Fantasma de Buenos Aires

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Guillermo Grillo
Guión: Guillermo Grillo
Intérpretes: Estanislao Silveyra, Iván Espeche, Juan West, Paula Brasca
Fotografía: Agustín Nahuel Oroz
Edición: José Mariano Juárez
Música: Mariano Núñez West
Duración: 94 minutos

por Diego Maté

Fantasma de Buenos Aires respira, en cada actuación y en cada escena, una monumetal falta de respeto y de interés por la historia que cuenta, tanto que por momentos la película pareciera casi una parodia hecha y derecha. Entre Tomás, cuyo registro actoral es frío y apático, y que cuando quiere hacer ver el cambio de personalidad (él es el poseído por el fantasma del título) su trabajo se torna excesivo y poco creíble, como si se estuviese burlando de su/s personaje/s; pasando por Canaveri (el ánima en cuestión que habita el cuerpo de Tomás), para el que haber vivido en un barrio porteño en la década del 20 se traduce en una impostación de los estereotipos de los malevos que pueblan los tangos y la memoria popular en su vertiente más pintoresca (escuchar sobre todo la entonación de Iván Espeche, que de tan exagerada ya ni llega a causar gracia); hasta llegar a Pablo, amigo y confesor (y cuñado en ciernes) de Tomás, que entre su nerviosismo y su esforzado (y forzado) papel de personaje cómico nunca despega de la caricatura simplona; al final, todos parecen tratar de construir una mirada irónica sobre el relato y los conflictos, pero es difícil hablar de parodia solamente por la irrupción siempre exagerada de las actuaciones, nunca disimuladas ni contenidas (la parodia demanda siempre un trabajo concienzudo y una toma de posición clara respecto del material con que se trabaja).

El amarillo / Gallero

Año: 2006
Origen: Argentina
Dirección: Sergio Mazza
Guión: Sergio Mazza
Intérpretes: Gabriela Moyano, Alejandro Baratelli, Mirta Fratinni
Fotografía: Luis Cámara
Edición: Sergio Mazza, Nicolás Moro, Mercedes Oliveira
Música: Gabriela Moyano
Duración: 90 minutos

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Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: Sergio Mazza
Guión: Sergio Mazza
Intérpretes: Gustavo Almada, Silvia Zerbini
Fotografía: Mauricio Riccio
Edición: Alberto Ponce
Duración: 90 minutos

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por David Obarrio

Una buena y una mala. En algún momento habrá que hacerle algo de justicia y reconocer, al final, algunos de los frutos de aquella despareja experiencia colectiva de hace unos años que fue el film A propósito de Buenos Aires y la capacidad de Rafael Filipelli como principal factotum de todo el asunto. A los nombres de Matías Piñeiro y de Manuel Ferrari que surgieron de allí, y de quienes se vieron en el 2009 Todos mienten y Como estar muerto/cómo estar muerto respectivamente, se suma ahora el del sorprendente Sergio Mazza, que oficiaba en aquella película de asistente de dirección y que ahora se estrena como director. Resulta que Mazza presenta en esta oportunidad no una sino dos películas en la misma semana: El amarillo (2006) y Gallero (2008). Es cierto que los designios de las distribuidoras han probado a esta altura con creces ser inescrutables, pero también que la desfachatada y caprichosa geometría de la distribución se muestra cada vez más regida por una lógica absurda, contraria al interés de casi todo el mundo. Lo notable es que el espectador curioso y ávido de novedades (a la nada reprochable falta de antecedentes del director se suma el hecho de que las películas fueron lanzadas prácticamente sin promoción de ningún tipo) puede, si tiene tiempo y ganas, pasarse una tarde sumergido en dos versiones del mundo de un mismo cineasta.

