El corredor nocturno

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Nicolás Saad
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Miguel Ángel Solá, Erica Rivas
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Fernando Pardo
Música: Lucio Godoy
Duración: 98 minutos

por Diego Maté

Atención: se cuenta el final de la película

Los paranoicos. Fueron películas como la misma El corredor nocturno, con su gusto traicionero por los personajes imaginarios, las que nos volvieron desconfiados, incrédulos. Fueron Sexto sentido, Una mente brillante, El club de la pelea: todas colaboraron en distintos grados y niveles. Estas películas juegan decididamente al engaño, pero no en los términos cinematográficos de, por ejemplo, Brian De Palma, sino de manera ramplona, boba, sirviéndose de la mentira como puro golpe de efecto: en determinado momento de la historia, se revela que tal o cual personaje fundamental para la trama no existe más que en la mente del protagonista (por lo general, un desequilibrado, un caso para la psicología). La vuelta de tuerca en su versión más efectista y menos interesante: ya no se trata de un giro en la trama, sino directamente de la no-existencia del (la mayoría de las veces) alter-ego del protagonista, y por ende, de la manifestación de lo precario de su estado intelectual. La psicología cinematográfica muestra su lado más berreta.

Waz (w Delta z)

Año: 2007
Origen: Gran Bretaña
Dirección: Tom Shankland
Guión: Clive Bradley
Intérpretes: Barbara Adair, Stellan Skarsgård, Peter Ballance, Selma Blair
Fotografía: Morten Søborg
Edición: Tim Murrell
Música: David Julyan
Duración: 104 minutos

por Diego Maté

Ya desde el título, Waz (o w Delta z, como se la conoció mayormente en Gran Bretaña) plantea una conexión ineludible con la saga de El juego del miedo (en inglés, Saw): ambas tienen tres letras, dos de ellas compartidas (la A y la W), la tercera en discordia (S y Z) comparte la pronunciación en las dos, y cada título puede ser leído como el reverso del otro. Estas coincidencias, además de evidentes, no son para nada casuales, porque Waz también es deudora de la visión del mundo que despliega la saga de El juego del miedo a lo largo de sus seis películas. Tanto la serie iniciada por James Wan como Waz proponen a un villano rencoroso y vengativo que se escuda en una supuesta superioridad moral para someter a sus víctimas a los peores tormentos imaginados, y las dos películas (esto es lo grave) por momentos se hacen eco del discurso del villano, como si en parte acordaran con su cruzada moralista y de muerte.

This is It

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Kenny Ortega
Fotografía: Kevin Mazur
Edición: Gabriel Wrye
Música: Michael Bearden
Duración: 112 minutos

por Diego Maté

Tiempo de vivir. Mientras veía This is It, documental que muestra los ensayos finales para el anunciadísimo show homónimo, me pasaba algo raro: por momentos, cuando observaba a Michael Jackson bailar y organizar los pormenores del que sería su último show, de a ratos me olvidaba de que la gran estrella pop había muerto. Me despistaba su vitalidad desbordante, que lo hacía moverse con el virtuosismo de un bailarín veinteañero combinando la elegancia de uno de cincuenta (se le nota una cierta sofisticación y calma “fredasteriana”), pero también su capacidad para estar en los detalles del concierto, ya sea corregir una y otra vez el tempo del teclado a su director de sonido (“hay que dejarlo cocer”, le dice varias veces) o disponer las distintas partes de las canciones. A su vez, a mi incredulidad se le sumaba la cercanía de los hechos, como si mi cerebro no pudiera conectar esa persona enérgica, alegre y terriblemente viva de los ensayos con su muerte, ocurrida el 25 de junio, poco después de la filmación.

