Mi Führer (Mein Führer – Die wirklich wahrste Wahrheit über Adolf Hitler)

Año: 2007
Origen: Alemania
Dirección: Dani Levy
Guión: Dani Levy
Intérpretes: Helge Schneider, Ulrich Mühe, Sylvester Groth, Stefan Kurt, Adriana Altaras
Fotografía: Carl-F Koschnick
Edición: Peter R. Adam
Música: Niki Reiser
Duración: 95 minutos

por Laura Gehl

Vi Mi Führer el año pasado durante el Festival de Cine Alemán en una sala llena. La gente se reía, claro que no toda, pero se reía mucho. Yo, por el contrario, estuve invadida por la incomodidad los 95 minutos que duró la película, preguntándome qué carajo les causaba gracia. El argumento me resultaba (resulta) un tanto sobrecogedor: Hitler está perdiendo su poder de oratoria, su autoestima y su carisma ante la masa hacia fines de la guerra y Goebbels decide contratar al mejor actor de Alemania para que le dé clases de actuación, para que lo ayude. El detalle es que el mejor actor de Alemania es judío y se encuentra prisionero en un campo de concentración. Desde allí lo sacan junto con toda su familia con el objetivo de “darle una mano” al Führer con sus discursos. Como dije, no puedo evitar pensar que todo este planteo es bastante terrible.

Entre nosotros (Alle Anderen)

Año: 2009
Origen: Alemania
Dirección: Maren Ade
Guión: Maren Ade
Intérpretes: Birgit Minichmayr, Lars Eidinger, Nicole Marischka, Hans-Jochen Wagner y Paula Hartmann
Fotografía: Bernhard Keller
Edición: Heike Parplies
Música: Florian Beck
Duración: 88 minutos

por Aníbal Perotti

El estado de excitación permanente que provoca el Bafici hace que uno pase fácilmente de la euforia a la irritación. Entre nosotros iba a ser mi última película de un día típico de festival, pero hubo un problema técnico a mitad de la proyección en el Atlas Santa Fé y, luego de varios minutos de espera, anunciaron que la función continuaría media hora más tarde. Yo estaba cansado, desconfiaba de la media hora, y la película, luego de un comienzo prometedor, me resultaba a esa altura demasiado conversada. Decidí entonces abandonar la sala y reponer energías para el día siguiente. Al final, Maren Ade ganó el premio a la mejor dirección en el festival y la película se acaba de estrenar comercialmente en 35mm, refutando aquella máxima que dice que las películas que se exhiben en el Bafici nunca se estrenan o, con suerte, salen en DVD. Luego de una segunda visión (la primera completa), lo primero que hay que admitir es que estamos ante una directora consciente de la historia del cine y de su lugar como realizadora contemporánea. Maren Ade retrata con extrema sensibilidad las grietas de una pareja en descomposición sin cargar demasiado las tintas ni condenar a sus personajes. La película trasmite el desamparo emocional de una generación apoyándose en un medio tono amable y ambiguo.

Las flores del cerezo (Kirschblüten-Hanami)

Año: 2008
Origen: Alemania, Francia
Dirección: Doris Dörrie
Guión: Doris Dörrie
Intérpretes: Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Brückner
Fotografía: Hanno Lentz
Edición: Frank C. Müller, Inez Regnier
Música: Claus Bantzer
Duración: 127 minutos

por Aníbal Perotti

“El personaje se ha transformado en una suerte de espectador. Por más que se mueva, corra y se agite, la situación en que se encuentra desborda por todas partes su capacidad motriz”.
La imagen tiempo, Gilles Deleuze

El cine de Doris Dörrie retrata historias de gente común que vive un presente determinado por las oportunidades perdidas, sus personajes se encuentran por lo general sin respuesta ni posibilidad de acción ante una realidad social marcada por la fragmentación y el desencanto. El tono de comedia de sus primeras películas le permitió acceder a un núcleo vedado por la sociedad alemana y hablar de las carencias encubiertas por el bienestar económico, siempre con una aparente liviandad que se convertiría con el tiempo en su marca de fábrica. Su mayor éxito en nuestro país se produjo hace algo más de diez años, cuando Nadie me quiere estuvo en cartel más de seis meses a sala llena en el cine Cosmos. Poco tiempo después, la directora vino a presentar ¿Soy linda? al primer festival de cine alemán en el Lorca. Una vez finalizada la  proyección, Dörrie se prestó a un amable diálogo con los espectadores y confesó, de muy buen humor, que nunca había estado en un cine tan largo.