Criatura de la noche: vampiros (Låt den rätte komma in)

Año: 2008
Origen: Suecia
Dirección: Tomas Alfredson
Guión: John Ajvide Lindqvist
Intérpretes: Kåre Hedebrant, Per Ragnar, Henrik Dahl
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Edición: Tomas Alfredson y Dino Jonsäter
Música: Johan Söderqvist
Duración: 115 minutos

por Aníbal Perotti

Los copos de nieve iluminan un suburbio perdido de Estocolmo. Naturaleza inquietante, calles desiertas, edificios lúgubres. Eli llega una tarde y se instala en el departamento vecino al de Oskar, un chico rubio, diáfano y frágil que vive torturado por sus compañeros y su deseo de venganza. Criaturas de la noche es una auténtica película sueca, hecha de nieve, sufrimiento interior e infinitas noches de invierno. Una polifonía extraña que mezcla la puesta en escena de la alienación de Oskar y la extrañeza radical de Eli, al tiempo que alterna los puntos de vista de diferentes personajes para evocar un malestar colectivo difuso. El virtuosismo estético para la organización de los planos y los movimientos de cámara está unido a la densidad narrativa y al rigor matemático con el que Alfredson encadena los acontecimientos, que oscilan entre horror y belleza, alarido y silencio, realismo y alucinación.

2012

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Canadá
Dirección: Roland Emmerich
Guión: Roland Emmerich, Harald Kloser
Intérpretes: John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Oliver Platt, Woody Harrelson, Danny Glover
Fotografía: Dean Semler
Edición: David Brenner, Peter S. Elliot
Música: Harald Kloser, Thomas Wanker
Duración: 158 minutos

por Ezequiel Villarino

Hola, ¿cómo estás? Te llamaba para despedirme porque parece que el mundo se está acabando… Los films que exponen catastróficos resultados sobre el planeta Tierra suelen lucir notables quiebres en relación a vínculos afectivos que culminan por estructurar vaivenes emotivos de los más diversos: al goce producido por la espectacularidad del impacto de las imágenes de un mundo moribundo y terminal o, en algunos casos, de mutación caótica (2012, como El día después de mañana, se inscribe en el terreno del cambio) se le suele anexar un sentimentalismo obsceno que convierte a este tipo de películas, más allá de todo asombro producido por la animación digital contemporánea, en un exponente digno de ser pensado (perdón Barthes) como una serie de fragmentos de un discurso amoroso.

Goodbye Solo

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Ramin Bahrani
Guión: Bahareh Azimi, Ramin Bahrani
Intérpretes: Souleymane Sy Savane, Red West, Diana Franco Galindo
Fotografía: Michael Simmonds
Edición: Ramin Bahrani
Música: M. Lo
Duración: 91 minutos

por David Obarrio

De modo casi fatal, en Goodbye Solo se puede apreciar una serie de taras del llamado cine independiente norteamericano, la más notoria de las cuales es una especie de obligada baja intensidad, como si el mérito mayor de la película fuera el de intentar sortear a toda costa la idea de una dramaturgia más convencional y construir a partir de esa ausencia una relación con el mundo circundante supuestamente más genuina. La película no lo consigue del todo pero sus máximos esfuerzos parecen concentrarse en simular que sí lo hace, mediante el escamoteo en verdad un poco ramplón de todo rasgo de energía que pueda ser sospechada de irrealidad o de estar por lo menos fuera de la más estricta cotidianeidad. Supongo, en fin, que Goodbye Solo podría entrar en eso que a algunos cráneos les gusta llamar “películas de gente real” (en serio, leí la expresión por ahí), categoría en la que la sociología de salón seguro que debe jugar algún papel no menor.

La invención de la carne

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Loza
Guión: Santiago Loza
Intérpretes: Umbra Colombo, Diego Benedetto, Gaby Lerner, Lisandro Rodríguez
Fotografía: Guillermo Saposnik
Edición: Lorena Moriconi
Música: Christian Basso
Duración: 82 minutos

por Aníbal Perotti

Luego de un prólogo formal con imágenes oníricas, La invención de la carne comienza en la sala esterilizada de un hospital donde un grupo de estudiantes observa los gestos de un profesor que examina el cuerpo de una mujer que parece muerta. En este universo frio y misterioso, los dos protagonistas se encuentran por primera vez. La que parecía muerta es María, una joven solitaria que presta su cuerpo a cualquier tipo de experiencia, y uno de los mirones es Mateo, un extraño estudiante de medicina que apacigua sus angustias en el agua de una pileta pública. Pero en realidad, los protagonistas son los cuerpos. Cuerpos que sufren, se aíslan, se expulsan y buscan otros cuerpos. Él rechaza su cuerpo con disgusto, ella utiliza el suyo para el placer de otros. Los dos cuerpos están siempre en primer plano, pero son demasiado torpes y temerosos, no saben tocarse, no pueden ponerse en contacto.

