Boogie, el aceitoso

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Gustavo Cova
Guión: Marcelo Paez-Cubells
Voces: Pablo Echarri, Nancy Dupláa
Edición: Andrés Fernández
Música: Diego Monk
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“Todo lo humano me es ajeno”
Boogie

Boogie, Boogie… ¡Bang, Bang! Hay que tener agallas para atreverse a contemplar, en todo su esplendor, a este mastodonte apodado “el aceitoso”: racista, misógino, fumador obsesivo, gorila rubio y alto, y especie de híbrido fascista entre The Thing (La cosa) de Marvel Comics y Marv de Sin City. Realmente, todo un personaje “de aquellos”: listo para ser odiado con mucha razón o querido con extrema culpa. Es que así es Boogie, un hombre de guerra y natural born killer que fue parido desde la inteligencia del siempre recordado Roberto “Negro” Fontanarrosa en el año 1972, dentro de las páginas de la revista Hortensia. Bajo aquella mirada paródica y satírica del rosarino (de verdadero posicionamiento antimilitarista y antiimperialista) no sólo centrada sobre la figura de este antihéroe que recordaba con insistencia al Harry Callahan interpretado por Eastwood sino también sobre la sociedad, cultura y política de los Estados Unidos, la belicosa criatura yanqui de muy, pero muy pocas pulgas equilibraba sus excesos de violencia física con la agresividad desproporcionada de sus palabras.

La sociedad de la nieve

Año: 2007
Origen: Uruguay, Argentina, Francia
Dirección: Gonzalo Arijón
Fotografía: César Charlone y Pablo Zubizarreta
Edición: Claudio Hughes, Samuel Lajus, Alice Larry
Música: Florencia Di Concilio Perrin
Duración: 126 minutos

por Ezequiel Boetti

A la hora de analizar un documental resulta casi inevitable referirse a la construcción del relato a través de “cabezas parlantes” como un defecto. Las razones para que un personaje preste testimonio ante una cámara generalmente inerte suelen encuadrarse en dos factores: a) creativos, a la chatura de ideas de puesta en escena que implica la utilización de un recurso más asociado al vértigo televisivo, cuyo nivel de manufacturación debe ser de un documental por semana, que al de un producto proveniente de una industria donde el reloj no corre sino que trota, o b) monetarios, cuando triunfa la obligatoriedad de este recurso a raíz del presupuesto acotado con que suelen disponer las producciones latinoamericanas en general, sobre todo cuando de documentales se trata. Ese tiempo de andar cansino no se mide en horas o minutos: se mide en dólares. La sociedad de la nieve, documental sobre la  supervivencias durante setenta días de los dieciséis rugbiers uruguayos en la Cordillera de los Andes, luego de que cayera el avión que los trasladaba a Chile, encuentra en ese “defecto” su mayor virtud.

Nunca estuviste tan adorable

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Mausi Martínez
Guión: Mausi Martínez
Intérpretes: María Onetto, Mirta Busnelli, Luis Luque, Lucrecia Oviedo, Lorena Forte
Fotografía: Andrés Mazzón
Edición: Yanina Andreoli
Música: Nicolás Posse, Mono Morillo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay una escena en Nunca estuviste tan adorable que la muestra (o la expone, la deja al descubierto) en todo su cómodo cinismo y villanía disfrazada de crítica social. En la escena, la cámara sigue a Blanca (María Onetto), Rodolfo y Noelia que dan vueltas alrededor de Beba (Mirta Busnelli), a la que interrumpen en el baño justo cuando trataba de suicidarse cortándose las venas. Beba camina, borracha y perdida, más preocupada por las manchas de sangre en el baño de Blanca que por los cortes en su muñeca, y la cámara retrocede sin perderla de vista. En ese momento, verdadero quiebre en el clima amenazadoramente festivo y hasta un poco malsano que prometía estallar, la directora, que tenía la primera oportunidad de acercarse un poco a sus personajes, de atravesar esa capa de imbecilidad, ridículo y patetismo con la que los había pintado, elige extremar su mirada y opta por llevar todo hasta las últimas consecuencias: en lugar de interesarse por Beba se burla de ella y la propone, además, como blanco humorístico, la hace parecer estúpida y loca y no le da nunca una chance de mostrar otra cara, de ofrecerse con algo de dignidad.