La huérfana (Orphan)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Canadá, Alemania, Francia
Dirección: Jaume Collet-Serra
Guión: David Johnson
Intérpretes: Isabelle Fuhrman, Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, Aryana Engineer
Fotografía: Jeff Cutter
Edición: Timothy Alverson
Música: John Ottman
Duración: 123 minutos

por Laura Gehl

Tengo una limitación gravísima: no puedo ver películas de terror. Es una limitación que me frustra, que pega certera en el corazón de mi cinefilia, en el intento de ver todo lo que pueda. El género completo queda afuera, no tengo distinciones, películas de fantasmas, zombies, hombres-cualquier cosa, gore, paranormales: las que sean, ustedes nómbrenlas que yo les temeré. Soy miedosa, me dan miedo un montón de cosas, en general muy pavotas: las imágenes religiosas (en especial las correspondientes al catolicismo, como las monjas o los crucifijos), los cementerios, los monstruos (su representación cinematográfica, porque hasta ahora nunca vi uno) y las chicas que flotan en camisón (entre varias cosas más).

IX Festival de Cine Alemán

.

por Laura Gehl

Este miércoles 16 finalizó la IX edición del Festival de Cine Alemán, organizado por German Films Service + Marketing Gmbh y con la colaboración de la Embajada de la República Federal de Alemania. Con la proyección de once largometrajes y doce cortos, el festival, más que festival, es una muestra, una suerte de catálogo audiovisual para que las distribuidoras vean qué películas pueden captar la atención del público lo suficiente como para ser exhibidas comercialmente –en general, un año después–; ejemplos de esto pueden ser: La caída, La vida de los otros, Los educadores, Los falsificadores o las más recientes La Ola y Las flores del cerezo, entre otras tantas. Por eso el festival no tiene premios ni jurados, pero sí voto del público, y ahí es donde, en realidad, se plantea quizá un inconveniente, o al menos un dato curioso: a quiénes es que está destinada esta muestra.

Bastardos sin gloria (Inglourious Basterds)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Intérpretes: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Cristoph Waltz, Eli Roth, Daniel Brühl, Diane Kruger
Fotografía: Robert Richardson
Edición: Sally Menke
Duración: 153 minutos

por Diego Maté

La gran ilusión. Se dijo hasta el cansancio que el cine de Quentin Tarantino hablaba más de imágenes que de las cosas del mundo. Eso no implica, al menos en un principio, un juicio de valor: a su manera, también las películas Brian De Palma o Guy Maddin se construyen más a partir del trabajo sobre otras imágenes que de la observación de la realidad. Pero el cine de Tarantino tenía algunos problemas: el gusto por la cita, en especial por la referencia cinéfila de culto (que no culta); el regodeo sobre estéticas y signos de época (la música, entre ellos); el interés que se dirigía más a escenas y hechos concretos que a los personajes y la historia. Todos estos elementos configuraban un cine que muchas veces se agotaba en el mero homenaje, en el despliegue vacío de una serie de pintorescas marcas de pertenencia. Tarantino era como un coleccionista, de esos que compran discos o muñequitos para exhibirlos sin sacarlos de la caja.

La ola (Die Welle)

Año: 2008
Origen: Alemania
Dirección: Dennis Gansel
Guión: Dennis Gansel
Intérpretes: Jürgen Vogel, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul
Fotografía: Torsten Breuer
Edición: Ueli Christen
Música: Heiko Maile
Duración: 107 minutos