Identidad sustituta (Surrogates)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jonathan Mostow
Guión: Michael Ferris, John D. Brancato
Intérpretes: Bruce Willis, Radha Mitchell, James Cromwell, Ving Rhames
Fotografía: Oliver Wood
Edición: Kevin Stitt
Música: Richard Murvin
Duración: 88 minutos

por Diego Maté

En Duro de matar lo que mejor caracterizaba al personaje de John McClane (Willis) no era su destreza física o habilidad para combatir a los villanos, sino su obstinada e inagotable terquedad que lo hacía seguir empujando ciegamente hacia adelante aun cuando se encontraba en las circunstancias más adversas. El tipo era una bestia, un bruto entrenado y peligroso pero de buen corazón que al final se graduaba de héroe a los ojos del espectador más por el increíble sufrimiento físico al que debía sobreponerse que por las hazañas que realizaba. El tiempo pasó, y la saga de Duro de matar fue mostrando a un McClane cada vez más viejo (obvio, el tiempo pasó también para él), huraño, conservador y llamativamente ignorante, como si los años le hubieran arrebatado también lo poco de inteligencia práctica que desplegaba en las primeras películas. Identidad sustituta, también actuada por Bruce Willis, parece continuar la leyenda de McClane a través de Tom Greer, otro policía que también se debate en un mundo extraño que no le deja un lugar.

Nunca estuviste tan adorable

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Mausi Martínez
Guión: Mausi Martínez
Intérpretes: María Onetto, Mirta Busnelli, Luis Luque, Lucrecia Oviedo, Lorena Forte
Fotografía: Andrés Mazzón
Edición: Yanina Andreoli
Música: Nicolás Posse, Mono Morillo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay una escena en Nunca estuviste tan adorable que la muestra (o la expone, la deja al descubierto) en todo su cómodo cinismo y villanía disfrazada de crítica social. En la escena, la cámara sigue a Blanca (María Onetto), Rodolfo y Noelia que dan vueltas alrededor de Beba (Mirta Busnelli), a la que interrumpen en el baño justo cuando trataba de suicidarse cortándose las venas. Beba camina, borracha y perdida, más preocupada por las manchas de sangre en el baño de Blanca que por los cortes en su muñeca, y la cámara retrocede sin perderla de vista. En ese momento, verdadero quiebre en el clima amenazadoramente festivo y hasta un poco malsano que prometía estallar, la directora, que tenía la primera oportunidad de acercarse un poco a sus personajes, de atravesar esa capa de imbecilidad, ridículo y patetismo con la que los había pintado, elige extremar su mirada y opta por llevar todo hasta las últimas consecuencias: en lugar de interesarse por Beba se burla de ella y la propone, además, como blanco humorístico, la hace parecer estúpida y loca y no le da nunca una chance de mostrar otra cara, de ofrecerse con algo de dignidad.

Fantasmas de la noche

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Carlos Oves
Guión: Santiago Carlos Oves
Intérpretes: Carlos Resta, Mariana A, Enrique Liporace, Martín Slipak
Fotografía: Carlos Torlaschi
Edición: Liliana Nadal
Música: Pablo Sala
Duración: 84 minutos

por Diego Maté

Es raro ver, sobre todo en los últimos años, que el cine argentino se le anime al género del policial. Acaso esto tenga que ver con la desmantelación de los géneros que llevó adelante el Nuevo Cine Argentino, algo que ocurrió más o menos en todos los países en los que se dieron movimientos cinematográficos contemporáneos. Así pasó en Taiwán, donde en la actualidad el género brilla por su ausencia, pero no en Hong-Kong, que tiene una de las industrias populares más fuertes del planeta, pero que todavía hoy cuenta con Wong Kar-Wai como su único realizador netamente contemporáneo. De los 90 a esta parte, y de manera mucho más marcada que en los 60, el cine de género sigue asociado casi en su totalidad a la producción estadounidense, y quizás este hecho ayude a explicar el descreimiento y la sospecha con que muchas generaciones jóvenes tienden a mirar al género: como construcción artificial, falsa, transmisora de ideología y mandatos imperialistas. No importa ahora ahondar en las causas de este rechazo de los realizadores jóvenes por un cine de género, solamente baste con recordar que en la Argentina, que hasta no hace mucho contaba con una producción anual nada despreciable, podían nombrarse apenas unos pocos cultores habilidosos de los géneros, tales como Damián Sziffrón, Fabián Bielinsky o José Luis Campanella (aunque éste ya fuera del grupo de los jóvenes, al que podríamos agregar también a Adolfo Aristarain).