Planet 51

Año: 2009
Origen: España, Estados Unidos, Gran Bretaña
Dirección: Jorge Blanco, Javier Abad, Marcos Martínez
Guión: Joe Stillman
Intérpretes: Dwayne Johnson, Jessica Biel, Justin Long, Gary Oldman, John Cleese
Edición: Alex Rodríguez
Música: James Seymur Brett
Duración: 92 minutos

por Ezequiel Villarino

Pensá en verde. La posibilidad instantánea de asociar el color verde de algunas criaturas del cine de animación con aquel ogro falto de buenos modales y estrella de Dreamworks (aunque ahora estrellado, gracias a su atroz tercera aparición en la gran pantalla) parecería impulsar una especie de anhelo de éxito que hace que algunos individuos vayan a lo seguro sin esmerarse demasiado: Planet 51, película dirigida por Jorge Blanco y co-dirigida por Javier Abad y Marcos Martínez (todo un triunvirato español donde uno es “un poco más” que los otros gracias a las categorías de la industria), remite tanto al gaseoso y otrora gracioso personaje de fábula que hasta la tipografía del título en el afiche evoca a Shrek y compañía. Claro, es que en esta superproducción coproducida entre España, Estados Unidos e Inglaterra (otro triunvirato más, aunque en este caso multinacional) hay un involucrado que huele a ogro: Joe Stillman, hombre responsable del guión de las dos primeras entregas de Shrek y escritor del guión de este film que se ha convertido en la mayor producción cinematográfica realizada en España hasta el momento (su producción podrá ser “mayor”, pero el resultado es verdaderamente menor).

Luna nueva (New Moon)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Chris Weitz
Guión: Melissa Rosenberg
Intérpretes: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylos Lautner, Ashley Greene
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Edición: Peter Lambert
Música: Alexandre Desplat
Duración: 130 minutos

por Laura Gehl

Recuerdo que a propósito del estreno de Crepúsculo, en Cinemarama Radio hablamos de vampiros, así generalizando grosso modo. La película no había cautivado a nadie, sino más bien todo lo contrario, pero se presentaba como una buena excusa para hablar de un tema que a todos nos resultaba atractivo y, a pesar de que no se sacó ninguna conclusión de tal caótica charla, quedaba claro que todos teníamos (tenemos) un vampiro favorito; por supuesto, ninguno era Edward Cullen.

500 días con ella (500 Days of Summer)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Marc Webb
Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber
Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Chloe Moretz, Geoffrey Arend
Fotografía: Eric Steelberg
Edición: Alan Edward Bell
Música: Mychael Danna, Rob Simonsen
Duración: 95 minutos

por Diego Maté

Las mujeres son la perdición de los hombres. Las comedias románticas muchas veces son la cristalización que de la idea de los enamorados y la pareja se hace una época. Así, como pasa en otros géneros cinematográficos longevos (los orígenes de la comedia romántica pueden remontarse hasta la era de las screwball comedies), la apuesta narrativa pasa fundamentalmente por llegar a conocer a los personajes primero, para poder conocerlos como pareja después. Saber cómo son, qué les gusta, qué los motiva, cuáles son sus aspiraciones, cómo se llevarían estando juntos, si serían capaces de convivir, etc, estas son las preguntas que nos hacemos frente a una comedia romántica, y son pocos los géneros que como éste se encuentran tan fuertemente anclados en la vida contemporánea. O mejor dicho, en cierta vida contemporánea: la mayoría de las comedias románticas son urbanas, cuentan historias de personajes que van de los veintitantos hasta los cuarenta años, el trabajo (o la falta de él) suele ser un tema central, la familia puede ser un trasfondo dramático importante, no faltan los amigos de la pareja (especialmente del hombre, comic reliefs históricos del género) y ésta siempre está conformada por un hombre y una mujer. Las comedias románticas dan cuenta de una buena parte de todo el complejo entramado de rituales y prácticas que rodean a las relaciones humanas en las ciudades y la vida moderna, y por eso también suelen ser un termómetro más o menos confiable del sentir de una época. Personalmente no creo que haya una forma más efectiva de tomar contacto con los problemas y los intereses de un momento histórico en particular que viendo comedias románticas (ni siquiera el documental tiene semejante poder de síntesis; acaso porque en las películas del género, al abordar los materiales desde la ficción y poder manipularlos a voluntad, se logra un fresco del período todavía más fidedigno).

