2012

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Canadá
Dirección: Roland Emmerich
Guión: Roland Emmerich, Harald Kloser
Intérpretes: John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Oliver Platt, Woody Harrelson, Danny Glover
Fotografía: Dean Semler
Edición: David Brenner, Peter S. Elliot
Música: Harald Kloser, Thomas Wanker
Duración: 158 minutos

por Ezequiel Villarino

Hola, ¿cómo estás? Te llamaba para despedirme porque parece que el mundo se está acabando… Los films que exponen catastróficos resultados sobre el planeta Tierra suelen lucir notables quiebres en relación a vínculos afectivos que culminan por estructurar vaivenes emotivos de los más diversos: al goce producido por la espectacularidad del impacto de las imágenes de un mundo moribundo y terminal o, en algunos casos, de mutación caótica (2012, como El día después de mañana, se inscribe en el terreno del cambio) se le suele anexar un sentimentalismo obsceno que convierte a este tipo de películas, más allá de todo asombro producido por la animación digital contemporánea, en un exponente digno de ser pensado (perdón Barthes) como una serie de fragmentos de un discurso amoroso.

Planet 51

Año: 2009
Origen: España, Estados Unidos, Gran Bretaña
Dirección: Jorge Blanco, Javier Abad, Marcos Martínez
Guión: Joe Stillman
Intérpretes: Dwayne Johnson, Jessica Biel, Justin Long, Gary Oldman, John Cleese
Edición: Alex Rodríguez
Música: James Seymur Brett
Duración: 92 minutos

por Ezequiel Villarino

Pensá en verde. La posibilidad instantánea de asociar el color verde de algunas criaturas del cine de animación con aquel ogro falto de buenos modales y estrella de Dreamworks (aunque ahora estrellado, gracias a su atroz tercera aparición en la gran pantalla) parecería impulsar una especie de anhelo de éxito que hace que algunos individuos vayan a lo seguro sin esmerarse demasiado: Planet 51, película dirigida por Jorge Blanco y co-dirigida por Javier Abad y Marcos Martínez (todo un triunvirato español donde uno es “un poco más” que los otros gracias a las categorías de la industria), remite tanto al gaseoso y otrora gracioso personaje de fábula que hasta la tipografía del título en el afiche evoca a Shrek y compañía. Claro, es que en esta superproducción coproducida entre España, Estados Unidos e Inglaterra (otro triunvirato más, aunque en este caso multinacional) hay un involucrado que huele a ogro: Joe Stillman, hombre responsable del guión de las dos primeras entregas de Shrek y escritor del guión de este film que se ha convertido en la mayor producción cinematográfica realizada en España hasta el momento (su producción podrá ser “mayor”, pero el resultado es verdaderamente menor).

El último verano de la boyita

Año: 2009
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Julia Solomonoff
Guión: Julia Solomonoff
Intérpretes: Guadalupe Alonso, María Clara Merendino, Nicolás Treise
Fotografía: Lucio Bonelli y Julia Solomonoff
Edición: Rosario Suárez y Andrés Tambornino
Música: Sebastián Escofett
Duración: 93 minutos

por Ezequiel Villarino

El segundo largometraje de Julia Solomonoff es un relato que se estructura a partir de una temática demasiado abordada por el cine nacional en los últimos tiempos: el despertar sexual. Sumado a esto, el film se ahoga en constantes clichés, una innegable estética pintoresca for export y una manera de desarrollar lo narrado que no escapa jamás al cálculo y a lugares comunes que son fácilmente reconocibles. Nada sorprende y todo ya ha sido visto con mejor elaboración en films como La ciénaga, La rabia y, en particular, XXY.

