí, escribí “productos”, ya que los suyos son los máximos exponentes de los bienes artísticos como mercancía), tanto las novelas del primero como las películas de los segundos son lineales y repletas de personajes chatos y estereotipados sin demasiadas (o ninguna) capas que inviten al análisis o aristas psicológicas que justifiquen sus formas de proceder ante los innumerables giros y contra giros que el producto de turno, por lo general simple y de escaso vuelvo artístico, les interponen en su camino.

El cine de los hermanos Dardenne

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por Aníbal Perotti

Ética y estética. Un plano filmado por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne se reconoce en menos de tres segundos por su intensidad y su dinámica. La cámara tiene un lugar esencial como creadora de tensión y lazo caótico entre la interioridad de los personajes y el espectador. La puesta en escena reposa en una estética despojada, la ausencia de música y un dispositivo técnico sofisticado que coloca la cámara tan cerca del protagonista que por momentos parece perseguirlo. Sus películas tienen como escenario recurrente la región belga de Seraing cerca de la frontera alemana, una zona ligada históricamente a las industrias minera y siderúrgica en donde los directores pasaron su infancia. Los Dardenne filman en el margen de esta sociedad y muestran lo que no se suele (o no se quiere) ver: el trabajo de los jóvenes, la desocupación o los problemas de la inmigración clandestina. Es un cine de hondo contenido humanista que sin embargo está lejos ser didáctico o “comprometido” a lo Ken Loach, porque los directores tienen el coraje de no mezclar nunca la representación social con los buenos sentimientos.

Sobre el último Clint Eastwood

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por Ezequiel Villarino

Atención: se cuentan detalles de la trama y el final de la película

.Cuando un amigo se va. Difícil no pensar Gran Torino como un film despedida: allí, Eastwood interpreta a un hombre viudo, cansado, viejo y enfermo, perseguido por recuerdos bélicos y enemistado con su familia. Una familia que vive un presente conformado por una obsesiva propensión al materialismo y a la superficialidad, y que choca permanentemente con esa visión prisionera del pasado con la que este ex veterano de guerra transita día a día (una cruz cuyo peso se hace sentir sobre el cuerpo del personaje que hace de sus gestos, sobre todo faciales, toda una declaración de principios).

Las películas de Stephen Chow

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por Diego Maté

El cine de Stephen Chow fue construyéndose concienzudamente, reelaborándose a sí mismo una y otra vez, película tras película, limando asperezas y ajustando tornillos, hasta conseguir una de las filmografías más críticas e interesantes de la actualidad. Aparte de todos sus posibles méritos (que los tiene y son muchos), lo que más impacta cuando se piensa la carrera del Chow director es la evolución que puede apreciarse a lo largo y ancho de su obra. De las primeras películas, en donde su cine tendía a cerrarse sobre sí mismo con la erudición paródica como punto de apoyo, las películas del hongkonés fueron descontracturándose y ensanchando la mirada más allá del cine.

Las películas de Ben Stiller

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por Diego Maté

Cine-crítica. Para que la sátira funcione tiene que haber una reconstrucción más o menos cuidada de lo que se está satirizando, ya sea una persona, un grupo, un comportamiento o una institución. Hace falta que lo satirizado guarde relación con el original; puede haber exageraciones, pero siempre dentro de los límites del verosímil, sino la referencia se pierde. Esta idea es fundamental para pensar las películas de Ben Stiller a partir de El insoportable. Hubo una confusión importante (especialmente desde la crítica) cuando se habló de Una guerra de película; por lo general, todos los textos hicieron hincapié en que la película es, básicamente, una sátira al mundo del cine y Hollywood, las estrellas, los rodajes, etc. A juzgar por mayoría de las críticas, la película fue vista como poco más que eso. Y el problema es que la sátira es solamente una de las ideas que despliega Una guerra…, una entre varias, y tampoco es la más importante.

Una historia de las Momias. Primera parte

por Diego Maté

Renacer. Cuando en los 80 Spielberg estaba realizando la que sería la trilogía de aventuras más importante de la historia del cine, sabía que si quería que sus películas fueran exitosas tenía que imprimirles algo del espíritu de la época. No alcanzaba solamente con el toque clásico y el género: hacía falta algo más. En este sentido, y a pesar del enorme clasicismo de la saga, las Indiana Jones tenían una fascinación por el vértigo, la acción y los efectos especiales que las diferenciaba de todo lo que se había filmado hasta el momento dentro del cine de aventuras.