Vil romance

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: José Celestino Campusano
Guión: José Celestino Campusano
Intérpretes: Nehuén Zapata, Oscar Génova, Marisa Pájaro, Javier De La Vega
Fotografía: Leonardo Padín
Edición: Leonardo Padín
Música: Juan Manuel Colombo
Duración: 105 minutos

por David  Obarrio

Dios bendiga ese corazoncito retorcido tuyo.
Tom Waits, Hold On

Como si quisiera decirlo todo de entrada con un solo gesto, advertir al espectador de manera definitiva acerca de la naturaleza profunda de la película que anuncia, la palabra “vil” se estampa roja y desprolija, orgullosamente a destiempo, sobre la palabra “romance” en el afiche de Vil romance. Es un agregado, esa primera palabra; un forzamiento, una verdadera intrusión que anticipa en parte el sistema de cruces que la película propone y que constituye uno de sus mayores y menos esperables regocijos. Pero no se trata solo de eso. Al tiempo que reclama de manera indeclinable para el cine la inclusión de aquello considerado bajo, degradado, inmoral, poco confiable (consultar un diccionario de sinónimos para seguir la enumeración), el director José Celestino Campusano parece además establecer un procedimiento de escritura en el que la cotidianeidad más crasa se carga imprevisiblemente de una particular densidad poética, una corriente subterránea con la que su película adquiere la consistencia de un humilde manifiesto estético.

Fantasmas de la noche

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Carlos Oves
Guión: Santiago Carlos Oves
Intérpretes: Carlos Resta, Mariana A, Enrique Liporace, Martín Slipak
Fotografía: Carlos Torlaschi
Edición: Liliana Nadal
Música: Pablo Sala
Duración: 84 minutos

por Diego Maté

Es raro ver, sobre todo en los últimos años, que el cine argentino se le anime al género del policial. Acaso esto tenga que ver con la desmantelación de los géneros que llevó adelante el Nuevo Cine Argentino, algo que ocurrió más o menos en todos los países en los que se dieron movimientos cinematográficos contemporáneos. Así pasó en Taiwán, donde en la actualidad el género brilla por su ausencia, pero no en Hong-Kong, que tiene una de las industrias populares más fuertes del planeta, pero que todavía hoy cuenta con Wong Kar-Wai como su único realizador netamente contemporáneo. De los 90 a esta parte, y de manera mucho más marcada que en los 60, el cine de género sigue asociado casi en su totalidad a la producción estadounidense, y quizás este hecho ayude a explicar el descreimiento y la sospecha con que muchas generaciones jóvenes tienden a mirar al género: como construcción artificial, falsa, transmisora de ideología y mandatos imperialistas. No importa ahora ahondar en las causas de este rechazo de los realizadores jóvenes por un cine de género, solamente baste con recordar que en la Argentina, que hasta no hace mucho contaba con una producción anual nada despreciable, podían nombrarse apenas unos pocos cultores habilidosos de los géneros, tales como Damián Sziffrón, Fabián Bielinsky o José Luis Campanella (aunque éste ya fuera del grupo de los jóvenes, al que podríamos agregar también a Adolfo Aristarain).

Todos mienten

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Matías Piñeiro
Guión: Matías Piñeiro
Intérpretes: Romina Paula, María Villar, Julia Martínez Rubio, Pilar Gamboa
Fotografía: Fernando Lockett
Edición: Delfina Castagnino
Duración: 75 minutos

por Diego Maté

El joven viejo. Tarea nada sencilla el decir algo sobre las dos películas de Matías Piñeiro. Para empezar, habría que tener en cuenta que su cine parece gravitar alrededor del engaño y las apariencias. Eso sí, que no se entienda lo de engaño desde un lugar de condena, porque los personajes de El hombre robado y Todos mienten, como rezan los títulos, roban y mienten constantemente, pero las películas nunca los condenan. Lo que hay en Piñeiro es más bien una exploración (nada moralista, y también carente de psicologismos) de esa falsedad que define a sus criaturas. Ver cómo mienten, cómo traman planes entre sí y conspiran unos contra otros, en eso pone su mirada y todo su interés un cada vez más maduro Piñeiro, y encuentra así un universo completamente nuevo donde las normas sociales y cinematográficas, por lo menos las más convencionales, se diluyen y dan paso al complejo entramado de amores y traiciones de sus películas.