por Laura Gehl

En abril de 1967, Ron Jones, un profesor de historia contemporánea de un colegio secundario en Palo Alto, California, se encontraba dando una clase sobre la Alemania Nazi. Los alumnos, escépticos, le preguntaron: ¿cómo es posible que el pueblo alemán alegara que no sabía lo que ocurría con los judíos?, ¿cómo puede ser que los ciudadanos comunes no supieran de la existencia de los campos de concentración y exterminio? Jones no tenía la respuesta a esas preguntas, y entonces, decidió hacer un breve experimento. Durante toda una semana de clases, Jones les enseñaría historia a sus alumnos de manera diferente, con mayor disciplina, con reglas que cumplir, tanto dentro como fuera del aula. Tanta fue la sorpresa del propio Jones ante la respuesta de los alumnos, originalmente abúlicos e invisibles, que día a día fue subiendo la apuesta en su experimento, asignándoles distintos roles dentro de la comunidad, dándoles credenciales “de socio” y hasta inventando un logo y un saludo que los distinguiera del resto: eran “La Tercera Ola”. En apenas tres días, su clase había pasado de tener treinta alumnos a tener ochenta, y hasta el director del colegio saludaba de esa manera. La preocupación y el asombro de Jones fueron in crescendo y tuvieron su punto cúlmine cuando el padre de un alumno, ex soldado de guerra, destrozó el aula. A Jones, el experimento se le había ido de las manos, a los alumnos también.

Hace mucho tiempo que te quiero (Il y a longtemps que je t`aime)

Año: 2008
Origen: Francia, Alemania
Dirección: Philippe Claudel
Guión: Philippe Claudel
Intérpretes: Kristin Scott Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius
Fotografía: Jérôme Alméras
Edición: Virginie Bruant
Música: Jean Louis Aubert
Duración: 116 minutos

por Diego Maté

Hay momentos en los que la película de Claudel no está tan mal, como cuando se muestra la rutina cotidiana de la familia de Léa, los silencios del abuelo, un par de recorridos breves por las calles de París y algún que otro encuentro en un café de la ciudad. Pero al director le cuesta mucho contar sin subrayar, y entonces pasada la primera media hora (un comienzo más o menos prometedor), Hace mucho tiempo que te quiero deviene una seguidilla de escenas gruesas y burdas que se disparan una tras otra, sin descanso. Desde las charlas que tiene Juliette con el melancólico me-pego-un-tiro-dentro-de-cinco-minutos capitán Fauré hasta una discusión pedante y de corte intelectualoide sobre la importancia de Rohmer (encima la discusión la propone un personaje sumamente desagradable), pasando por un estallido emocional de Léa en su clase de literatura cuando habla sobre Dostoievski (momento que indigna por la mala actuación de Elsa Zylberstein) o el enojo del esposo de Léa, Luc, al saber que sus hijas están solas con Juliette. Nada resulta creíble con semejantes actuaciones, y lo peor es que Claudel, escritor y guionista que hace su primera incursión como realizador, además de un pésimo director de actores, es un pésimo director a secas.

Código de familia (Pride and Glory)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: Gavin O`Connor
Guión: Gavin O`Connor, Joe Carnahan
Intérpretes: Edward Norton, Colin Farrell, Jon Voight, Noah Emmerich, John Ortiz
Fotografía: Delcan Quinn
Edición: Lisa Zeno
Música: Mark Isham
Duración: 128 minutos

por Diego Maté

Cuando se trabaja con un género ya afianzado y cristalizado en sus reglas y convenciones (como el policial) solamente quedan dos cosas por hacer: o tratar de subvertir las convenciones en busca de una visión crítica del género, o bien plegarse de lleno a esas leyes y seguirlas al pie de la letra. Las medias tintas, en estos casos, no sirven de mucho. Del primer caso podemos nombrar la surcoreana Memories of Murder, o la cruza entre policial y terror de factura ochentosa Dead Heat. En ambos casos el género es un medio, apenas un lugar de paso, donde lo que importa no es la lectura genérica sino la manera en que se esquivan las reglas y se pone en práctica una determinada visión del mundo (ya sea una crítica a la policía y sociedad surcoreana  o una revisión en clave celebratoria del cine de terror de los 60). Del segundo caso puede mencionarse Fuego contra fuego del tecnócrata Michael Mann o Los intocables, en las que más allá de las preocupaciones morales y estéticas de cada director, el género nunca deja de tener un peso propio y da cuenta de una realización lúcida, precisa, claramente llevada a cabo por y para degustadores del género.

