Fantasma de Buenos Aires

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Guillermo Grillo
Guión: Guillermo Grillo
Intérpretes: Estanislao Silveyra, Iván Espeche, Juan West, Paula Brasca
Fotografía: Agustín Nahuel Oroz
Edición: José Mariano Juárez
Música: Mariano Núñez West
Duración: 94 minutos

por Diego Maté

Fantasma de Buenos Aires respira, en cada actuación y en cada escena, una monumetal falta de respeto y de interés por la historia que cuenta, tanto que por momentos la película pareciera casi una parodia hecha y derecha. Entre Tomás, cuyo registro actoral es frío y apático, y que cuando quiere hacer ver el cambio de personalidad (él es el poseído por el fantasma del título) su trabajo se torna excesivo y poco creíble, como si se estuviese burlando de su/s personaje/s; pasando por Canaveri (el ánima en cuestión que habita el cuerpo de Tomás), para el que haber vivido en un barrio porteño en la década del 20 se traduce en una impostación de los estereotipos de los malevos que pueblan los tangos y la memoria popular en su vertiente más pintoresca (escuchar sobre todo la entonación de Iván Espeche, que de tan exagerada ya ni llega a causar gracia); hasta llegar a Pablo, amigo y confesor (y cuñado en ciernes) de Tomás, que entre su nerviosismo y su esforzado (y forzado) papel de personaje cómico nunca despega de la caricatura simplona; al final, todos parecen tratar de construir una mirada irónica sobre el relato y los conflictos, pero es difícil hablar de parodia solamente por la irrupción siempre exagerada de las actuaciones, nunca disimuladas ni contenidas (la parodia demanda siempre un trabajo concienzudo y una toma de posición clara respecto del material con que se trabaja).

El amarillo / Gallero

Año: 2006
Origen: Argentina
Dirección: Sergio Mazza
Guión: Sergio Mazza
Intérpretes: Gabriela Moyano, Alejandro Baratelli, Mirta Fratinni
Fotografía: Luis Cámara
Edición: Sergio Mazza, Nicolás Moro, Mercedes Oliveira
Música: Gabriela Moyano
Duración: 90 minutos

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Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: Sergio Mazza
Guión: Sergio Mazza
Intérpretes: Gustavo Almada, Silvia Zerbini
Fotografía: Mauricio Riccio
Edición: Alberto Ponce
Duración: 90 minutos

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por David Obarrio

Una buena y una mala. En algún momento habrá que hacerle algo de justicia y reconocer, al final, algunos de los frutos de aquella despareja experiencia colectiva de hace unos años que fue el film A propósito de Buenos Aires y la capacidad de Rafael Filipelli como principal factotum de todo el asunto. A los nombres de Matías Piñeiro y de Manuel Ferrari que surgieron de allí, y de quienes se vieron en el 2009 Todos mienten y Como estar muerto/cómo estar muerto respectivamente, se suma ahora el del sorprendente Sergio Mazza, que oficiaba en aquella película de asistente de dirección y que ahora se estrena como director. Resulta que Mazza presenta en esta oportunidad no una sino dos películas en la misma semana: El amarillo (2006) y Gallero (2008). Es cierto que los designios de las distribuidoras han probado a esta altura con creces ser inescrutables, pero también que la desfachatada y caprichosa geometría de la distribución se muestra cada vez más regida por una lógica absurda, contraria al interés de casi todo el mundo. Lo notable es que el espectador curioso y ávido de novedades (a la nada reprochable falta de antecedentes del director se suma el hecho de que las películas fueron lanzadas prácticamente sin promoción de ningún tipo) puede, si tiene tiempo y ganas, pasarse una tarde sumergido en dos versiones del mundo de un mismo cineasta.