El último mandado – Estreno en DVD

Año: 2007
Origen: Argentina
Dirección: Fabio Junco, Julio Midú
Guión: Fabio Junco
Intérpretes: Ellen Wolf, Lucas Midú, Carmen Drive, Silvia Mieres
Fotografía: Gabriel Perosino
Edición: Mauricio Minotti
Música: Mauro Lázzaro
Duración: 71 minutos

por Diego Maté

La película de Fabio Junco y Julio Midú, incluso siendo proyectada en DVD y en una sala de calidad media como la del complejo Tita Merello, viene a recordarnos algo que tendemos a olvidar con demasiada frecuencia, que el cine es imagen y, además, sonido. Toda El último mandado está hecha a partir de sonidos, de ruidos, golpes y gritos, que por momentos hasta parecen ofrecer más información sobre el universo de la película que las imágenes. Desde escenas que se cuentan exclusivamente a partir del audio (como cuando Lucas llega tarde y en pleno corte de luz a su casa y tiene que aguantar todo el enojo y la frustración de su madre) hasta las relaciones que se resuelven muchas veces en términos sonoros (como la de Hannah y la mujer que la ayuda en la casa, que le retruca sus abusos de poder y altanería con golpes secos de puertas y objetos que encuentra a mano), el sonido de El último mandado parece apropiarse lenta pero segura de la película hasta cobrar una importancia fundamental dentro del relato y la puesta en escena, y se vuelve un atributo central del Saladillo que recrean Junco y Midú, pobre y anacrónico, en el que la tradición nazi que sobrevive a través de Hannah como un eco distante llega hasta los oídos del desesperado de Lucas, que se deja seducir por ese canto de sirena que son los relatos y libros que ella le pone a su alcance.

El sueño del perro

Año: 2007
Origen: Argentina
Dirección: Paulo Pécora
Guión: Paulo Pécora
Intérpretes: Guillermo Angelelli, Mónica Lairana, Aldo Niebur
Fotografía: Martín Frías
Edición: Paulo Pécora, Pedro Razzari
Música: Marcelo Esquiaga
Duración: 90 minutos

por David Obarrio

El director Paulo Pécora es un caso. Con un corpus notable de cortometrajes sobre sus espaldas (que incluye videoclips para Mi tortuga Montreaux y Romina y los urbanos), estrena recién ahora y en forma restringida su película El sueño del perro, del año 2007. Desmarcado de modo notorio de las últimas tendencias del cine argentino, su trabajo se muestra venturosamente empeñado en postular las peripecias de la subjetividad como la razón de ser última de las imágenes, el punto de esencial incandescencia hacia el cual convergen decididos los vectores de eso que llamamos cine.

El hombre que corría tras el viento

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan Pablo Martínez
Guión: Juan Pablo Martínez, Ismael Serrano
Intérpretes: Ismael Serrano, Jazmín Stuart, Pasta Dioguardi, Bárbara Lombardo, Roly Serrano
Fotografía: Darío Sabina
Edición: Javier Favot
Música: Ismael Serrano
Duración: 86 minutos

por Laura Gehl

En sus conciertos, Ismael Serrano suele introducir cada canción con un breve relato; uno de ellos, La dulce Carola, es el que se adapta en El hombre que corría tras el viento, una película cruzada por un aire poético un tanto simplón, pero con buenas intenciones. Daniel (Serrano) es un tipo taciturno y tímido que se enamora de una chica desconocida a la que ve pasar siempre a la misma hora. Su mejor amigo es Luis (Dioguardi), un ciego del que el guión abusa con tantos chistes sobre la visión. La chica objeto de deseo es Carola (Stuart), linda, etérea, algo enigmática. Carola es camarera en el restaurante en el que almuerzan Daniel y Luis. Daniel, cuanto más la conoce, más se enamora, y cuanto más se enamora, más se calla. Daniel nunca le declara su amor y Carola se va a Ushuaia y Daniel la pierde, sumiéndose en una tristeza imposible, pero he aquí quizá el rasgo más interesante (a pesar de estar un poco tirado de los pelos) de esta película: mediante un giro un tanto absurdo, a Daniel se le concede la oportunidad de volver al pasado.