Todos mienten

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Matías Piñeiro
Guión: Matías Piñeiro
Intérpretes: Romina Paula, María Villar, Julia Martínez Rubio, Pilar Gamboa
Fotografía: Fernando Lockett
Edición: Delfina Castagnino
Duración: 75 minutos

por Diego Maté

El joven viejo. Tarea nada sencilla el decir algo sobre las dos películas de Matías Piñeiro. Para empezar, habría que tener en cuenta que su cine parece gravitar alrededor del engaño y las apariencias. Eso sí, que no se entienda lo de engaño desde un lugar de condena, porque los personajes de El hombre robado y Todos mienten, como rezan los títulos, roban y mienten constantemente, pero las películas nunca los condenan. Lo que hay en Piñeiro es más bien una exploración (nada moralista, y también carente de psicologismos) de esa falsedad que define a sus criaturas. Ver cómo mienten, cómo traman planes entre sí y conspiran unos contra otros, en eso pone su mirada y todo su interés un cada vez más maduro Piñeiro, y encuentra así un universo completamente nuevo donde las normas sociales y cinematográficas, por lo menos las más convencionales, se diluyen y dan paso al complejo entramado de amores y traiciones de sus películas.

El último mandado – Estreno en DVD

Año: 2007
Origen: Argentina
Dirección: Fabio Junco, Julio Midú
Guión: Fabio Junco
Intérpretes: Ellen Wolf, Lucas Midú, Carmen Drive, Silvia Mieres
Fotografía: Gabriel Perosino
Edición: Mauricio Minotti
Música: Mauro Lázzaro
Duración: 71 minutos

por Diego Maté

La película de Fabio Junco y Julio Midú, incluso siendo proyectada en DVD y en una sala de calidad media como la del complejo Tita Merello, viene a recordarnos algo que tendemos a olvidar con demasiada frecuencia, que el cine es imagen y, además, sonido. Toda El último mandado está hecha a partir de sonidos, de ruidos, golpes y gritos, que por momentos hasta parecen ofrecer más información sobre el universo de la película que las imágenes. Desde escenas que se cuentan exclusivamente a partir del audio (como cuando Lucas llega tarde y en pleno corte de luz a su casa y tiene que aguantar todo el enojo y la frustración de su madre) hasta las relaciones que se resuelven muchas veces en términos sonoros (como la de Hannah y la mujer que la ayuda en la casa, que le retruca sus abusos de poder y altanería con golpes secos de puertas y objetos que encuentra a mano), el sonido de El último mandado parece apropiarse lenta pero segura de la película hasta cobrar una importancia fundamental dentro del relato y la puesta en escena, y se vuelve un atributo central del Saladillo que recrean Junco y Midú, pobre y anacrónico, en el que la tradición nazi que sobrevive a través de Hannah como un eco distante llega hasta los oídos del desesperado de Lucas, que se deja seducir por ese canto de sirena que son los relatos y libros que ella le pone a su alcance.

Street Fighter, la leyenda (Street Fighter, the Legend of Chun-li)

Año: 2009
Origen: Canadá, India, Estados Unidos, Japón
Dirección: Andrzej Bartkowiak
Guión: Justin Marks
Intérpretes: Kristin Kreuk, Chris Klein, Neal McDonough, Robin Shou, Michael Clarke Duncan
Fotografía: Geoff Boyle
Edición: Paulo Derek Brechin, Niven Howie
Música: Marce Stephen Endelman
Duración: 96 minutos

por Diego Maté

Todavía me acuerdo del disgusto que me llevé cuando vi por primera vez la película de Street Fighter, allá a mediados de los 90. Me molestaban la enorme cantidad de incongruencias que el guión mostraba respecto de la historia original, y es que algunas hasta rayaban sin más en la estupidez más rampante (personajes malvados que de repente luchaban del lado de los buenos, o algunos tenían profesiones irrisorias -Edmond Honda, el campeón de sumo, en la película resultaba ser periodista, y Balrog, el boxeador asesino, ¡camarógrafo!). Pero lo que más me indignaba era el tono de burla y parodia que yo, ignorante absoluto de las posibilidades del cine, atribuía más a una falta de capacidad de los realizadores que a una decisión consciente de los mismos. En resumen, yo veía un fiasco total, que solamente por momentos se salvaba gracias a las apariciones de Guile y Zangief, los únicos personajes que se ceñían al carácter y diseño originales. Por suerte, el tiempo me iba a enseñar que estaba muy equivocado, porque en algunas visiones posteriores (la última fue hace cosa de un año) Street Fighter se me iba a revelar como una película de una vitalidad increíble, desbordante, que detrás de su fachada paródica escondía ambiciones altamente cinematográficas.