La invención de la carne

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Loza
Guión: Santiago Loza
Intérpretes: Umbra Colombo, Diego Benedetto, Gaby Lerner, Lisandro Rodríguez
Fotografía: Guillermo Saposnik
Edición: Lorena Moriconi
Música: Christian Basso
Duración: 82 minutos

por Aníbal Perotti

Luego de un prólogo formal con imágenes oníricas, La invención de la carne comienza en la sala esterilizada de un hospital donde un grupo de estudiantes observa los gestos de un profesor que examina el cuerpo de una mujer que parece muerta. En este universo frio y misterioso, los dos protagonistas se encuentran por primera vez. La que parecía muerta es María, una joven solitaria que presta su cuerpo a cualquier tipo de experiencia, y uno de los mirones es Mateo, un extraño estudiante de medicina que apacigua sus angustias en el agua de una pileta pública. Pero en realidad, los protagonistas son los cuerpos. Cuerpos que sufren, se aíslan, se expulsan y buscan otros cuerpos. Él rechaza su cuerpo con disgusto, ella utiliza el suyo para el placer de otros. Los dos cuerpos están siempre en primer plano, pero son demasiado torpes y temerosos, no saben tocarse, no pueden ponerse en contacto.

Camino a la redención (The Burning Plain)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Argentina
Dirección: Guillermo Arriaga
Guión: Guillermo Arriaga
Intérpretes: Charlize Theron, Kim Basinger, Jennifer Lawrence, Joaquim de Almeida
Fotografía: Robert Elswit, John Toll
Edición: Craig Wood
Música: Omar Rodriguez-Lopez, Hans Zimmer
Duración: 106 minutos

por Diego Maté

Rompecabezas. Hace tiempo ya que la apuesta de la industria estadounidense por un cine moderno se limita al trabajo alrededor de un formato narrativo en especial: el relato coral con ínfulas sociales. Hay mucho del espíritu de la modernidad que estas películas intentan reflejar y abordar, como el achicamiento a la vez que la intensificación de las brechas culturales e ideológicas, la reducción de las distancias geográficas (el mundo se vuelve un lugar suceptible de ser recorrido en su totalidad) y la articulación no lineal de los tiempos de la historia, como también un marcado acento en la idea de un tiempo o experiencia común, compartido por todos los personajes. El caso más paradigmático de este cine (me cuesta llamarlo “género”, en todo caso se trataría de una suma de géneros amontonados bajo el formato coral) es la obra de Alejandro Iñárritu, y la película que mejor representa a esta (ya no tan) nueva forma de contar historias, más allá de sus logros cinematográficos, probablemente sea Babel.

Sangre del Pacífico

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Boy Olmi
Guión: Boy Olmi
Intérpretes: Delfi Galbiatti, Ana Celentano, Emilia Paino, China Zorrilla
Fotografía: Ricardo de Angelis
Edición: Matías Casagrande
Música: Mariano Otero
Duración: 100 minutos

por Diego Maté

Podría marcarse una diferencia entre las películas argentinas malas que manipulan y bajan línea, y las que siendo malas no intentan convencer de algo sino que solamente se limitan a tratar de contar una historia. En el primer grupo estarían con seguridad Anita, Rodney o Nunca estuviste tan adorable, y en el segundo Toda la gente sola o Mentiras piadosas. A Sangre del Pacífico se la podría incluir en el segundo grupo. La película de Boy Olmi es un verdadero rejunte de clisés, diálogos flojos y elipsis narrativas inútiles, pero en ningún momento se intenta generar un discurso social respecto de uno de los temas que más se dedica a elaborar el guión: la vida de las mujeres que vienen a la Argentina en busca de un trabajo de empleada doméstica. El tema no solo está encuadrado dentro de ciertos límites discursivos, sino que incluso dando la palabra a los personajes marginados que padecen esa condición, nunca se llega a caer en la denuncia fácil.

