Shotgun Stories

Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jeff Nichols
Guión: Jeff Nichols
Intérpretes: Michael Shannon, Douglas Ligon, Barlow Jakobs
Fotografía: Adam Stone
Edición: Steven Gonzales
Música: Lucero, Pyramid
Duración: 92 minutos

por David Obarrio

Uno puede leer apresuradamente por allí algo respecto a la ópera prima de Jeff Nichols y casi de inmediato sentirse autorizado a dudar. De nuevo esta cosa del indie americano, se dirá, con su tendal de familias disfuncionales, con su moralina, con su cansada sordidez apenas encubierta bajo la máscara de su concepción particular del concepto de realismo. Otra vez sopa, en definitiva. Puro pasto para festivales. Shotgun Stories resulta en cambio una sorpresa: Nichols no filma una idea del odio sino el modo en el que el odio se transforma en sistema. El esencial pesimismo que la película destila no es una fórmula impuesta  para leer el mundo sino acaso el único sentimiento genuino posible para resguardarse del dolor que parece ser una de sus partes constitutivas ineludibles.

Lejano (Uzak) – Estreno en DVD ampliado

Año: 2002
Origen: Turquía
Dirección: Nuri Bilge Ceylan
Guión: Nuri Bilge Ceylan
Intérpretes: Musaffer Ozdemir, Emin Tropak, Zuhal Gencer
Fotografía: Nuri Bilge Ceylan
Edición: Ayhan Ergursel
Duración: 110 minutos

por David Obarrio

Pero una cara se borra
comenzando por los ojos
que caen como gotas de lluvia en la boca del tiempo.
Ricardo Zelarayán, El hombre del poncho blanco

No sabemos nada del cine turco. O prácticamente nada. Hasta hace algunos años, cuando como una exhalación apareció Ceylan, sabíamos todavía menos. Su nombre se impuso rápido, tanta era la avidez de conocimiento acerca de qué se cocinaba en Turquía como fuerte es la pasión por la novedad que anima a los buscadores de pepitas de oro para presentar, convenientemente arropadas, en los festivales de cine. A partir de aquel momento el hombre es un abonado, su carta de ciudadanía se exhibe en el firmamento de los cineastas consagrados. Pacientemente desde entonces, Ceylan nos ha enrostrado su falta absoluta de complacencia y su mala onda, es decir, su cine. No está mal.

Los estafadores (The Brothers Bloom)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Rian Johnson
Guión: Rian Johnson
Intérpretes: Adrien Brodie, Rachel Weisz, Mark Ruffalo
Fotografía: Steve Yedin
Edición: Gabriel Wrye
Música: Nathan Johnson
Duración: 114 minutos

por David Obarrio

Me comentan que Rian Johnson, director de Los estafadores, tiene en su haber una película anterior notable de la que yo jamás había oído hablar. Cuando me reseñan brevemente el argumento, mucho no termino de entender de qué va la cosa, pero alcanza para que me quede más o menos claro que podría tratarse de un film curioso y con una cuota nada desdeñable de ambición. Lo mismo se puede decir de Los estafadores, la película de Johnson que ahora se estrena en la Argentina, detrás de cuya lustrosa fachada alla Wes Anderson parece haber una película de estafas y robos, cuyo verdadero centro simula ser una fábula de amor fraternal, que en realidad oculta una aventura romántica, debajo de la que no se sabe qué hay; probablemente nada. El mayor logro de la película es el de ir estableciendo capas de interés narrativo que vienen a anularse unas sobre otras, dejando al descubierto, por fin, lo que en verdad le importa a Johnson: la forma.