Sector 9 (Distrito 9)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Nueva Zelanda
Dirección: Neill Blomkamp
Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell
Intérpretes: Sharlto Copley, David James, Jason Cope, Vanessa Haywood
Fotografía: Trent Opaloch
Edición: Julian Clarke
Música: Clinton Shorter
Duración: 116 minutos

por Diego Maté

No deja de llamarme la atención la costumbre que tiene una gran parte de la crítica de reducir las películas a simples consignas políticas y sociales. Pareciera que lo más importante de un film no es la puesta en escena, la historia y sus personajes o los procedimientos narrativos (y la articulación de todo eso), sino la tesis con respecto a tal o cual tema. Es cierto que una visión del mundo es algo a ser valorizado y muy tenido en cuenta, pero también lo es que en las buenas películas, esa visión se traduce además en las elecciones cinematográficas y no depende solamente del tema que se aborda. Y es que la crítica de cine muchas veces suele reconcentrarse alrededor de los comentarios sobre el mundo sin prestarle demasiada atención al resto, y al final termina dando cuenta de cuestiones que exceden a las películas, como si éstas no fueran lo suficientemente importantes como para hablar sobre ellas.

Homero Manzi, un poeta en la tormenta

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: Eduardo Spagnuolo
Guión: Eduardo Spagnuolo
Intérpretes: Carlos Portaluppi, Angélica Torres, Martín Slipak, Luciano Acosta
Fotografía: Mauricio Riccio
Edición: Daniel Galasse
Música: Erica Di Salvo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay algo fuera de lo común en Homero Manzi, un poeta en la tormenta: una cierta ambición de borde que le confiere a la película un aire de dignidad que la sostiene incluso en sus peores momentos (que son muchos). Hay actuaciones malísimas (fuera de tono, teatrales en el peor sentido), referencias políticas y sociales de trazo grosísimo, escenas que cruzan en más de una ocasión el límite de lo grasa y berreta (ver el juego con las curvas blancas, que parecen evocar una especie de fileteado –eterno símbolo pintoresco de lo tanguero- simplón y despojado, o el baile de la chica ensabanada); a pesar de todo esto, la sensación es que Spagnuolo se está arriesgando a contar algo de manera distinta, peleándose con el documental y la ficción por igual, intentando encontrar un registro que los una pero que a la vez no sea una simple cruza de ambos, casi como tratando de inventar una especie de pólvora cinematográfica (Spagnuolo fue el guionista de Haroldo Conti, homo viator, en la que también se ensayaba una mixtura entre documental y ficción, aunque de manera mucho más tradicional y bastante poco feliz).

El vestido

Año: 2008
Origen: Argentina, España
Dirección: Paula de Luque
Guión: Paula de Luque, Pablo Fidalgo
Intérpretes: Antonella Costa, Eduard Fernández, Guillermo Pfening, Paloma Coscia
Fotografía: Alejandra Martín
Edición: Alberto Ponce
Música: Diego Frenkel, Roi Gil
Duración: 96 minutos

por Diego Maté

Hay una idea muy recurrente en la crítica de cine que suele ser bastante poco precisa y que a veces funciona casi como si fuera un comodín (porque se adapta a un sinfín de situaciones distintas -de ahí, también, su imprecisión). Que a una película se la tilde de “pretenciosa” es algo que se puede leer seguido en crítica, especialmente en la de diarios. La noción por lo general remite a una cierta visión despectiva de lo sobrecargado, de denuncia de alguna suerte de aspiración moral que raya en la pedantería, y también puede hacer alusión a la presencia de ciertos de temas tratados de manera solemne. El problema surge cuando el término se usa sin dar demasiada cuenta de su inclusión, como si “lo pretencioso” fuera un código que el crítico y el lector comparten de antemano y que no necesita explicación. Y es que muchas veces no vendría mal una definición más o menos clara, porque con el tiempo el concepto designa ya demasiadas cosas y su uso extendido, muchas veces (como decía antes), es el de comodín: frente a cualquier película que descoloca, que se atreve a proponer alguna clase de registro distinto (siempre cerca de lo excesivo y sobrecargado, sí), el crítico la despacha cómodamente bajo el estigma de ser “pretenciosa” y cancela la posibilidad de encontrar algo nuevo, de sorprenderse.