Boogie, el aceitoso

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Gustavo Cova
Guión: Marcelo Paez-Cubells
Voces: Pablo Echarri, Nancy Dupláa
Edición: Andrés Fernández
Música: Diego Monk
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“Todo lo humano me es ajeno”
Boogie

Boogie, Boogie… ¡Bang, Bang! Hay que tener agallas para atreverse a contemplar, en todo su esplendor, a este mastodonte apodado “el aceitoso”: racista, misógino, fumador obsesivo, gorila rubio y alto, y especie de híbrido fascista entre The Thing (La cosa) de Marvel Comics y Marv de Sin City. Realmente, todo un personaje “de aquellos”: listo para ser odiado con mucha razón o querido con extrema culpa. Es que así es Boogie, un hombre de guerra y natural born killer que fue parido desde la inteligencia del siempre recordado Roberto “Negro” Fontanarrosa en el año 1972, dentro de las páginas de la revista Hortensia. Bajo aquella mirada paródica y satírica del rosarino (de verdadero posicionamiento antimilitarista y antiimperialista) no sólo centrada sobre la figura de este antihéroe que recordaba con insistencia al Harry Callahan interpretado por Eastwood sino también sobre la sociedad, cultura y política de los Estados Unidos, la belicosa criatura yanqui de muy, pero muy pocas pulgas equilibraba sus excesos de violencia física con la agresividad desproporcionada de sus palabras.

Bienvenidos al país de la locura (Bienvenue chez les Ch’tis)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Dany Boon
Guión: Dany Boon y Alexandre Charlot
Intérpretes: Kad Merad, Dany Boon, Zoé Félix, Anne Marivin
Fotografía: Pierre Aim
Edición: Luc Barnier y Julie Delord
Música: Philippe Rombi
Duración: 106 minutos

por Ezequiel Villarino

Atención: se cuenta el final de la película

Primera degustación (a vaso lleno). Como preludio habría que hacerle caso al afiche del film y abrazar, en éxtasis, alguna botella de vino. Tal acción, al menos, podría conducirnos a vaciar su contenido y de esta manera llegar a un estado de ebriedad pleno, lo que nos aseguraría algún tipo de disfrute para entrar al universo de los beodos y así intentar pasarla bien con esta película titulada en nuestras tierras como Bienvenidos al país de la locura (si alguien encontró la locura, por favor avise). Traducciones de títulos originales a frases o palabras pésimas y tramposas las hay por todos lados. Pero esto es el colmo. Quiero decir: si al menos en el relato dirigido y coprotagonizado por Dany Boon (ahora que escribo Boon, me pregunto dónde demonios está el “Boom” que hace que este film sea el de mayor éxito en recaudaciones de toda la historia cinematográfica de Francia) existiese algo de absurdo o de hiperbólico que funcione dignamente todo sería distinto y la película podría valer un poco la pena, ya que no alcanzan los mejores minutos en donde uno de los personajes, por ejemplo, intenta dispararle falsamente a un gato para luego indicar que la carne del felino se ha convertido en el plato principal de la cena (una vuelta al “clisé animal”, digamos).

Diabólica tentación (Jennifer’s Body)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Karyn Kusama
Guión: Diablo Cody
Intérpretes: Megan Fox, Amanda Seyfried, Johnny Simmons, Adam Brody, Ryan Levine, J.K. Simmons
Fotografía: M. David Mullen
Edición: Plummy Tucker
Música: Stephen Barton y Theodore Shapiro
Duración: 102 minutos

por Ezequiel Villarino

No man´s land. Ella(s). Me gusta mucho Megan Fox. Soy, en cierta forma, adicto a ella: sigo incondicionalmente esos films en los que participa y cada vez que la observo, su imagen me conmueve (después de todo, el fetichismo que evocan ciertas figuras del cine forma parte de la vida de un apasionado por el séptimo arte). Admito que el sentido de tal sensación está relacionado con las emociones que despiertan su hermoso rostro y su cuerpo en mi persona. Ok, podría haber dicho, simplemente, su cuerpo, ya que el rostro forma parte de él. Sin embargo, y voy a intentar hacerme entender lo mejor posible, ambos funcionan de distinta manera: mientras sus ojos (tanto su color como su forma) son fuente hipnótica para el inicio de un despliegue sexual importante, su boca completa el todo y acentúa lo que podría ser concebido como una especie de fuente sexual primaria: si Fox erotiza, es porque esos primeros planos sobre su rostro anticipan todo contacto (o todo deseo de contacto).