Cuestión de principios

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Rodrigo Grande
Guión: Rodrigo Grande, Roberto Fontanarrosa
Intérpretes: Federico Luppi, Norma Aleandro, Pablo Echarri, María Carámbula
Fotografía: Pablo Schverdfinger
Edición: César Custodio, Miguel Pérez
Música: Ruy Folguera
Duración: 109 minutos

por David Obarrio

Qué pensar de una película en la que Federico Luppi hace de caballero crepuscular y Pablo Echarri de empresario exitoso. Pese a cualquier prevención que se pueda tener, hay que decir sin embargo que nada es demasiado grave en el film de Rodrigo Grande. Después de todo, Luppi se ha constituido con un personaje similar en el verdadero centro moral de las mejores películas de Adolfo Aristarain, cuyo último y radiante avatar hasta la fecha es el robespierreano profesor de Lugares comunes, querible y odioso al mismo tiempo. Echarri por su parte, bueno, es Echarri (todo no se puede), hay que tomarlo o dejarlo, su cara se repite en estos días en el papel de joven emprendedor con mucho nervio y pocos escrúpulos. Se lo ganó al puesto. Le queda, lo hace bien. En el cuento de Roberto Fontanarrosa que sirve de plataforma a la película lo describen a su personaje como yuppie, nombre que creo que ya está en desuso y que designaba despectivamente, en la lejana Argentina de los años noventa en la que transcurría la acción, a los miembros destacados de una generación ávida de dinero y que, sobre todo, rápidamente encontraban conchavo al abrigo de las aluvionales privatizaciones de entonces.

Homero Manzi, un poeta en la tormenta

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: Eduardo Spagnuolo
Guión: Eduardo Spagnuolo
Intérpretes: Carlos Portaluppi, Angélica Torres, Martín Slipak, Luciano Acosta
Fotografía: Mauricio Riccio
Edición: Daniel Galasse
Música: Erica Di Salvo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay algo fuera de lo común en Homero Manzi, un poeta en la tormenta: una cierta ambición de borde que le confiere a la película un aire de dignidad que la sostiene incluso en sus peores momentos (que son muchos). Hay actuaciones malísimas (fuera de tono, teatrales en el peor sentido), referencias políticas y sociales de trazo grosísimo, escenas que cruzan en más de una ocasión el límite de lo grasa y berreta (ver el juego con las curvas blancas, que parecen evocar una especie de fileteado –eterno símbolo pintoresco de lo tanguero- simplón y despojado, o el baile de la chica ensabanada); a pesar de todo esto, la sensación es que Spagnuolo se está arriesgando a contar algo de manera distinta, peleándose con el documental y la ficción por igual, intentando encontrar un registro que los una pero que a la vez no sea una simple cruza de ambos, casi como tratando de inventar una especie de pólvora cinematográfica (Spagnuolo fue el guionista de Haroldo Conti, homo viator, en la que también se ensayaba una mixtura entre documental y ficción, aunque de manera mucho más tradicional y bastante poco feliz).

El vestido

Año: 2008
Origen: Argentina, España
Dirección: Paula de Luque
Guión: Paula de Luque, Pablo Fidalgo
Intérpretes: Antonella Costa, Eduard Fernández, Guillermo Pfening, Paloma Coscia
Fotografía: Alejandra Martín
Edición: Alberto Ponce
Música: Diego Frenkel, Roi Gil
Duración: 96 minutos

por Diego Maté

Hay una idea muy recurrente en la crítica de cine que suele ser bastante poco precisa y que a veces funciona casi como si fuera un comodín (porque se adapta a un sinfín de situaciones distintas -de ahí, también, su imprecisión). Que a una película se la tilde de “pretenciosa” es algo que se puede leer seguido en crítica, especialmente en la de diarios. La noción por lo general remite a una cierta visión despectiva de lo sobrecargado, de denuncia de alguna suerte de aspiración moral que raya en la pedantería, y también puede hacer alusión a la presencia de ciertos de temas tratados de manera solemne. El problema surge cuando el término se usa sin dar demasiada cuenta de su inclusión, como si “lo pretencioso” fuera un código que el crítico y el lector comparten de antemano y que no necesita explicación. Y es que muchas veces no vendría mal una definición más o menos clara, porque con el tiempo el concepto designa ya demasiadas cosas y su uso extendido, muchas veces (como decía antes), es el de comodín: frente a cualquier película que descoloca, que se atreve a proponer alguna clase de registro distinto (siempre cerca de lo excesivo y sobrecargado, sí), el crítico la despacha cómodamente bajo el estigma de ser “pretenciosa” y cancela la posibilidad de encontrar algo nuevo, de sorprenderse.