Tierra sublevada: oro impuro

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Fernando Solanas
Guión: Fernando Solanas
Fotografía: Fernando Solanas, Rino Pravato y Mauricio Minotti
Edición: Fernando Solanas y Alberto Ponce
Música: Mauro Lazzaro
Duración: 88 minutos

por Diego Maté

A las últimas películas de Pino Solanas, incluida Tierra sublevada: oro impuro, se les pueden hacer algunos cuestionamientos, como el manejo a veces poco preciso de los números, las generalizaciones demasiado forzadas o la tendencia del cineasta a tensar fibras sensibles bastante primarias. Pero hay un problema que asoma película tras película, y que debería ser el punto sobre el cual pensar y reflexionar acerca del último cine del director: para Solanas la culpa de los males que aquejan a la Argentina la tienen el Estado, los políticos y los poderes extranjeros, y la población es siempre víctima de la corrupción y la toma de decisiones equivocadas. Esta reducción un tanto grosera deja ver dos cosas. Primero, que los gobiernos parecieran surgir en el aire y no ser fruto del voto popular. En este sentido, Menem es una de las figuras políticas más recurrentes en las películas de director, al que el cineasta señala como el artífice de casi todos los problemas vividos por el país en los últimos veinte años. Y si bien es difícil no coincidir con lo que dice Solanas sobre los 90, su argumentación pierde peso por el hecho de obviar sistemáticamente que Menem ganó dos elecciones (tres, se podría decir). El cineasta nunca se pregunta por la responsabilidad de la gente en el devenir histórico argentino, y esto resulta en una victimización simplona del pueblo y en un tratamiento demagógico: a las masas populares se les terminan adjudicando los derechos y los reclamos pero nunca las obligaciones ni las culpas.

Anita

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Marcos Carnevale
Guión: Marcos Carnevale, Marcela Guerty, Lily Ann Martin
Intérpretes: Alejandra Manzo, Luis Luque, Leonor Manso, Peto Menahem, Norma Aleandro
Fotografía: Guillermo Zappino
Edición: Pablo Barbieri Carrera
Música: Lito Vitale
Duración: 104 minutos

por Diego Maté

Que Anita podría haber sido peor. Que a pesar de servirse de fórmulas televisivas y efectistas, también podría haber abusado un poco más de la banda sonora, o haber buscado más el golpe bajo. Que podría haber victimizado todavía más a su protagonista, incluso después de someterla a esa larga deriva cruel y calculada con la falsa promesa del retorno de la madre, muerta desde el principio en el atentado a la AMIA. Eso, también. Que podría haberse discurseado con mayor solemnidad sobre el hecho, acaso intentando generar en el público esa emoción visceral y acrítica que producen los “grandes temas”. Ah, otra cosa. Que Anita podría aparecer llorando, o repartiendo pequeñas lecciones de vida a los personajes con los que se cruza. Que Anita podría morir (no se muere, con esto no adelanto nada), aunque para contar eso seguramente haría falta mucho coraje, cinematográfico y también político, algo que la película de Marcos Carnevale no tiene en absoluto. Y es que, lamentablemente, a algunas películas como Anita hay que empezar a pensarlas de manera negativa, dando cuenta de todo lo que no son y podrían haber sido. Que Anita podría haber sido una película ofensiva, deleznable, una lisa y llana hijaputez, mucho peor de lo que es en realidad; pero eso no alcanza para justificarla, o para dejarla pasar como si nada.