Vil romance

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: José Celestino Campusano
Guión: José Celestino Campusano
Intérpretes: Nehuén Zapata, Oscar Génova, Marisa Pájaro, Javier De La Vega
Fotografía: Leonardo Padín
Edición: Leonardo Padín
Música: Juan Manuel Colombo
Duración: 105 minutos

por David  Obarrio

Dios bendiga ese corazoncito retorcido tuyo.
Tom Waits, Hold On

Como si quisiera decirlo todo de entrada con un solo gesto, advertir al espectador de manera definitiva acerca de la naturaleza profunda de la película que anuncia, la palabra “vil” se estampa roja y desprolija, orgullosamente a destiempo, sobre la palabra “romance” en el afiche de Vil romance. Es un agregado, esa primera palabra; un forzamiento, una verdadera intrusión que anticipa en parte el sistema de cruces que la película propone y que constituye uno de sus mayores y menos esperables regocijos. Pero no se trata solo de eso. Al tiempo que reclama de manera indeclinable para el cine la inclusión de aquello considerado bajo, degradado, inmoral, poco confiable (consultar un diccionario de sinónimos para seguir la enumeración), el director José Celestino Campusano parece además establecer un procedimiento de escritura en el que la cotidianeidad más crasa se carga imprevisiblemente de una particular densidad poética, una corriente subterránea con la que su película adquiere la consistencia de un humilde manifiesto estético.

Esto ya pasó (Kurz davor ist es passiert)

Año: 2006
Origen: Austria
Dirección: Anja Salomonowitz
Guión: Anja Salomonowitz
Intérpretes: Rainer Halbauer, Otto Pikal, Anna Sparer, Leopold Sobotka y Gertrud Tauchhammer
Fotografía: Jo Molitoris
Edición: Anja Salomonowitz, Frédéric Fichefet, Gregor Wille
Música: Florian Richling, David Salomonowitz
Duración: 72 minutos

por David Obarrio

La película de Anja Salomonowitz está construida a partir de un procedimiento por demás inusual: la directora y guionista pasó años recabando testimonios de primera mano de mujeres sometidas a diferentes formas de maltrato en la Austria moderna, que van desde la diaria humillación a manos de un marido abusivo hasta la obligación de prostituirse bajo el peligro cierto de ser deportadas del país en caso de rehusarse, y armó con ellos un guión que es prácticamente recitado en su película por no actores, personas ordinarias que ejercen distintos oficios relacionados directamente con los lugares físicos en donde aquellas mujeres sufrieron alguna parte esencial de su drama. Mediante este curioso dispositivo, la directora es implacable en la postulación de la capacidad de ubicuidad y omnipresencia de ese obligado horror al que un distanciamiento impostergable (por esta vez Brecht no tiene nada que ver) no alcanza a mitigar: los improvisados actores pertenecen a distintas clases sociales y tienen trabajos diferentes, pero su relación con esas historias de pesadilla a las que prestan su voz y sus rostros parece extenderse un poco más allá de los límites de un simple nudo dramático impuesto por el guión.

El sueño del perro

Año: 2007
Origen: Argentina
Dirección: Paulo Pécora
Guión: Paulo Pécora
Intérpretes: Guillermo Angelelli, Mónica Lairana, Aldo Niebur
Fotografía: Martín Frías
Edición: Paulo Pécora, Pedro Razzari
Música: Marcelo Esquiaga
Duración: 90 minutos

por David Obarrio

El director Paulo Pécora es un caso. Con un corpus notable de cortometrajes sobre sus espaldas (que incluye videoclips para Mi tortuga Montreaux y Romina y los urbanos), estrena recién ahora y en forma restringida su película El sueño del perro, del año 2007. Desmarcado de modo notorio de las últimas tendencias del cine argentino, su trabajo se muestra venturosamente empeñado en postular las peripecias de la subjetividad como la razón de ser última de las imágenes, el punto de esencial incandescencia hacia el cual convergen decididos los vectores de eso que llamamos cine.