Ellos son, Los violadores

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan Riggirozzi
Guión: Juan Riggirozzi
Fotografía: Otmar Pucheta
Música: Los violadores
Duración: 98 minutos

por David Obarrio

Es cierto que Los violadores nunca fueron del todo una gran banda de rock: un astuto rudimentarismo musical, sumado al gozosamente asumido y novedoso mote de primer grupo de punk criollo, en el que lo particular podía así adquirir un aire de universalidad y de autoridad cosmopolita, sumado a un trabajo en el que se ponía el pecho sin saber en realidad con qué resultados, le sirvieron a Piltrafa y compañía para forjarse una modesta aunque persistente leyenda, moldeada por lo menos a la altura de sus requerimientos. Es que en verdad había que estar ahí como ellos lo hacían, a principios de la década del ochenta, cantando (gritando) como desaforados esa palabra “represión”, que hoy parece volver a destiempo y más bien irresponsablemente. Fiesta negra, carnaval de sótano, conjuración de los demonios del miedo, los empeñosos recitales de Los violadores (por lo menos una vez, en algún afiche, anunciados como Los voladores) podían terminar, y no era nada raro, en una razzia, con palos bien repartidos y visitas forzadas a la seccional más cercana.

Unidad 25

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Alejo Hoijman
Guión: Alejo Hoijman
Fotografía: Gastón Girod
Edición: Alejo Hoijman
Sonido: Diego Martínez
Duración: 93 minutos

por Laura Gehl

Atención: se cuenta el final de la película

Hay algunos elementos en Unidad 25 que hacen que sea un documental de dudosa credibilidad (y a la vez que no importe demasiado): la película comienza con un plano dentro de un celular que, en medio de la noche, transporta presos desde una unidad carcelaria hacia otra, en este caso desde la Unidad 1 a la 25, ambas pertenecientes al Penal de Olmos. En el viaje, la cámara se detiene en Simón Pedro (¡qué nombre para caer en una cárcel evangelista!). Simón es un chico de unos veinte años, y se lo nota sereno y tranquilo. Simón, además, no responde a las características físicas que el imaginario de clase media (construido por la televisión) tiene –equivocadamente– de los presos; y aunque pueda sonar políticamente incorrecto, ése es un factor que de alguna manera descoloca al espectador, sobre todo por el posterior desarrollo de la película.

El último verano de la boyita

Año: 2009
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Julia Solomonoff
Guión: Julia Solomonoff
Intérpretes: Guadalupe Alonso, María Clara Merendino, Nicolás Treise
Fotografía: Lucio Bonelli y Julia Solomonoff
Edición: Rosario Suárez y Andrés Tambornino
Música: Sebastián Escofett
Duración: 93 minutos

por Ezequiel Villarino

El segundo largometraje de Julia Solomonoff es un relato que se estructura a partir de una temática demasiado abordada por el cine nacional en los últimos tiempos: el despertar sexual. Sumado a esto, el film se ahoga en constantes clichés, una innegable estética pintoresca for export y una manera de desarrollar lo narrado que no escapa jamás al cálculo y a lugares comunes que son fácilmente reconocibles. Nada sorprende y todo ya ha sido visto con mejor elaboración en films como La ciénaga, La rabia y, en particular, XXY.

El corredor nocturno

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Nicolás Saad
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Miguel Ángel Solá, Erica Rivas
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Fernando Pardo
Música: Lucio Godoy
Duración: 98 minutos

por Diego Maté

Atención: se cuenta el final de la película

Los paranoicos. Fueron películas como la misma El corredor nocturno, con su gusto traicionero por los personajes imaginarios, las que nos volvieron desconfiados, incrédulos. Fueron Sexto sentido, Una mente brillante, El club de la pelea: todas colaboraron en distintos grados y niveles. Estas películas juegan decididamente al engaño, pero no en los términos cinematográficos de, por ejemplo, Brian De Palma, sino de manera ramplona, boba, sirviéndose de la mentira como puro golpe de efecto: en determinado momento de la historia, se revela que tal o cual personaje fundamental para la trama no existe más que en la mente del protagonista (por lo general, un desequilibrado, un caso para la psicología). La vuelta de tuerca en su versión más efectista y menos interesante: ya no se trata de un giro en la trama, sino directamente de la no-existencia del (la mayoría de las veces) alter-ego del protagonista, y por ende, de la manifestación de lo precario de su estado intelectual. La psicología cinematográfica muestra su lado más berreta.