Bastardos sin gloria (Inglourious Basterds)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Intérpretes: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Cristoph Waltz, Eli Roth, Daniel Brühl, Diane Kruger
Fotografía: Robert Richardson
Edición: Sally Menke
Duración: 153 minutos

por Diego Maté

La gran ilusión. Se dijo hasta el cansancio que el cine de Quentin Tarantino hablaba más de imágenes que de las cosas del mundo. Eso no implica, al menos en un principio, un juicio de valor: a su manera, también las películas Brian De Palma o Guy Maddin se construyen más a partir del trabajo sobre otras imágenes que de la observación de la realidad. Pero el cine de Tarantino tenía algunos problemas: el gusto por la cita, en especial por la referencia cinéfila de culto (que no culta); el regodeo sobre estéticas y signos de época (la música, entre ellos); el interés que se dirigía más a escenas y hechos concretos que a los personajes y la historia. Todos estos elementos configuraban un cine que muchas veces se agotaba en el mero homenaje, en el despliegue vacío de una serie de pintorescas marcas de pertenencia. Tarantino era como un coleccionista, de esos que compran discos o muñequitos para exhibirlos sin sacarlos de la caja.

El secreto de sus ojos

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan José Campanella
Guión: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri
Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Guillermo Francella, Javier Godino, José Luis Gioia
Fotografía: Félix Monti
Edición: Juan José Campanella
Música: Federico Jusid, Emilio Kauderer
Duración: 127 minutos

por Diego Maté

Libertades de un autor. Incluso en sus peores momentos, el cine de Campanella se distinguía por su calidad técnica y cuidada puesta en escena. Fuera de Fabián Bielinsky y Damián Sziffrón, pocos cineastas argentinos recientes dieron muestras de un manejo tan elaborado del lenguaje cinematográfico. Pero si visualmente sus películas eran impecables, en los guiones asomaban problemas que empañaban todo el producto. El director, coautor de sus guiones junto a Fernando Castets, solía apelar a un sentimentalismo y una nostalgia muy groseros que acababan por desplegar una visión del mundo chata, sin matices y rayando en reaccionaria. Sus personajes principales muchas veces eran presentados como víctimas de las circunstancias a los que no se les exigía demasiada responsabilidad por sus actos, y los culpables del fracaso eran por lo general ventajeros e inmorales hombres de negocios. Así, uno de los grandes temas del cine de Campanella era, justamente, la imposibilidad de vivir en el presente, que empujaba a sus personajes a sumirse en la añoranza de una época donde todavía se podía ser feliz.

Invocando espíritus (The Haunting in Connecticut)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Peter Cornwell
Guión: Adam Simon, Tim Metcalfe
Intérpretes: Virginia Madsen, Kyle Gallner, Elias Koteas, Amanda Crew
Fotografía: Adam Swica
Edición: Tom Elkins
Música: Robert Kral
Duración: 102 minutos

por Diego Maté

Hace tiempo que el terror viene medio blandengue y corto de ideas. Nadie como Sam Raimi para dejarlo al descubierto, para desenmascararlo de una buena vez: Arrástrame al infierno es un cachetazo para todas las películas de terror que abusan de la psicología, de las vueltas de tuercas, con fantasmas que amagan mucho y asustan poco. Solamente el comienzo de Arrástrame… tiene más fuerza y potencia que todas los últimos estrenos de terror juntos; será que Raimi va directo a los bifes, que gusta de la buena acción, la fisicidad y el derroche: su última película tiene un efecto despabilante, sacude por su visceralidad y su nervio. Y el director de las Evil Dead hasta se las arregla para decir cosas interesantes sobre el mundo del trabajo, la pareja, el capitalismo y la familia burguesa sin convertir a su película en un aburrido rejunte de lugares comunes. Arrástrame… podrá no ser genial pero es reveladora, nos recuerda todo lo que habíamos olvidado del género y con lo poco que nos venimos conformando desde hace algunos años. Invocando espíritus, el estreno de terror de la semana, pareciera aventajar levemente a varias otras películas recientes como La profecía del no nacido o Miedo al amanecer, pero a la sombra de Arrástrame… no tiene mucho para ofrecer.

Enemigos públicos (Public Enemies) – Segunda parte

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Michael Mann
Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman
Intérpretes: Johnny Deep, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup
Fotografía: Dante Spinotti
Edición: Jeffrey Ford, Paul Rubell
Música: Elliot Goldenthal
Duración: 140 minutos

Aclaración: como al redactor encargado de hacer la crítica le salió una nota bastante larga (y algo dispersa) que habla tanto de Enemigos públicos como de su director, decidimos subirla en dos partes. Acá está la segunda mitad, en la que se trata de pensar la estética de Michael Mann, analizar el problema de la línea romántica y hasta se intenta una defensa encendida de la película.