Cuestión de principios

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Rodrigo Grande
Guión: Rodrigo Grande, Roberto Fontanarrosa
Intérpretes: Federico Luppi, Norma Aleandro, Pablo Echarri, María Carámbula
Fotografía: Pablo Schverdfinger
Edición: César Custodio, Miguel Pérez
Música: Ruy Folguera
Duración: 109 minutos

por David Obarrio

Qué pensar de una película en la que Federico Luppi hace de caballero crepuscular y Pablo Echarri de empresario exitoso. Pese a cualquier prevención que se pueda tener, hay que decir sin embargo que nada es demasiado grave en el film de Rodrigo Grande. Después de todo, Luppi se ha constituido con un personaje similar en el verdadero centro moral de las mejores películas de Adolfo Aristarain, cuyo último y radiante avatar hasta la fecha es el robespierreano profesor de Lugares comunes, querible y odioso al mismo tiempo. Echarri por su parte, bueno, es Echarri (todo no se puede), hay que tomarlo o dejarlo, su cara se repite en estos días en el papel de joven emprendedor con mucho nervio y pocos escrúpulos. Se lo ganó al puesto. Le queda, lo hace bien. En el cuento de Roberto Fontanarrosa que sirve de plataforma a la película lo describen a su personaje como yuppie, nombre que creo que ya está en desuso y que designaba despectivamente, en la lejana Argentina de los años noventa en la que transcurría la acción, a los miembros destacados de una generación ávida de dinero y que, sobre todo, rápidamente encontraban conchavo al abrigo de las aluvionales privatizaciones de entonces.

La novia de mi mejor amigo (My Best Friend’s Girl)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Howard Deutch
Guión: Jordan Cahan
Intérpretes: Dane Cook, Kate Hudson, Jason Biggs, Alec Baldwin
Fotografía: Jack N. Green
Edición: Seth Flaum
Música: John Debney
Duración: 101 minutos

por David Obarrio

Atención: se cuenta el final de la película

La novia de mi mejor amigo está en parte recorrida por una moral que resulta extraña para una comedia mainstream. El tipo que se comporta como un verdadero cerdo se lleva a la chica. El que se desvive por ella, en cambio, el muchacho de buen corazón que solo quiere estar a su lado y atenderla como a una reina, se queda sin nada. No está mal como premisa y hace pensar en esta película como un intento de revertir cierto agotamiento que parece embargar a las comedias románticas en los últimos años, en las que suele apoderarse del relato una ñoñez rampante. Hay que decir que La novia de mi mejor amigo no lo consigue del todo pero algo tiene. Por lo menos sus enemigos están bien a la vista, aunque quizás yerre el tiro (“¿Qué, ahora ‘hacés el amor’ en vez de coger…? ¿¿Quién carajo sos, Norah Ephron??”, le larga a Tank su padre, un lúbrico Alec Baldwin cuyo personaje luce en ese momento a un tris del ataque cardíaco), y aun cuando la película parezca claudicar tras su manto lustroso de algunos de los retruécanos más divertidamente groseros jamás escuchados, su intento hecho a cara de perro y con los dientes apretados vale al final la pena.

Educando a Victor Vargas (Raising Victor Vargas)

Año: 2002
Origen: Estados Unidos, Francia
Dirección: Peter Sollet
Guión: Peter Sollet
Intérpretes: Victor Rasuk, Judy Marte, Melonie Díaz, Altagracia Guzmán, Silvestre Rasuk
Fotografía: Tim Orr
Edición: Myron I. Kerstein
Música: Roy Nathanson
Duración: 88 minutos

por David Obarrio

Pase lo que pase, siempre será sorprendente.
John Ashbery, More Pleasant Adventures

Educando a Victor Vargas es una película sostenida en la presencia de cuerpos y de objetos, de jóvenes sin ocupación aparente en un verano en el Lower East Side en el que una zona de Nueva York se convierte en el centro del mundo. O virtualmente, en el único mundo que hay. Ambientada en un barrio con mayoría de inmigrantes latinos, el director Peter Sollet construye sin embargo su película desoyendo todo llamado comprometedor de un cine étnico, decidido a eludir con olímpica energía cualquier tentación de hacer un film condicionado a representar los movimientos de un grupo o minoría particular. Los protagonistas de Educando a Victor Vargas son solo chicos con nombres hispanos, que hablan un precioso broken english, un inglés desarrapado que se constituye en la melodía feliz con la que Sollet engalana subrepticiamente su película.