Tierra sublevada: oro impuro

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Fernando Solanas
Guión: Fernando Solanas
Fotografía: Fernando Solanas, Rino Pravato y Mauricio Minotti
Edición: Fernando Solanas y Alberto Ponce
Música: Mauro Lazzaro
Duración: 88 minutos

por Diego Maté

A las últimas películas de Pino Solanas, incluida Tierra sublevada: oro impuro, se les pueden hacer algunos cuestionamientos, como el manejo a veces poco preciso de los números, las generalizaciones demasiado forzadas o la tendencia del cineasta a tensar fibras sensibles bastante primarias. Pero hay un problema que asoma película tras película, y que debería ser el punto sobre el cual pensar y reflexionar acerca del último cine del director: para Solanas la culpa de los males que aquejan a la Argentina la tienen el Estado, los políticos y los poderes extranjeros, y la población es siempre víctima de la corrupción y la toma de decisiones equivocadas. Esta reducción un tanto grosera deja ver dos cosas. Primero, que los gobiernos parecieran surgir en el aire y no ser fruto del voto popular. En este sentido, Menem es una de las figuras políticas más recurrentes en las películas de director, al que el cineasta señala como el artífice de casi todos los problemas vividos por el país en los últimos veinte años. Y si bien es difícil no coincidir con lo que dice Solanas sobre los 90, su argumentación pierde peso por el hecho de obviar sistemáticamente que Menem ganó dos elecciones (tres, se podría decir). El cineasta nunca se pregunta por la responsabilidad de la gente en el devenir histórico argentino, y esto resulta en una victimización simplona del pueblo y en un tratamiento demagógico: a las masas populares se les terminan adjudicando los derechos y los reclamos pero nunca las obligaciones ni las culpas.

Las viudas de los jueves

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Marcelo Piñeyro
Guión: Marcelo Piñeyro, Marcelo Figueras
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Gabriela Toscano, Pablo Echarri, Ana Celentano, Juan Diego Botto, Juana Viale, Ernesto Alterio, Gloria Carrá
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Juan Carlos Macías
Música: Roque Baños
Duración: 121 minutos

por Laura Gehl

Las viudas de los jueves, la novela de Claudia Piñeiro, es entretenida, de fácil y de ágil lectura, pero de poca profundidad en varios aspectos. Un supuesto accidente –tres hombres aparecen ahogados en una piscina– es el disparador para presentar personajes y situaciones; es desencadenante, pero no importante. La vida en el country Altos de la Cascada (centrada durante unos meses antes de la debacle del 2001) es lo substancial, y justamente por eso se desmenuza prolijamente. Si algo tiene de interesante la novela es precisamente esa descripción que se hace de cada uno de los aspectos de la vida en común que tienen las familias que viven allí, y cómo se va haciendo palpable la decadencia económica y moral en la que se ven inmersos. Todas las particularidades de los Altos y su gente son narradas en general por medio de Mavi, antigua habitante del country y personaje en quien está puesta la empatía de la escritora, y se narran a través de hechos puntuales protagonizados por varias de las numerosas familias que lo habitan: un cambio de césped en invierno, la compra de un perro, la adopción de dos niños, entre otros, dejan entrever la crítica posible a ese estilo de vida absurdo e irreal. El problema reside en que ésto se da de manera demasiado obvia y superficial. Se traslada a la escritura el vacío de lo narrado.

Anita

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Marcos Carnevale
Guión: Marcos Carnevale, Marcela Guerty, Lily Ann Martin
Intérpretes: Alejandra Manzo, Luis Luque, Leonor Manso, Peto Menahem, Norma Aleandro
Fotografía: Guillermo Zappino
Edición: Pablo Barbieri Carrera
Música: Lito Vitale
Duración: 104 minutos