Boogie, el aceitoso

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Gustavo Cova
Guión: Marcelo Paez-Cubells
Voces: Pablo Echarri, Nancy Dupláa
Edición: Andrés Fernández
Música: Diego Monk
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“Todo lo humano me es ajeno”
Boogie

Boogie, Boogie… ¡Bang, Bang! Hay que tener agallas para atreverse a contemplar, en todo su esplendor, a este mastodonte apodado “el aceitoso”: racista, misógino, fumador obsesivo, gorila rubio y alto, y especie de híbrido fascista entre The Thing (La cosa) de Marvel Comics y Marv de Sin City. Realmente, todo un personaje “de aquellos”: listo para ser odiado con mucha razón o querido con extrema culpa. Es que así es Boogie, un hombre de guerra y natural born killer que fue parido desde la inteligencia del siempre recordado Roberto “Negro” Fontanarrosa en el año 1972, dentro de las páginas de la revista Hortensia. Bajo aquella mirada paródica y satírica del rosarino (de verdadero posicionamiento antimilitarista y antiimperialista) no sólo centrada sobre la figura de este antihéroe que recordaba con insistencia al Harry Callahan interpretado por Eastwood sino también sobre la sociedad, cultura y política de los Estados Unidos, la belicosa criatura yanqui de muy, pero muy pocas pulgas equilibraba sus excesos de violencia física con la agresividad desproporcionada de sus palabras.

La sociedad de la nieve

Año: 2007
Origen: Uruguay, Argentina, Francia
Dirección: Gonzalo Arijón
Fotografía: César Charlone y Pablo Zubizarreta
Edición: Claudio Hughes, Samuel Lajus, Alice Larry
Música: Florencia Di Concilio Perrin
Duración: 126 minutos

por Ezequiel Boetti

A la hora de analizar un documental resulta casi inevitable referirse a la construcción del relato a través de “cabezas parlantes” como un defecto. Las razones para que un personaje preste testimonio ante una cámara generalmente inerte suelen encuadrarse en dos factores: a) creativos, a la chatura de ideas de puesta en escena que implica la utilización de un recurso más asociado al vértigo televisivo, cuyo nivel de manufacturación debe ser de un documental por semana, que al de un producto proveniente de una industria donde el reloj no corre sino que trota, o b) monetarios, cuando triunfa la obligatoriedad de este recurso a raíz del presupuesto acotado con que suelen disponer las producciones latinoamericanas en general, sobre todo cuando de documentales se trata. Ese tiempo de andar cansino no se mide en horas o minutos: se mide en dólares. La sociedad de la nieve, documental sobre la  supervivencias durante setenta días de los dieciséis rugbiers uruguayos en la Cordillera de los Andes, luego de que cayera el avión que los trasladaba a Chile, encuentra en ese “defecto” su mayor virtud.

Nunca estuviste tan adorable

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Mausi Martínez
Guión: Mausi Martínez
Intérpretes: María Onetto, Mirta Busnelli, Luis Luque, Lucrecia Oviedo, Lorena Forte
Fotografía: Andrés Mazzón
Edición: Yanina Andreoli
Música: Nicolás Posse, Mono Morillo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay una escena en Nunca estuviste tan adorable que la muestra (o la expone, la deja al descubierto) en todo su cómodo cinismo y villanía disfrazada de crítica social. En la escena, la cámara sigue a Blanca (María Onetto), Rodolfo y Noelia que dan vueltas alrededor de Beba (Mirta Busnelli), a la que interrumpen en el baño justo cuando trataba de suicidarse cortándose las venas. Beba camina, borracha y perdida, más preocupada por las manchas de sangre en el baño de Blanca que por los cortes en su muñeca, y la cámara retrocede sin perderla de vista. En ese momento, verdadero quiebre en el clima amenazadoramente festivo y hasta un poco malsano que prometía estallar, la directora, que tenía la primera oportunidad de acercarse un poco a sus personajes, de atravesar esa capa de imbecilidad, ridículo y patetismo con la que los había pintado, elige extremar su mirada y opta por llevar todo hasta las últimas consecuencias: en lugar de interesarse por Beba se burla de ella y la propone, además, como blanco humorístico, la hace parecer estúpida y loca y no le da nunca una chance de mostrar otra cara, de ofrecerse con algo de dignidad.