Sangriento San Valentín (My Bloody Valentine)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Patrick Lussier
Guión: Todd Farmer, Zane Smith
Intérpretes: Jensen Ackles, Jaime King, Kerr Smith
Fotografía: Brian Pearson
Edición: Cynthia Ludwig, Patrick Lussier
Música: Michael Wandmacher
Duración: 101 minutos

por David Obarrio

Es difícil precisar del todo en dónde reside el leve encanto de esta película. Mostrar a un tipo con el rostro cubierto despachando gente al otro mundo es un procedimiento dramático cuya importancia en la historia del cine, así como sus declamadas delicias (hay gente para todo en esta vida), me es casi completamente ajena e indiferente. Sin embargo, algo de pasta tiene este San Valentín regado con sangre, esta escrupulosa remake del mítico film slasher de principios de los ochentas cuyo título original, ya que estamos, le dio el nombre a una banda de rock irlandesa no menos legendaria, hoy por desgracia extinta (aunque nunca se sabe a ciencia cierta): My Bloody Valentine. Los que estén interesados en saber más que busquen la información en All Music. Solo cabe agregar que si esa banda sigue sonando moderna y desafiante dos décadas después de su último disco, la película reversionada casi al dedillo que nos ocupa no puede evitar en cambio un cierto aire envejecido que el aditamento del 3D intenta disimular aunque sin conseguirlo.

Zack y Miri hacen una porno (Zack and Miri Make a Porno)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Kevin Smith
Guión: Kevin Smith
Intérpretes: Seth Rogen, Elizabeth Banks, Craig Robinson, Jerry Bednob
Fotografía: David Klein
Edición: Kevin Smith
Música: James L. Venable
Duración: 101 minutos

por David Obarrio

Hay una escena que me parece central en Zack y Miri hacen una porno, la última película del norteamericano Kevin Smith: Zack camina junto a una mujer mientras Miri lo observa echada en un sillón. Mediante un travelling que retrocede, la cámara no pierde ni por un segundo a Miri ni a la pareja que abandona la habitación hasta que desaparece finalmente de la vista por un costado del cuadro, mientras se ve en el fondo del plano a Miri que baja la cabeza y se tapa la cara con las manos. Es una señal luminosa esa escena, cuyos haces parecen desplegarse sobre la película como si se tratara de un eco voraz. Ese fragmento de film perfectamente controlado y planificado, y cuya belleza formal puede hacer acordar a esos momentos extáticos coreografiados hasta el agobio de las películas de Wes Anderson, se establece como el único pasaje evidentemente sofisticado de la película, quizás uno de los pocos en el que algo poderoso del orden de la emoción nos golpea directamente merced a una admirable disposición de los elementos de la puesta en escena. Se me dirá que de eso se trata todo este asunto del cine, justamente. La escena mencionada es el único momento auténticamente cinematográfico de Zack y Miri hacen una porno, entonces.

La chica del parque (The Girl in the Park)

Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Dirección: David Auburn
Guión: David Auburn
Intérpretes: Sigourney Weaver, Kate Bosworth, Alessandro Nivola, Elias Koteas
Fotografía: Stuart Dryburgh
Edición: Kristina Boden
Duración: 109 minutos

por David Obarrio

A falta de otras virtudes demasiado ostensibles, la primera película de David Auburn tiene en principio algo para exhibir con orgullo: discreción. Con esa palabra como credo el film discurre cautelosamente, con sus planos bañados de luz otoñal y sus breves, casi imperceptibles comentarios musicales. Sin embargo, hay un drama en el corazón de la película: una mujer (Sigourney Weaver) pierde a su pequeña hija en la plaza en donde  estaba jugando. Literalmente, la pierde de vista. El director dispone un plano en el que se ve a la niña y a la madre al fondo sentada en un banco. En el contraplano, la madre que alza la vista hacia el fuera de campo. Como en un truco de prestidigitación macabro, la hija ha desaparecido, se acaba de escurrir de la vida. Sin estallidos ni extorsiones dilatorias, el director va al grano. En una elipsis brutal, la película retoma a la mujer dieciséis años después en su regreso a la ciudad que fue escenario de su tragedia y de la que permaneció ausente durante todo ese lapso de tiempo.