El destino final (Final Destination 4 – 3D)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: David R. Ellis
Guión: Eric Bress
Intérpretes: Bobby Campo, Haley Webb, Mykelti Williamson, Krista Allen
Fotografía: Glen MacPherson
Edición: Mark Stevens
Música: Brian Tyler
Duración: 82 minutos

por Ezequiel Villarino

Hasta que el 3D los separe. Esto no es un final: la cuarta entrega de la saga donde la muerte se toma revancha y persigue hasta el cansancio a aquellos que sobreviven su embestida gracias a una especie de maldición otorgada por esa capacidad sobrenatural llamada premonición (nada más terrible que vivir observando cuándo y de qué manera se va a morir), encuentra en el film dirigido por David R. Ellis (Destino Final 2, Celular, Terror a bordo) una estructuración digna de un recurrente ejercicio estético y lúdico que se aleja, notablemente, de lo que puede ser concebido como cine: imagino a Destino final 3D como una atractiva oferta temática de parque de diversiones que viene incluida en la entrada general sólo si se paga un dinero extra.

Traidor (Traitor)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jeffrey Nachmanoff
Guión: Jeffrey Nachmanoff, Steve Martin
Intérpretes: Don Cheadle, Guy Pearce, Neal Mcdonough, Jeff Daniels, Archie Panjabi
Fotografía: J Michael Muro
Edición: Billy Fox
Música: Mark Kilian
Duración: 114 minutos

por Ezequiel Villarino

La única pasión de mi vida ha sido el miedo.
Hobbes

El rostro del mal. Se dice que el hombre, apenas nace, es consciente de su propia muerte. Desde el inicio de la vida, el saber de no ser infinito provoca una búsqueda, una especie de indagación constante y nerviosa (aunque podríamos decir temerosa) que genera la ilusión de la postergación de lo inevitable: la extinción plena. Las herramientas ideológicas para tamaña pretensión nacen a través de la filosofía y el pensamiento, y a partir de la religión y las creencias: el ser humano ha construido su historia con el objetivo de perdurar y, aunque más no sea simbólicamente, intentar evadir todo final posible. La religión, esa ideología que ejerce una manera de concebir y habitar el mundo más allá de todo sentido terrenal, ha sabido dominar históricamente a los pueblos a través del miedo: basándose en el disciplinamiento del cuerpo y de la mente (con conceptos tales como el del alma y el del espíritu, y aquél de la recuperación de un estado paradisíaco perdido por el pecado), todo credo invita a trascender de buena manera hacia el otro plano, evitando transgredir la moral y la ética disparadas desde las supuestas buenas costumbres (digo “supuestas” ya que ciertas religiones tienen como base un sentido común que se supone “común” pero que lo es específicamente para la clase dominante o, en otros términos, hegemónica).

Pequeños invasores (Aliens in the Attic)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Canadá
Dirección: John Schultz
Guión: Mark Burton y Adam Goldberg
Intérpretes: Carter Jenkins, Austin Robert Butler, Ashley Tisdale
Fotografía: Don Burgess
Edición: John Pace
Música: John Debney
Duración: 86 minutos

por Ezequiel Villarino

La guerra, a puertas cerradas. Inquietud. Eso es lo que me genera, de vez en cuando, cierto cine. Una intranquilidad tan particular que hace que las cuestiones ideológicas me atemoricen más de lo debido. Durante estos últimos meses, algunos films han recreado con énfasis movimientos, estrategias y visiones de mundo que se corresponden con prácticas militares diversas: Transformers y G.I. Joe son excelentes ejemplos del caso. Pero también una película como Fuerza-G, destinada a captar, sobre todo, la curiosidad de los niños, y en donde un grupo de hámsters animados digitalmente se calza el uniforme de la milicia y  porta armas al mejor estilo tropa comando mientras un slogan incrustado en el afiche dicta “El mundo necesita grandes héroes”. Digamos que los héroes triunfantes en este tipo de películas sólo obtienen su éxito si reproducen, con destreza, cierta conducta militarizada y heredada exclusivamente de la imagen del ejército norteamericano. Es cierto, no digo nada nuevo, pero es interesante observar cómo algunos films que son pensados particularmente para atraer la atención de espectadores que ni siquiera llegan a la categoría de adolescentes, introducen situaciones cuestionables bajo un producto que se supone divertido y apto para todo público. Y este es, también, el caso de Pequeños invasores.