Camino a la redención (The Burning Plain)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Argentina
Dirección: Guillermo Arriaga
Guión: Guillermo Arriaga
Intérpretes: Charlize Theron, Kim Basinger, Jennifer Lawrence, Joaquim de Almeida
Fotografía: Robert Elswit, John Toll
Edición: Craig Wood
Música: Omar Rodriguez-Lopez, Hans Zimmer
Duración: 106 minutos

por Diego Maté

Rompecabezas. Hace tiempo ya que la apuesta de la industria estadounidense por un cine moderno se limita al trabajo alrededor de un formato narrativo en especial: el relato coral con ínfulas sociales. Hay mucho del espíritu de la modernidad que estas películas intentan reflejar y abordar, como el achicamiento a la vez que la intensificación de las brechas culturales e ideológicas, la reducción de las distancias geográficas (el mundo se vuelve un lugar suceptible de ser recorrido en su totalidad) y la articulación no lineal de los tiempos de la historia, como también un marcado acento en la idea de un tiempo o experiencia común, compartido por todos los personajes. El caso más paradigmático de este cine (me cuesta llamarlo “género”, en todo caso se trataría de una suma de géneros amontonados bajo el formato coral) es la obra de Alejandro Iñárritu, y la película que mejor representa a esta (ya no tan) nueva forma de contar historias, más allá de sus logros cinematográficos, probablemente sea Babel.

Los amantes (Two Lovers)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: James Gray
Guión: James Gray, Ric Menello
Intérpretes: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Issabella Rossellini, Elias Koteas
Fotografía: Joaquín Baca-Asay
Edición: John Axelrad
Duración: 110 minutos

por David Obarrio

La película más impredecible del año resulta ser también una de las más hermosas. Aunque el director James Gray parezca decirlo en voz apenas audible, muchos de los planos de Los amantes, imbuidos de una inusual elegancia nocturna, aparentan sucederse prácticamente a su aire, encantados y perplejos, casi como si reprodujeran la lógica secreta que rige el universo de los sueños. Sabíamos algo hasta ahora, no demasiado en verdad, del modo particular del director para trabajar. Solamente cuatro películas en catorce años: demasiado poco para llamar a la extraña trayectoria de Gray una carrera. Con el desapego y la indiferencia de un dandy (digámoslo: nadie triunfa en Hollywood de ese modo), con su cuidado extremo por las formas y su particular atención al acabado de sus películas, que se recuerdan como bellos fragmentos desperdigados en el tiempo, el director parece no cejar, mediante el cultivo de una insultante renuencia, en constituir un caso notable de baja productividad, quizá a la altura del de Terence Malick.

Sangre del Pacífico

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Boy Olmi
Guión: Boy Olmi
Intérpretes: Delfi Galbiatti, Ana Celentano, Emilia Paino, China Zorrilla
Fotografía: Ricardo de Angelis
Edición: Matías Casagrande
Música: Mariano Otero
Duración: 100 minutos

por Diego Maté

Podría marcarse una diferencia entre las películas argentinas malas que manipulan y bajan línea, y las que siendo malas no intentan convencer de algo sino que solamente se limitan a tratar de contar una historia. En el primer grupo estarían con seguridad Anita, Rodney o Nunca estuviste tan adorable, y en el segundo Toda la gente sola o Mentiras piadosas. A Sangre del Pacífico se la podría incluir en el segundo grupo. La película de Boy Olmi es un verdadero rejunte de clisés, diálogos flojos y elipsis narrativas inútiles, pero en ningún momento se intenta generar un discurso social respecto de uno de los temas que más se dedica a elaborar el guión: la vida de las mujeres que vienen a la Argentina en busca de un trabajo de empleada doméstica. El tema no solo está encuadrado dentro de ciertos límites discursivos, sino que incluso dando la palabra a los personajes marginados que padecen esa condición, nunca se llega a caer en la denuncia fácil.