por Diego Maté

5. Enemigos públicos es todo un acontecimiento en términos estéticos. Una vez más, Mann deja ver por qué es uno de los directores más precisos de la actualidad a la hora de filmar. Esto salta a la vista en el manejo increíble que hace del primer plano, un recurso que en las manos equivocadas puede convertirse en un verdadero lastre: nadie como el americano para captar los gestos más mínimos sin exagerarlos ni sobreexponer a sus actores. El uso que hace Mann del primer plano, dramático e intenso pero siempre contenido, ajustado a las necesidades del relato, es algo que puede verse en casi toda su filmografía, pero que con el tiempo se va haciendo cada vez más presente, como si el director ganara en confianza y capacidad para utilizar planos cercanos con mayor pericia. Otras de las cosas que hacen a la puesta en escena propia de Michael Mann es la habilidad para filmar la acción sin abusar del montaje ni el movimiento de la cámara en mano, transmitiendo una enorme cantidad de potencia y velocidad con planos relativamente estables, sobrios.

Imagen final

Año: 2008
Origen: Argentina, Suecia, Dinamarca, Chile
Dirección: Andrés Habegger
Guión: Andrés Habegger
Fotografía: Göran Gester
Edición: Jesper Osmund
Música: Pedro Onetto
Duración: 94 minutos

por Diego Maté

La imagen final que da nombre al último trabajo de Andrés Habegger es una muy conocida: un plano muestra a muchos chicos corriendo hacia un costado de la cámara (están escapando de algo), enseguida aparece en escena un camión militar con soldados, hay uno de mayor rango que reparte órdenes y amenaza a algunas personas. Ése mismo, de manera inesperada, se da vuelta y le dispara a la cámara; hay un temblor, pero la filmación continúa. Hasta que unos de los soldados que siguen arriba del camión apuntan a la cámara y uno de ellos también dispara; la cámara tiembla de nuevo pero esta vez cae al piso, y la película se acaba. El camarógrafo era el argentino Leonardo Henricksen, que se encontraba en Santiago cubriendo para la televisión sueca lo que iba a ser el primer alzamiento militar contra el gobierno de Salvador Allende. La grabación de Henricksen es hoy signo de toda una época, una de esas imágenes que expresan de manera compleja una enorme cantidad de temas y conflictos representativos de un período político y social. La filmación recorre el mundo en poco tiempo y se constituye como uno de los documentos periodísticos más reveladores del estado de cosas en América Latina. Aunque en la difusión extensa y rápida de la grabación también influye el destino del autor de las imágenes: herido de muerte, Henricksen fallece poco después, y el crimen queda impune.

Enemigos públicos (Public Enemies) – Primera parte

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Michael Mann
Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman
Intérpretes: Johnny Deep, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup
Fotografía: Dante Spinotti
Edición: Jeffrey Ford, Paul Rubell
Música: Elliot Goldenthal
Duración: 140 minutos

Aclaración: como al redactor encargado de hacer la crítica le salió una nota bastante larga (y algo dispersa) que habla tanto de Enemigos públicos como de su director, decidimos subirla en dos partes. Acá está la primera mitad, que esboza una mirada de la película en relación al universo cinematográfico de Michael Mann.

por Diego Maté

1. Escribo esto a dos semanas de haber visto Enemigos públicos, y me encuentro con algo raro. Todo este tiempo estuve barruntando la película, dándole vueltas, buscando lugares por los que entrarle e intentando un balance final y definitivo que nunca podía ultimar, y resulta que ahora todos los problemas que en un principio dejaban bastante mal parada a Enemigos públicos, ya no me parecen tan importantes. De todas las cosas que tenía para criticar cuando salí de la sala, solamente una me sigue haciendo mucho ruido: la línea romántica entre Deep y Cotillard. Fuera de eso, en este momento se me vienen a la cabeza todos aciertos y méritos. Seguramente se trate de una decisión consciente: el cine de Michael Mann en general, incluso cuando presenta fallas notorias, acaba siendo estimulante, distinto, perdurable, y una película suya invita a la revisión como las de pocos directores en la actualidad (no confundir esta afirmación con el axioma que dice que cualquier película mala de un autor es mejor que lo que pueda haber en ese momento. Sino mírenlo a Woody Allen).