Terminator: la salvación (Terminator Salvation)

Origen: Estados Unidos, Alemania, Gran Bretaña, Italia
Año: 2009
Dirección: McG
Guion: John D. Brancato, Michael Ferris
Intérpretes: Christian Bale, Sam Worthington, Anton Yelchin, Moon Bloodgood, Helena Bonham Carter
Fotografía: Shane Hurbult
Música: Danny Elfman
Edición: Conrad Buff IV
Duración: 115 minutos

por Laura Gehl

Come with me if you want to live. El mercado de las sagas es una unidad aparte en la materia “cine industrial”. Se supone (o mejor dicho, Hollywood supone) que con la sola mención en el título de aquella película exitosa, que fuera el origen de varios capítulos por venir, ya hay un nicho asegurado de espectadores. Y probablemente sea así. Pero eso, definitivamente, no alcanza. No les alcanzó a las últimas entregas de Indiana Jones, Wolverine (de X-men), Star Wars, El hombre araña o Superman, por citar solo algunos ejemplos. Lo mismo ocurre con Terminator: la salvación.

La sangre brota

Año: 2007
Origen: Argentina, Francia, Alemania
Dirección: Pablo Fendrik
Guión: Pablo Fendrik
Intérpretes: Arturo Goetz, Nahuel Pérez Biscayart, Guillermo Arengo, Nahuel Viale
Fotografía: Julián Apezteguía
Edición: Leandro Aste
Música: Juan Ignacio Bouscayrol
Duración: 88 minutos

por Aníbal Perotti

El azar de la distribución cinematográfica en Argentina dictaminó que se estrenen comercialmente con un mes de diferencia las dos películas que realizó hasta el momento Pablo Fendrik. El asaltante fue un auspicioso debut en el que se destacaban una puesta en escena austera, un guión conciso y seductor, la precisión del director (sorprendente por tratarse de una opera prima) y la gran actuación de su protagonista excluyente, Arturo Goetz. Por desgracia, la enorme figura de Goetz es lo único que permanece inalterable en La sangre brota. La segunda película de Fendrik no encuentra nunca su tono justo, cambia el registro casi documental de su predecesora por una caricatura constante que no escatima el trazo grueso cuando se trata de describir el desamparo de sus criaturas. Los personajes son espectros que yerran sin objetivo ni gracia en medio de una negrura más social que policial.  Las imágenes mórbidas apoyan la metáfora mientras la cámara en mano registra la degradación de dos hombres, de su familia, de la sociedad y (como se trata de una película “ambiciosa”) de toda la humanidad.

El lector (The Reader)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: Stephen Daldry
Guión: David Hare
Intérpretes: Kate Winslet, David Kross, Ralph Fiennes, Bruno Ganz
Fotografía: Roger Deakins, Chris Menges
Edición: Claire Simpson
Música: Nico Muhly
Duración: 124 minutos

por Laura Gehl

Hay quienes dicen que El lector (el libro de Bernhard Schlink) está muy bien. Que está buenísimo, proclaman los más entusiastas. Esos mismos dicen que El lector (la película), por el contrario, es un desastre, un bodrio, que mejor apoltronarse con la novela bajo el brazo. Hay quienes dicen también (los más exigentes) que las dos cosas son horribles. Y además hay quienes vieron la película y afirman que ni por asomo se someten a la lectura del libro. Entre estos últimos estoy yo.

La Tierra (Earth)

Año: 2007
Origen: Gran Bretaña, Alemania, Estados Unidos
Dirección: Alastair Fothergill, Mark Linfield
Guión: Alastair Fothergill, Mark Linfield
Fotografía: Richard Brooks Burton, Mike Holding, Andrew Shillabeer
Edición: Martin Elbsbury, Vartan Nazarian
Música: George Fenton
Duración: 96 minutos

por Laura Gehl

Con el documental La Tierra hizo su presentación en sociedad la compañía distribuidora Disneynature, subsidiaria de Disney (claro) y que pondrá su atención en la ecología. En nuestro país la película se estrena con dos años de retraso y un aparato publicitario monstruoso, a propósito de la conmemoración del “Día de la Tierra”. Pero La Tierra es un documental tramposo.