G.I. Joe: el origen de Cobra (G.I. Joe: The Rise of Cobra)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Stephen Sommers
Guión: Stuart Beattie y David Elliot
Intérpretes: Adewale Akinnuoye-Agbaje, Christopher Eccleston, Joseph Gordon-Levitt, Byung-hun Lee, Sienna Miller, Ray Park, Dennis Quaid
Fotografía: Mitchell Amundsen
Montaje: Bob Ducsay y Jim May
Música: Alan Silvestri
Duración: 118 minutos

por Ezequiel Villarino

Celebrando la desmesura. Los prejuicios suelen ser abundantes: a esta altura, difícilmente pueda esperarse de un denominado “tanque” made in Hollywood (o aplicando otra terminología: “película supertaquillera”) algo más que un goce efímero. Una sensación de placer audiovisual que, en ciertos casos, es sustentado por la mera forma propuesta por escenas o secuencias que potencian su naturaleza estrambótica valiéndose, principalmente, del exceso. O, si es que acaso el disfrute se presenta en más de una oportunidad dentro de uno de estos films, “los” excesos. Una pluralidad que, en ocasiones, sobrevive a partir de la recurrencia en relación a exclusivos momentos del metraje que se convierten en instantes donde una película respira y se desahoga al ritmo de la acción vertiginosa y el placer propuesto por cierto ejercicio formalista.

Sobre Hayao Miyazaki

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por Ezequiel Villarino

Al maestro, con cariño. Hayao Miyazaki (“Miya”, afectuosamente hablando) nació en la ciudad de Tokio un 5 de enero de 1941, cuatro años y siete meses antes de la barbarie genocida (una de las tantas muestras a gran escala de la desmedida soberbia humana) que destruyó Hiroshima y Nagasaki. Su niñez, adolescencia y juventud estuvieron marcadas por un fuerte contexto bélico y político: Japón, a partir de mediados de la década del 40´, fue un terreno de batalla de las más diversas. Luego del estallido de las bombas nucleares, comenzó la rendición del país oriental y la ocupación norteamericana en la nación nipona de la posguerra (instalando sus ya clásicas bases militares de control). Durante los años 50´ y 60´ el comunismo, a partir de la fundación del Partido Comunista Japonés, iniciaba frecuentes marchas de protesta en contra de tal ocupación y, muchos años más tarde, en contra de la guerra de Corea y de Vietnam. Es necesario aclarar que tanto Miyazaki como su futuro compañero y amigo Isao Takahata (mentor y cofundador del Estudio Ghibli en 1985) adhirieron a la ideología del partido, sobre todo en sus épocas de estudios universitarios.

Dossier Gánsters – Películas

Penélope (Penelope)

Año: 2006
Origen: Gran Bretaña, Estados Unidos
Dirección: Mark Palansky
Guion: Leslie Caveny
Intérpretes: Christina Ricci, James McAvoy, Catherine O`Hara, Reese Witherspoon, Peter Dinklage
Fotografía: Michel Amathieu
Edición: Jon Gregory, Ian Seymour
Música: Joby Talbot
Duración: 104 minutos

por Ezequiel Villarino

Ojos que ven, corazones que sienten. Penélope es, en primer lugar, una transposición a la gran pantalla de un género literario. Lo que es concebido como cuento maravilloso en el terreno de la escritura tiene, en el film dirigido por Mark Palansky (hombre de escasos y no muy buenos antecedentes en lo que respecta a la realización), una más que aceptable representación en imágenes: el efecto de fuerzas desconocidas producidas por la hechicería y la magia, espacio y tiempo indeterminados y, sobre todo, la metamorfosis o mímesis con el mundo ajeno al ser humano (en el caso de Penélope, el conflicto se dispara en relación a las características físicas de la protagonista en sintonía con las de un animal). Es que desde el inicio del film, impulsado por el ya clásico “Había una vez…”, Penélope se resguarda de lleno en una comedia romántica con magia, humor, suspiros y miradas. Particularmente en estas últimas, porque si hay algo que no pasa desapercibido en esta película son las expresiones de los ojos y, a través de ellos, las miradas.