MR 73: la última misión (MR 73)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Olivier Marchal
Guión: Olivier Marchal
Intérpretes: Daniel Auteil, Olivia Bonamy, Catherine Marchal, Francis Renaud
Fotografía: Denis Rouden
Edición: Raphael Urtin
Música: Bruno Coulais
Duración: 125 minutos

por Aníbal Perotti

Lo importante no es filmar bien, sino filmar.
Jean-Luc Godard

Olivier Marchal hace películas para ajustar cuentas con su pasado en la fuerza policial. La catarsis resulta demasiado evidente y sus desbordes de rabia se traducen en una tendencia al exceso a la hora de retratar la mediocridad del género humano y el cinismo de la institución. Sin embargo, el atractivo componente autobiográfico sumado a dos actores de prestigio lograron que El muelle fuera celebrada por gran parte de la crítica y el público, felices de encontrar a un humilde artesano capaz de fabricar una película de género popular, lejos de los delirios elitistas del cine de autor.

Ellos son, Los violadores

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan Riggirozzi
Guión: Juan Riggirozzi
Fotografía: Otmar Pucheta
Música: Los violadores
Duración: 98 minutos

por David Obarrio

Es cierto que Los violadores nunca fueron del todo una gran banda de rock: un astuto rudimentarismo musical, sumado al gozosamente asumido y novedoso mote de primer grupo de punk criollo, en el que lo particular podía así adquirir un aire de universalidad y de autoridad cosmopolita, sumado a un trabajo en el que se ponía el pecho sin saber en realidad con qué resultados, le sirvieron a Piltrafa y compañía para forjarse una modesta aunque persistente leyenda, moldeada por lo menos a la altura de sus requerimientos. Es que en verdad había que estar ahí como ellos lo hacían, a principios de la década del ochenta, cantando (gritando) como desaforados esa palabra “represión”, que hoy parece volver a destiempo y más bien irresponsablemente. Fiesta negra, carnaval de sótano, conjuración de los demonios del miedo, los empeñosos recitales de Los violadores (por lo menos una vez, en algún afiche, anunciados como Los voladores) podían terminar, y no era nada raro, en una razzia, con palos bien repartidos y visitas forzadas a la seccional más cercana.

Unidad 25

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Alejo Hoijman
Guión: Alejo Hoijman
Fotografía: Gastón Girod
Edición: Alejo Hoijman
Sonido: Diego Martínez
Duración: 93 minutos

por Laura Gehl

Atención: se cuenta el final de la película

Hay algunos elementos en Unidad 25 que hacen que sea un documental de dudosa credibilidad (y a la vez que no importe demasiado): la película comienza con un plano dentro de un celular que, en medio de la noche, transporta presos desde una unidad carcelaria hacia otra, en este caso desde la Unidad 1 a la 25, ambas pertenecientes al Penal de Olmos. En el viaje, la cámara se detiene en Simón Pedro (¡qué nombre para caer en una cárcel evangelista!). Simón es un chico de unos veinte años, y se lo nota sereno y tranquilo. Simón, además, no responde a las características físicas que el imaginario de clase media (construido por la televisión) tiene –equivocadamente– de los presos; y aunque pueda sonar políticamente incorrecto, ése es un factor que de alguna manera descoloca al espectador, sobre todo por el posterior desarrollo de la película.

El último verano de la boyita

Año: 2009
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Julia Solomonoff
Guión: Julia Solomonoff
Intérpretes: Guadalupe Alonso, María Clara Merendino, Nicolás Treise
Fotografía: Lucio Bonelli y Julia Solomonoff
Edición: Rosario Suárez y Andrés Tambornino
Música: Sebastián Escofett
Duración: 93 minutos

por Ezequiel Villarino

El segundo largometraje de Julia Solomonoff es un relato que se estructura a partir de una temática demasiado abordada por el cine nacional en los últimos tiempos: el despertar sexual. Sumado a esto, el film se ahoga en constantes clichés, una innegable estética pintoresca for export y una manera de desarrollar lo narrado que no escapa jamás al cálculo y a lugares comunes que son fácilmente reconocibles. Nada sorprende y todo ya ha sido visto con mejor elaboración en films como La ciénaga, La rabia y, en particular, XXY.