Vil romance

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: José Celestino Campusano
Guión: José Celestino Campusano
Intérpretes: Nehuén Zapata, Oscar Génova, Marisa Pájaro, Javier De La Vega
Fotografía: Leonardo Padín
Edición: Leonardo Padín
Música: Juan Manuel Colombo
Duración: 105 minutos

por David  Obarrio

Dios bendiga ese corazoncito retorcido tuyo.
Tom Waits, Hold On

Como si quisiera decirlo todo de entrada con un solo gesto, advertir al espectador de manera definitiva acerca de la naturaleza profunda de la película que anuncia, la palabra “vil” se estampa roja y desprolija, orgullosamente a destiempo, sobre la palabra “romance” en el afiche de Vil romance. Es un agregado, esa primera palabra; un forzamiento, una verdadera intrusión que anticipa en parte el sistema de cruces que la película propone y que constituye uno de sus mayores y menos esperables regocijos. Pero no se trata solo de eso. Al tiempo que reclama de manera indeclinable para el cine la inclusión de aquello considerado bajo, degradado, inmoral, poco confiable (consultar un diccionario de sinónimos para seguir la enumeración), el director José Celestino Campusano parece además establecer un procedimiento de escritura en el que la cotidianeidad más crasa se carga imprevisiblemente de una particular densidad poética, una corriente subterránea con la que su película adquiere la consistencia de un humilde manifiesto estético.

Fantasmas de la noche

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Carlos Oves
Guión: Santiago Carlos Oves
Intérpretes: Carlos Resta, Mariana A, Enrique Liporace, Martín Slipak
Fotografía: Carlos Torlaschi
Edición: Liliana Nadal
Música: Pablo Sala
Duración: 84 minutos

por Diego Maté

Es raro ver, sobre todo en los últimos años, que el cine argentino se le anime al género del policial. Acaso esto tenga que ver con la desmantelación de los géneros que llevó adelante el Nuevo Cine Argentino, algo que ocurrió más o menos en todos los países en los que se dieron movimientos cinematográficos contemporáneos. Así pasó en Taiwán, donde en la actualidad el género brilla por su ausencia, pero no en Hong-Kong, que tiene una de las industrias populares más fuertes del planeta, pero que todavía hoy cuenta con Wong Kar-Wai como su único realizador netamente contemporáneo. De los 90 a esta parte, y de manera mucho más marcada que en los 60, el cine de género sigue asociado casi en su totalidad a la producción estadounidense, y quizás este hecho ayude a explicar el descreimiento y la sospecha con que muchas generaciones jóvenes tienden a mirar al género: como construcción artificial, falsa, transmisora de ideología y mandatos imperialistas. No importa ahora ahondar en las causas de este rechazo de los realizadores jóvenes por un cine de género, solamente baste con recordar que en la Argentina, que hasta no hace mucho contaba con una producción anual nada despreciable, podían nombrarse apenas unos pocos cultores habilidosos de los géneros, tales como Damián Sziffrón, Fabián Bielinsky o José Luis Campanella (aunque éste ya fuera del grupo de los jóvenes, al que podríamos agregar también a Adolfo Aristarain).