Lanzamiento de The Blackest Night

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por Ezequiel Villarino

Days and nights of the living dead: The Blackest Night. Habrá que volver a Alan Moore, luego de tantos años, para saber exactamente cómo empezó todo. Me refiero, en particular, a esa historia que imaginó y realizó el escritor durante 1986 en Tales of the Green Lantern Corps Annual 2. Allí se descubría una profecía, una visión del futuro cargada de muerte y oscuridad: Abin Sur, alienígena antecesor del conocido (y querido por todos los fans) Green Lantern Hal Jordan, visitaba un planeta/prisión (Ysmault) en donde se encerraba a ciertos demonios provenientes de The Empire of Tears. Al deambular por el lugar, Sur cruzaría caminos con uno de los condenados, y la criatura, crucificada, daría a conocer muy brevemente lo que vendría.

Transformers: la venganza de los caídos (Transformers: Revenge of the Fallen)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Michael Bay
Guión: Ehren Kruger, Roberto Orci, Alex Kurtzman
Intérpretes: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, John Turturro, Kevin Dunn
Fotografía: Ben Seresin
Edición: Roger Barton, Paul Rubell, Tom Muldoon, Joel Negron
Música: Steve Jablonsky
Duración: 147 minutos

por Ezequiel Villarino

Toy soldiers. Pobres mechas, han perdido toda libertad posible bajo el mando del director Michael “milicia” Bay, quien ha sabido integrarlos, descaradamente, dentro de esa maquinaria a la cual rinde culto cada vez que filma: el ejército norteamericano y sus incontables facciones, sectores o derivados existentes. Tranformers: la venganza de los caídos es, ante todo, una clara oda a la bandera, y un ejercicio fílmico de patriotismo enmascarado bajo un disfrute de sensaciones teen y pasitos de comedia diversos que exhibe con poca gracia y desmedido exceso las batallas entre autobots y decepticons en diversas regiones del “globo”.

Big Bang Love (46-okunen no koi) – Estreno en DVD ampliado

Año: 2006
Origen: Japón
Dirección: Takashi Miike
Guión: Masa Nakamura
Intérpretes: Ryuhei Matsuda, Masanobu Ando, Ryo Ishibashi, Renji Ishibashi, Kenichi Endo
Fotografía: Masahito Kaneko
Edición: Yasushi Shimamura
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“…estoy calmo, atento, como si me encontraran
ante un insecto extraño
del que bruscamente ya no tengo miedo”
Roland Barthes, Fragmentos de un discurso amoroso

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En cuerpo y mente. Como siempre sucede en el cine de Miike, lo primero que se fuerza, cayendo en una especie de hipnótica constancia, es el cuerpo (estrepitosamente sufrido en su materialidad e indescriptiblemente abismal en términos introspectivos): la danza iniciática que dispara el nonsense dentro de Big Bang Love,  y que combina movimientos tribales con tempos desenfrenados al mejor estilo new age, emprende, excitada, un camino sinuoso a recorrer. Desde un espacio identificable como aquel del pensamiento, un pequeño es hechizado por los movimientos de un bailarín cuya corporalidad se presenta estigmatizada por esos tatuajes tan comunes dentro de la yakuza: en los instantes finales de esa representación que escapa a todo estatismo a través del montaje (rítmico aunque escasamente acelerado), el cuerpo del danzante cae aquejado por tamaño esfuerzo dejando entrever un estremecimiento que, frente a los ojos del niño y de esa otra presencia (avejentada y altamente discursiva), emite una sensación de homoerotismo seductor.

El artista

Año: 2008
Origen: Argentina, Italia
Dirección: Gastón Duprat, Mariano Cohn
Guión: Andrés Duprat
Intérpretes: Sergio Pángaro, Alberto Laiseca, León Ferrari, Horacio González, Rodolfo Fogwill
Fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Edición: Santiago Ricci
Música: Diego Bliffeld
Duración: 94 minutos

por Ezequiel Villarino

Arte sin cine. La sátira sobre el campo del arte ha encontrado en la dupla Cohn-Duprat una mirada que hace gala, con recato inexistente, de una particular extrañeza: en lugar de satirizar con enérgico disfrute esa especie de relación simbiótica entre el artista y la obra (sujeto-objeto, creador-creación), se opta por una anémica, tenue y, al parecer, “demasiado”inteligente (dudo que muchos disfruten de su humor) revisión sobre el terreno artístico (todo encuadre, por ejemplo, está elucubrado milímetro a milímetro y todo es tan soft que adormece).