Batalla en el cielo

Año: 2005
Origen: Alemania, Francia, Bélgica, Méxica
Dirección: Carlos Reygadas
Guión: Carlos Reygadas
Intérpretes: Marcos Hernández, Anapola Mushkadiz, Bertha Ruiz
Fotografía: Diego Martínez Vignatti
Edición: Adoración Elipe, Benjamin Mirguet, Carlos Reygadas, Nicolás Schmerkin
Duración: 98 minutos

por Aníbal Perotti

La imagen inicial de Batalla en el cielo es el primer plano de un rostro de rasgos indígenas y piel morena, con la mirada perdida hacia el frente. La cámara desciende lentamente por su cuerpo obeso, que permanece de pie, con los brazos flojos hacia los costados. Un leve desplazamiento revela el pubis oculto tras unas trenzas rubias, que corresponden a la blancura y la juventud de otra carne. Estamos ante la poderosa escena que provocó tanto escándalo en la presentación oficial de la película en el Festival de Cannes, hace ya cuatro años. Con una parsimonia y docilidad infinitas se manifiesta, como una efusión dolorosa, el goce sensual de la guerra y la utopía de la reconciliación. La música sacra, el contraste de las pieles, la dulzura envolvente del movimiento, y el sufrimiento extático de una lágrima que fluye, sugieren el estado de un mundo preso de la desigualdad de origen. Más allá de cierto efectismo por la cuestión sexual, estas primeras imágenes desconciertan porque van contra las convenciones del modelo de representación establecido y provocan una sensación de incomodidad que permanece durante todo el relato, a fuerza de largos planos secuencia con personajes extáticos o mediante el trabajo experimental sobre la banda de sonido.

Duplicidad (Duplicity)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: Tony Gilroy
Guión: Tony Gilroy
Intérpretes: Clive Owen, Julia Roberts, Tom Wilkinson, Paul Giamatti, Lisa Roberts
Fotografía: Robert Elswit
Edición: John Gilroy
Música: James Newton Howard
Duración: 125 minutos

por David Obarrio

La brillante y extensa superficie de Duplicidad se revela, en un giro inesperado para el espectador que se queda rumiando la película en su casa, como un mero envoltorio, una cáscara desoladoramente hueca cuyas asperezas varias permanecían disimuladas bajo una apariencia de sofisticación. No sería la primera vez que ocurre. Y además se me podrá decir con cierto cinismo que es a todas luces inútil reclamarle al olmo que nos entregue peras. Pero lo que pasa es que la película de Tony Gilroy sí promete algo que no da, al menos en principio.

Nunca es tarde para amar (Wolke 9)

Año: 2008
Origen: Alemania
Dirección: Andreas Dresen
Guión: Andreas Dresen, Jörg Hauschild, Laila Stieler, Conny Ziesche.
Intérpretes: Ursula Werner, Horst Rehberg, Horst Westphal, Steffi Kühnert.
Fotografía: Michael Hammon
Edición: Jörg Hauschild
Duración: 95 minutos

por Ezequiel Boetti

Para darme aires de animador jocoso y simpático, voy a comenzar esta crítica reflotando el espíritu lúdico del lector proponiéndole un juego. El desafío consiste en que imagine una película que narre las relaciones amorosas y pasiones de la tercera edad como un cuentito idealizado en el que la única forma de demostrar el cariño, la ternura y el respeto en la pareja sean con simples caricias o fríos roces de labios, donde después de las seis décadas no haya lugar para el sexo y los placeres carnales sino para la mera compañía que durará hasta que la muerte los separe. Un mundo de encuadres perfectos, de puestas en escenas majestuosas con colores chillones típicos del qualite europeo que permitan el lucimiento de la dama, esbelta y radiante, y del caballero, firme y señorial. Para ambos, la grasa abdominal y la flacidez de las carnes es sólo una quimera. Contémplelos. Están viviendo el ocaso de la vida con la jubilosa e inmaculada sensación de que han hecho de este mundo un lugar mejor. Ahora sienta la música de fondo, los suaves violines que invitan a presuponer un final feliz y a creer que existe un mas allá donde los protagonistas serán felices por los siglos de los siglos; pretenda que son que auténticas las frases trilladas y cursis que escupen los ancianos protagonistas mientras los invade la emoción y las lágrimas chorrean a borbotones. Siéntase dentro de ese pastiche ¿Lo logró? Perfecto, ahora imagine una película diametralmente opuesta a esa y tendrá como resultado a Nunca es tarde para amar.