Todos mienten

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Matías Piñeiro
Guión: Matías Piñeiro
Intérpretes: Romina Paula, María Villar, Julia Martínez Rubio, Pilar Gamboa
Fotografía: Fernando Lockett
Edición: Delfina Castagnino
Duración: 75 minutos

por Diego Maté

El joven viejo. Tarea nada sencilla el decir algo sobre las dos películas de Matías Piñeiro. Para empezar, habría que tener en cuenta que su cine parece gravitar alrededor del engaño y las apariencias. Eso sí, que no se entienda lo de engaño desde un lugar de condena, porque los personajes de El hombre robado y Todos mienten, como rezan los títulos, roban y mienten constantemente, pero las películas nunca los condenan. Lo que hay en Piñeiro es más bien una exploración (nada moralista, y también carente de psicologismos) de esa falsedad que define a sus criaturas. Ver cómo mienten, cómo traman planes entre sí y conspiran unos contra otros, en eso pone su mirada y todo su interés un cada vez más maduro Piñeiro, y encuentra así un universo completamente nuevo donde las normas sociales y cinematográficas, por lo menos las más convencionales, se diluyen y dan paso al complejo entramado de amores y traiciones de sus películas.

El último mandado – Estreno en DVD

Año: 2007
Origen: Argentina
Dirección: Fabio Junco, Julio Midú
Guión: Fabio Junco
Intérpretes: Ellen Wolf, Lucas Midú, Carmen Drive, Silvia Mieres
Fotografía: Gabriel Perosino
Edición: Mauricio Minotti
Música: Mauro Lázzaro
Duración: 71 minutos

por Diego Maté

La película de Fabio Junco y Julio Midú, incluso siendo proyectada en DVD y en una sala de calidad media como la del complejo Tita Merello, viene a recordarnos algo que tendemos a olvidar con demasiada frecuencia, que el cine es imagen y, además, sonido. Toda El último mandado está hecha a partir de sonidos, de ruidos, golpes y gritos, que por momentos hasta parecen ofrecer más información sobre el universo de la película que las imágenes. Desde escenas que se cuentan exclusivamente a partir del audio (como cuando Lucas llega tarde y en pleno corte de luz a su casa y tiene que aguantar todo el enojo y la frustración de su madre) hasta las relaciones que se resuelven muchas veces en términos sonoros (como la de Hannah y la mujer que la ayuda en la casa, que le retruca sus abusos de poder y altanería con golpes secos de puertas y objetos que encuentra a mano), el sonido de El último mandado parece apropiarse lenta pero segura de la película hasta cobrar una importancia fundamental dentro del relato y la puesta en escena, y se vuelve un atributo central del Saladillo que recrean Junco y Midú, pobre y anacrónico, en el que la tradición nazi que sobrevive a través de Hannah como un eco distante llega hasta los oídos del desesperado de Lucas, que se deja seducir por ese canto de sirena que son los relatos y libros que ella le pone a su alcance.

El sueño del perro

Año: 2007
Origen: Argentina
Dirección: Paulo Pécora
Guión: Paulo Pécora
Intérpretes: Guillermo Angelelli, Mónica Lairana, Aldo Niebur
Fotografía: Martín Frías
Edición: Paulo Pécora, Pedro Razzari
Música: Marcelo Esquiaga
Duración: 90 minutos

por David Obarrio

El director Paulo Pécora es un caso. Con un corpus notable de cortometrajes sobre sus espaldas (que incluye videoclips para Mi tortuga Montreaux y Romina y los urbanos), estrena recién ahora y en forma restringida su película El sueño del perro, del año 2007. Desmarcado de modo notorio de las últimas tendencias del cine argentino, su trabajo se muestra venturosamente empeñado en postular las peripecias de la subjetividad como la razón de ser última de las imágenes, el punto de esencial incandescencia hacia el cual convergen decididos los vectores de eso que llamamos cine.