Mil años de oración (One Thousand Years of Good Prayers)

Año: 2007
Origen: Estados Unidos, Japón
Dirección: Wayne Wang
Guión: Yiyun Li
Intérpretes: Faye Yu, Henry O, Pavel Lychnicoff, Vida Ghahremani
Fotografía: Patrick Lindenmaier
Edición: Deirdre Slevin
Música: Lesley Barber
Duración: 80 minutos

por Ezequiel Villarino

Los tiempos. Un film sobre los tiempos; dos, específicamente. De eso se trata Mil años de oración de Wayne Wang. Por un lado, de un tiempo verbal: una película que vuelve al pasado desde el discurso, o mejor dicho desde el lenguaje (sea cual sea el idioma que se hable). Sin retroceso temporal alguno en imágenes, el realizador nacido en Hong Kong y radicado en los Estados Unidos niega todo flashback, haciendo del lenguaje eso que para muchos abocados al estudio de la palabra es ley: lo dicho como representación y capacidad de dar existencia a lo que se dice (porque, como ciertos fervorosos lingüistas y semióticos indican, aquello que no se dice no goza de presencia alguna). Y esa representación, en el film, despierta un tiempo que fue dentro de una relación resquebrajada entre padre e hija: el decir lastima y recuerda otras décadas, otros períodos históricos signados por ideologías políticas para muchos cuestionables (el comunismo en el film de Wang es representado, dentro de ese tiempo discursivo, como una ruidosa mala palabra culpable de la destrucción de una familia).

X-Men Orígenes: Wolverine (X-Men Origins: Wolverine)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Nueva Zelanda, Australia
Dirección: Gavin Hood
Guión: David Benioff
Intérpretes: Hugh Jackman, Ryan Reynolds, Liev Schreiber, Dominic Monaghan, Danny Huston
Fotografía: Donald McAlpine
Edición: Nicolas De Toth, Megan Gill
Música: Harry Gregson Williams
Duración: 107 minutos

Ezequiel Villarino

“I’m the best there is at what I do.
And what I do…isn’t very nice”
Wolverine

El mutante que una vez supo ser. A Chris Claremont, escritor y guionista de cómics, se lo podrá recordar por haber realizado varios de los más grandes arcos argumentales dentro de las historias de los mutantes de la Marvel. Dark Phoenix Saga y Days of Future Past, por ejemplo, son relatos verdaderamente paradigmáticos ya que han sido tomados una y otra vez como disparadores de incontables narraciones dentro de las historietas de los “hijos de Charles Xavier”. Sin ir más lejos, una de sus novelas gráficas, God Loves, Man Kills fue la inspiradora del segundo film de los hombres X dirigido por Bryan Singer. Y no me sorprende que esta segunda entrega cinematográfica sea la mejor de las cuatro, ya que Claremont siempre fue una persona lúcida en su trabajo y muy influyente.

Cuatro vidas y un destino (The Air I Breathe)

Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jieho Lee
Guión: Jieho Lee, Bob DeRosa
Intérpretes: Kevin Bacon, Julie Delpy, Brendan Fraser, Andy García, Sarah Michelle Gellar
Fotografía: Walt Lloyd
Edición: Robert Hoffman
Música: Marcelo Zarvos
Duración: 95 minutos

por Ezequiel Villarino

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Atención: se revelan detalles y el final de algunas tramas que componen la película

Mixed emotions. A Jieho Lee, director de Cuatro vidas y un destino, nadie lo conoce dado su estatuto de newbie dentro del campo cinematográfico, y dudo que aquellos que tengan la mala suerte de ver su primer largo tengan ganas de seguir conociéndolo. Es que esta película cuyo título original es The Air I Breathe (bien en contra de su traducción local, la cual parece rememorar a aquellas cuatro bodas y un funeral), estrenada en el 2007 y de recién aterrizaje en nuestras salas (vaya uno a saber por qué diablos tan trágica decisión), es un mejunje de estilos prestados. Y esa mezcla que se amalgama en una especie de visión cósmica negativa (donde rige esa noción ya explotada al extremo que parece indicar que “el mundo es un pañuelo”) culmina por priorizar una estética fría y videoclipera lanzando por la borda toda posibilidad de profundizar vínculos entre personajes de manera adecuada.