por Diego Maté

Que Anita podría haber sido peor. Que a pesar de servirse de fórmulas televisivas y efectistas, también podría haber abusado un poco más de la banda sonora, o haber buscado más el golpe bajo. Que podría haber victimizado todavía más a su protagonista, incluso después de someterla a esa larga deriva cruel y calculada con la falsa promesa del retorno de la madre, muerta desde el principio en el atentado a la AMIA. Eso, también. Que podría haberse discurseado con mayor solemnidad sobre el hecho, acaso intentando generar en el público esa emoción visceral y acrítica que producen los “grandes temas”. Ah, otra cosa. Que Anita podría aparecer llorando, o repartiendo pequeñas lecciones de vida a los personajes con los que se cruza. Que Anita podría morir (no se muere, con esto no adelanto nada), aunque para contar eso seguramente haría falta mucho coraje, cinematográfico y también político, algo que la película de Marcos Carnevale no tiene en absoluto. Y es que, lamentablemente, a algunas películas como Anita hay que empezar a pensarlas de manera negativa, dando cuenta de todo lo que no son y podrían haber sido. Que Anita podría haber sido una película ofensiva, deleznable, una lisa y llana hijaputez, mucho peor de lo que es en realidad; pero eso no alcanza para justificarla, o para dejarla pasar como si nada.

El secreto de sus ojos

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan José Campanella
Guión: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri
Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Guillermo Francella, Javier Godino, José Luis Gioia
Fotografía: Félix Monti
Edición: Juan José Campanella
Música: Federico Jusid, Emilio Kauderer
Duración: 127 minutos

por Diego Maté

Libertades de un autor. Incluso en sus peores momentos, el cine de Campanella se distinguía por su calidad técnica y cuidada puesta en escena. Fuera de Fabián Bielinsky y Damián Sziffrón, pocos cineastas argentinos recientes dieron muestras de un manejo tan elaborado del lenguaje cinematográfico. Pero si visualmente sus películas eran impecables, en los guiones asomaban problemas que empañaban todo el producto. El director, coautor de sus guiones junto a Fernando Castets, solía apelar a un sentimentalismo y una nostalgia muy groseros que acababan por desplegar una visión del mundo chata, sin matices y rayando en reaccionaria. Sus personajes principales muchas veces eran presentados como víctimas de las circunstancias a los que no se les exigía demasiada responsabilidad por sus actos, y los culpables del fracaso eran por lo general ventajeros e inmorales hombres de negocios. Así, uno de los grandes temas del cine de Campanella era, justamente, la imposibilidad de vivir en el presente, que empujaba a sus personajes a sumirse en la añoranza de una época donde todavía se podía ser feliz.

Mentiras piadosas

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Diego Sabanés
Guión: Diego Sabanés
Intérpretes: Marilú Marini, Claudio Tolcachir, Paula Ransenberg, Walter Quiroz, Víctor Laplace y Lydia Lamaison
Fotografía: Julián Elizalde
Edición: Alberto Ponce
Música: Rudy Gnutti
Duración: 100 minutos

por Aníbal Perotti

Manuel Antín fue el más fiel y consecuente (y también el primero) de los grandes directores que llevaron la obra de Cortazar a la pantalla grande en la década del 60. Antín, acusado en su época de hermético y formalista, toma el cuento Cartas de mamá para realizar La cifra impar, una película emblemática que consigue crear una forma cinematográfica capaz de transmitir el clima y las rupturas temporales del texto literario. El director estructura el relato a través de la memoria y utiliza el tiempo como elemento subjetivo, moviéndose constantemente entre pasado y presente, Buenos Aires y París, los muertos y los vivos, lo real y lo imaginado. Luego vinieron otras adaptaciones de Antín (Circe e Intimidad en los parques) y Osías Wilenski (El perseguidor) en Argentina y, en sintonía con el creciente reconocimiento internacional del escritor, Michelangelo Antonioni (Blow up) y Jean-Luc Godard (Week end) en el plano internacional. Directores modernos adaptando a un autor moderno. Cuatro décadas más tarde, Diego Sabanés (director egresado de la universidad del cine que comanda Manuel Antín) vuelve a abrir el círculo, utilizando el cuento La salud de los enfermos para su opera prima Mentiras piadosas.