El hombre que corría tras el viento

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan Pablo Martínez
Guión: Juan Pablo Martínez, Ismael Serrano
Intérpretes: Ismael Serrano, Jazmín Stuart, Pasta Dioguardi, Bárbara Lombardo, Roly Serrano
Fotografía: Darío Sabina
Edición: Javier Favot
Música: Ismael Serrano
Duración: 86 minutos

por Laura Gehl

En sus conciertos, Ismael Serrano suele introducir cada canción con un breve relato; uno de ellos, La dulce Carola, es el que se adapta en El hombre que corría tras el viento, una película cruzada por un aire poético un tanto simplón, pero con buenas intenciones. Daniel (Serrano) es un tipo taciturno y tímido que se enamora de una chica desconocida a la que ve pasar siempre a la misma hora. Su mejor amigo es Luis (Dioguardi), un ciego del que el guión abusa con tantos chistes sobre la visión. La chica objeto de deseo es Carola (Stuart), linda, etérea, algo enigmática. Carola es camarera en el restaurante en el que almuerzan Daniel y Luis. Daniel, cuanto más la conoce, más se enamora, y cuanto más se enamora, más se calla. Daniel nunca le declara su amor y Carola se va a Ushuaia y Daniel la pierde, sumiéndose en una tristeza imposible, pero he aquí quizá el rasgo más interesante (a pesar de estar un poco tirado de los pelos) de esta película: mediante un giro un tanto absurdo, a Daniel se le concede la oportunidad de volver al pasado.

Cuestión de principios

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Rodrigo Grande
Guión: Rodrigo Grande, Roberto Fontanarrosa
Intérpretes: Federico Luppi, Norma Aleandro, Pablo Echarri, María Carámbula
Fotografía: Pablo Schverdfinger
Edición: César Custodio, Miguel Pérez
Música: Ruy Folguera
Duración: 109 minutos

por David Obarrio

Qué pensar de una película en la que Federico Luppi hace de caballero crepuscular y Pablo Echarri de empresario exitoso. Pese a cualquier prevención que se pueda tener, hay que decir sin embargo que nada es demasiado grave en el film de Rodrigo Grande. Después de todo, Luppi se ha constituido con un personaje similar en el verdadero centro moral de las mejores películas de Adolfo Aristarain, cuyo último y radiante avatar hasta la fecha es el robespierreano profesor de Lugares comunes, querible y odioso al mismo tiempo. Echarri por su parte, bueno, es Echarri (todo no se puede), hay que tomarlo o dejarlo, su cara se repite en estos días en el papel de joven emprendedor con mucho nervio y pocos escrúpulos. Se lo ganó al puesto. Le queda, lo hace bien. En el cuento de Roberto Fontanarrosa que sirve de plataforma a la película lo describen a su personaje como yuppie, nombre que creo que ya está en desuso y que designaba despectivamente, en la lejana Argentina de los años noventa en la que transcurría la acción, a los miembros destacados de una generación ávida de dinero y que, sobre todo, rápidamente encontraban conchavo al abrigo de las aluvionales privatizaciones de entonces.

Homero Manzi, un poeta en la tormenta

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: Eduardo Spagnuolo
Guión: Eduardo Spagnuolo
Intérpretes: Carlos Portaluppi, Angélica Torres, Martín Slipak, Luciano Acosta
Fotografía: Mauricio Riccio
Edición: Daniel Galasse
Música: Erica Di Salvo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay algo fuera de lo común en Homero Manzi, un poeta en la tormenta: una cierta ambición de borde que le confiere a la película un aire de dignidad que la sostiene incluso en sus peores momentos (que son muchos). Hay actuaciones malísimas (fuera de tono, teatrales en el peor sentido), referencias políticas y sociales de trazo grosísimo, escenas que cruzan en más de una ocasión el límite de lo grasa y berreta (ver el juego con las curvas blancas, que parecen evocar una especie de fileteado –eterno símbolo pintoresco de lo tanguero- simplón y despojado, o el baile de la chica ensabanada); a pesar de todo esto, la sensación es que Spagnuolo se está arriesgando a contar algo de manera distinta, peleándose con el documental y la ficción por igual, intentando encontrar un registro que los una pero que a la vez no sea una simple cruza de ambos, casi como tratando de inventar una especie de pólvora cinematográfica (Spagnuolo fue el guionista de Haroldo Conti, homo viator, en la que también se ensayaba una mixtura entre documental y ficción, aunque de manera mucho más tradicional y bastante poco feliz).