Al otro lado (Auf der anderen Seite)

Año: 2007
Origen: Alemania, Turquía
Dirección: Fatih Akin
Guión: Fatih Akin
Intérpretes: Nurgül Yesilçay, Hanna Schygulla, Patrycia Ziolkowska
Fotografía: Rainer Klausman
Edición: Andrew Bird
Música: Shantel
Duración: 120 minutos

por Aníbal Perotti

Para demostrar que Fatih Akin es uno de los grandes directores contemporáneos alcanza con la primera escena de Al otro lado, su última película. Un joven llega a una estación de servicio en alguna parte a Turquía, pide un sándwich, escucha la canción que está sonando y pregunta quién es el que canta. El sol pega de lleno sobre el escaparate y la luz que irradia satura la imagen provocando una especie de ensoñación. En esta serena y enigmática secuencia (que comprenderemos más tarde) el director captura algo del aire del lugar, del apaciguamiento, la indolencia y el sabor de la región. Es uno de esos raros momentos en los cuales podemos compartir el placer del realizador, breves instantes de auténtica felicidad en los que poco importa lo que la película quiere decir o comprobar.

Simplemente no te quiere (He’s Just Not That Into You)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Alemania, Holanda
Dirección: Ken Kwapis
Guión: Abby Kohn, Marc Silverstein
Intérpretes: Ginnifer Goodwin, Scarlet Johansson, Jennifer Aniston, Jennifer Connelly, Drew Barrymore, Justin Long
Fotografía: John Bailey
Edición: Cara Silverman
Música: Cliff Eidelman
Duración: 129 minutos

por Laura Gehl

En el episodio Pick a Little, Talk a Little de la sexta temporada de Sex & the city, el personaje de Miranda (Cinthia Nixon) descubría algo así como una verdad revelada: si un hombre no te llama después de la primera cita no es por nada en especial, es que simplemente no le gustás tanto (o en inglés: he’s just not that into you). Esa frase tan obvia se presentaba como el descubrimiento de la cura de alguna enfermedad letal, a tal punto que al poco tiempo devino en libro de autoayuda escrito por Gren Behrendt y Liz Tuccillo: He’s Just Not That Into You: the No-excuses, Truth to Understanding Guys, un largo título para explicarnos lo que la humanidad entera no ha podido en siglos: cómo entender a los hombres. Por supuesto el dichoso librito se convirtió en best-seller, y como todo best-seller que se precie de tal ahora también tiene su película.

Operación Valquiria (Valkyrie)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: Bryan Singer
Guión: Christopher McQuarrie, Nathan Alexander
Intérpretes: Tom Cruise, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Carice van Houten, Kenneth Branagh
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Edición: John Ottman
Música: John Ottman
Duración: 121 minutos

por Laura Gehl

Bryan Singer logra algo en Operación Valquiria que no tiene poco mérito: consigue mantener el suspenso poniendo el foco en la intriga. No es un dato menor considerando la trama de la película. La “Operación Valquiria” fue un complot organizado por un grupo de oficiales de la Wehrmacht (las Fuerzas Armadas alemanas) liderado por el Coronel Clauss von Stauffenberg para asesinar a Hitler y a la vez poner en marcha un golpe de Estado. El nombre de la operación es tomado de una estrategia militar nazi a ser aplicada en casos de disturbios civiles, que a su vez es tomado de una ópera de Wagner. El plan consistía en movilizar a la Wehrmacht una vez muerto Hitler y así arrestar a los oficiales de la S.S. y la Gestapo. Se comenzó a gestar en 1943 y lo ejecutó personalmente el Coronel von Stauffenberg el 20 de julio de 1944. Sobra decir a esta altura que el plan falló.

Corazón de tinta (Inkheart)

Año: 2008
Origen: Alemania, Gran Bretaña, Estados Unidos
Dirección: Iain Softley
Guión: David Lindsay Abaire
Intérpretes: Brendan Fraser, Paul Bettany, Helen Mirren, Jim Broadbent, Andy Serkis
Fotografía: Roger Pratt
Edición: Martin Walsh
Música: Javier Navarrete
Duración: 105 minutos

por Ezequiel Villarino

La fantasía limitada. Lamentable caso el de Corazón de tinta: ni se afirma sobre el terreno del fantástico ni logra enaltecer pasión alguna por el cine de aventuras. Los sucesos imaginados, y esa imaginación que los provoca, sufren las limitaciones de un relato centrado en conmover bajo el manto de un melodrama de tono grave que se obsesiona en aleccionar una y otra vez con la importancia de la lectura y la escritura. De asombrar y divertir, poco y nada.