Felicitas

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Teresa Costantini
Guión: Sabrina Farji, Graciela Maglie, Félix Quadros, María Teresa Correa Avila
Intérpretes: Sabrina Garciarena, Gonzalo Heredia, Antonella Costa
Fotografía: Lula Carvalho
Edición: Laura Bua
Música: Nico Muhly
Duración: 125 minutos

por Ezequiel Boetti

Atención: se revela el final de la película

Felicitas se muere. Sí, rompí una de las máximas premisas de la encíclica del espectador cinematográfico y revelé el final de la película. Pero quédese tranquilo estimado lector, ya que no hay nada demasiado sorprendente en ese trágico desenlace. Mas allá de la previsibilidad argumental que resulta el deceso de la protagonista en ésta, una proto-historia épica-romántica sobre amores no correspondidos, se sabe que Felicia Antonia Guadalupe Guerrero y Cueto, Felicitas, fue asesinada por su amante, hombre morrudo y de armas tomar que, celoso de que ésta eligiera los brazos de un joven acaudalado para mitigar el dolor de su reciente viudez, le dispara un tiro en el omóplato izquierdo, hiriéndola de muerte. Ante el conocimiento del desenlace, Felicitas es entonces una historia donde importa más cómo se muestra el recorrido de los seres que la habitan que sus destinos; es una película de medio y no de fin: el atractivo está en la exploración e interpretación de los motivos a veces inescrutables del corazón para perpetrar un asesinato y no en el asesinato en sí o en la suerte (previamente conocida) de los protagonistas.

Imagen final

Año: 2008
Origen: Argentina, Suecia, Dinamarca, Chile
Dirección: Andrés Habegger
Guión: Andrés Habegger
Fotografía: Göran Gester
Edición: Jesper Osmund
Música: Pedro Onetto
Duración: 94 minutos

por Diego Maté

La imagen final que da nombre al último trabajo de Andrés Habegger es una muy conocida: un plano muestra a muchos chicos corriendo hacia un costado de la cámara (están escapando de algo), enseguida aparece en escena un camión militar con soldados, hay uno de mayor rango que reparte órdenes y amenaza a algunas personas. Ése mismo, de manera inesperada, se da vuelta y le dispara a la cámara; hay un temblor, pero la filmación continúa. Hasta que unos de los soldados que siguen arriba del camión apuntan a la cámara y uno de ellos también dispara; la cámara tiembla de nuevo pero esta vez cae al piso, y la película se acaba. El camarógrafo era el argentino Leonardo Henricksen, que se encontraba en Santiago cubriendo para la televisión sueca lo que iba a ser el primer alzamiento militar contra el gobierno de Salvador Allende. La grabación de Henricksen es hoy signo de toda una época, una de esas imágenes que expresan de manera compleja una enorme cantidad de temas y conflictos representativos de un período político y social. La filmación recorre el mundo en poco tiempo y se constituye como uno de los documentos periodísticos más reveladores del estado de cosas en América Latina. Aunque en la difusión extensa y rápida de la grabación también influye el destino del autor de las imágenes: herido de muerte, Henricksen fallece poco después, y el crimen queda impune.

Papá por un día

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Raúl Rodríguez Peila
Guión: Jorge Maestro
Intérpretes: Nicolás Cabré, Luisana Lopilato, Gimena Accardi, Julieta Poggio, Miguel Ángel Rodríguez, Patricia Sosa, Boy Olmi
Fotografía: Rolo Pulpeiro
Montaje: Pablo Barbieri
Música: Claudio Waisgluss
Duración: 103 minutos

por Laura Gehl

Entre Disney y Cris Morena. A ver, vamos a ir por partes: Papá por un día es muy mala, pero no tan mala como yo pensaba que iba a ser antes de verla, y reconozco que incluso se me hizo bastante llevadera, que no fueron tantas las veces que revoleé los ojos y bufé por lo que estaba viendo. La película no es demasiado entretenida, no es graciosa, y es previsible y tonta, pero está hecha prolija y dignamente (cosa que no se puede decir de la anterior del director: Peligrosa obsesión). Sus principales problemas no están (no de manera grosera al menos) en su factura técnica sino en la narración, en lo que se cuenta y cómo se lo cuenta. Fede (Cabré) es un joven entrenador de hockey femenino, tiene gesto adusto y aspecto de garca, maneja un Mini Cooper, se viste como si fuera una cruza entre Luciano Miguens y Macri, y además está comprometido con la capitana del equipo (Accardi), quien es a su vez la malcriada y concheta hija del dueño del club (de exclusivo nombre inglés) que por supuesto también está forrado en guita (pero mucho más que Fede, obvio). Si en este punto de la trama apareciera una mucama embarazada del niño bien, no sería otra cosa que un exponente más de aquellas típicas telenovelas venezolanas de los ochentas, pero a falta de mucama aparece una nena, Tiny.