El corredor nocturno

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Nicolás Saad
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Miguel Ángel Solá, Erica Rivas
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Fernando Pardo
Música: Lucio Godoy
Duración: 98 minutos

por Diego Maté

Atención: se cuenta el final de la película

Los paranoicos. Fueron películas como la misma El corredor nocturno, con su gusto traicionero por los personajes imaginarios, las que nos volvieron desconfiados, incrédulos. Fueron Sexto sentido, Una mente brillante, El club de la pelea: todas colaboraron en distintos grados y niveles. Estas películas juegan decididamente al engaño, pero no en los términos cinematográficos de, por ejemplo, Brian De Palma, sino de manera ramplona, boba, sirviéndose de la mentira como puro golpe de efecto: en determinado momento de la historia, se revela que tal o cual personaje fundamental para la trama no existe más que en la mente del protagonista (por lo general, un desequilibrado, un caso para la psicología). La vuelta de tuerca en su versión más efectista y menos interesante: ya no se trata de un giro en la trama, sino directamente de la no-existencia del (la mayoría de las veces) alter-ego del protagonista, y por ende, de la manifestación de lo precario de su estado intelectual. La psicología cinematográfica muestra su lado más berreta.

La canción de París (Faubourg 36)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Christophe Barratier
Guión: Christophe Barratier
Intérpretes: Gérard Jugnot, Clovis Cornillac, Kad Merad, Pierre Richard
Fotografía: Tom Stern
Edición: Yves Deschamps
Música: Reinhardt Wagner
Duración: 120 minutos

por Aníbal Perotti

Algún desprevenido tal vez haya visto en Christophe Barratier a un cineasta utópico incapaz de ocultar sus buenas intenciones, que con el drama histórico Los coristas nos enseñó que el autoritarismo no es necesario, ya que el pueblo puede ser educado a través del arte, la música y la emoción colectiva de un coro. Envalentonado con las mieles del éxito, ahora el audaz autor vuelve a destapar el frasco de formol y redobla la apuesta con La canción de París. La película es un elogio a la fraternidad, a la lucha mancomunada contra el desempleo (y contra los extremistas), que utiliza como único estandarte la plena confianza en la solidaridad. En esta ocasión, las viñetas edificantes incluyen una historia de amor, un drama entre padres e hijos y alguna que otra traición, todo bajo una estética de cartón pintado y fondo de acordeón.

Shotgun Stories

Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jeff Nichols
Guión: Jeff Nichols
Intérpretes: Michael Shannon, Douglas Ligon, Barlow Jakobs
Fotografía: Adam Stone
Edición: Steven Gonzales
Música: Lucero, Pyramid
Duración: 92 minutos

por David Obarrio

Uno puede leer apresuradamente por allí algo respecto a la ópera prima de Jeff Nichols y casi de inmediato sentirse autorizado a dudar. De nuevo esta cosa del indie americano, se dirá, con su tendal de familias disfuncionales, con su moralina, con su cansada sordidez apenas encubierta bajo la máscara de su concepción particular del concepto de realismo. Otra vez sopa, en definitiva. Puro pasto para festivales. Shotgun Stories resulta en cambio una sorpresa: Nichols no filma una idea del odio sino el modo en el que el odio se transforma en sistema. El esencial pesimismo que la película destila no es una fórmula impuesta  para leer el mundo sino acaso el único sentimiento genuino posible para resguardarse del dolor que parece ser una de sus partes constitutivas ineludibles.

Waz (w Delta z)

Año: 2007
Origen: Gran Bretaña
Dirección: Tom Shankland
Guión: Clive Bradley
Intérpretes: Barbara Adair, Stellan Skarsgård, Peter Ballance, Selma Blair
Fotografía: Morten Søborg
Edición: Tim Murrell
Música: David Julyan
Duración: 104 minutos

por Diego Maté

Ya desde el título, Waz (o w Delta z, como se la conoció mayormente en Gran Bretaña) plantea una conexión ineludible con la saga de El juego del miedo (en inglés, Saw): ambas tienen tres letras, dos de ellas compartidas (la A y la W), la tercera en discordia (S y Z) comparte la pronunciación en las dos, y cada título puede ser leído como el reverso del otro. Estas coincidencias, además de evidentes, no son para nada casuales, porque Waz también es deudora de la visión del mundo que despliega la saga de El juego del miedo a lo largo de sus seis películas. Tanto la serie iniciada por James Wan como Waz proponen a un villano rencoroso y vengativo que se escuda en una supuesta superioridad moral para someter a sus víctimas a los peores tormentos imaginados, y las dos películas (esto es lo grave) por momentos se hacen eco del discurso del villano, como si en parte acordaran con su cruzada moralista y de muerte.