Arrástrame al infierno (Drag me to Hell)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Sam Raimi
Guión: Sam Raimi e Ivan Raimi
Intérpretes: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, David Paymer
Fotografía: Peter Deming
Edición: Bob Murauski
Música: Christopher Young
Duración: 98 minutos

por David Obarrio

Se venía anunciando, con más entusiasmo que certeza: la vuelta de Sam Raimi. Pero, ¿vuelta a dónde? No importa. El gesto quiere decirlo (y explicarlo) todo: Raimi se aleja de la gran ciudad de El hombre araña, su multimillonaria saga propia (se viene la cuarta parte), y ubica la acción de su nueva película en algún lugar tirando a chico, cerca de Pasadena, California. Se sabe que cuando el director va en sentido contrario de las populosas urbes baja por lo menos dos cambios. En Premonición, escrita por el actor Billy Bob Thornton y filmada justo antes de la seguidilla del arácnido más famoso, una mujer con poderes extrasensoriales (The Gift, precisamente, como consignaba en singular el título original) tendía a perder con ellos más de lo que ganaba. Como personaje neurálgico de un pequeño pueblo, de pronto la mujer se veía envuelta en una trama policial que resultaba a la postre una excusa para que Raimi se concentrara en el drama íntimo de su padecimiento. O al menos de que lo intentara.

Desafío (Defiance)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Edward Zwick
Guión: Edward Zwick, Clayton Frohman
Intérpretes: Daniel Craig, Liev Schreiber, Jamie Bell, Alexa Davalos
Fotografía: Eduardo Serra
Edición: Steven Rosenblum
Música: James Newton Howard
Duración: 135 minutos

por David Obarrio

El hombre del bosque. Se sospechaba pero no se sabía cabalmente hasta ahora: de la cara de Daniel Craig emana un resplandor milenario; es un jeroglífico esa cara, es una piedra antiquísima sobre la que durante siglos se han descargado golpes de pico sin descanso. Ese hombre no tiene paz ni nunca la tendrá. Las abundantes peripecias de Desafío se sostienen en gran medida en el misterio doliente corporizado en ese rostro que, de pronto, se convierte en parte de la naturaleza, como si la vuelta a un ecosistema más recóndito representara la (improbable) conservación de una nobleza primigenia a la que amenaza la súbita irrupción de una violencia programada y tecnificada.

Aliento (Soom)

Año: 2007
Origen: Corea del Sur
Dirección: Kim Ki-duk
Guión: Kim Ki-duk
Intérpretes: Chang Chen, Ha Jung-Woo, Kang In-Hyung
Fotografía: Sung Jong-Moo
Edición: Wang Su An
Música: Kim Myung-Jong
Duración: 84 minutos

por David Obarrio

Como si se tratara de una verdadera costumbre argentina, las películas del coreano Kim Ki-duk vienen desde hace un buen tiempo estrenándose en nuestro país con una notable regularidad. No se sabe a ciencia cierta si se está ante un caso parecido al de Bergman, cuyo temprano enaltecimiento se le suele conceder al fallecido crítico uruguayo Homero Alsina Thevenet (que en los años sesenta repartía su tiempo entre Buenos Aires y Montevideo) pero lo concreto es que, desde que se le dedicara una retrospectiva que abarcaba su obra completa hasta ese momento en una edición del Bafici de hace varios años, Kim goza en la Argentina de una reputación que no tiene visos de agotarse (y a la que siempre consideré un auténtico misterio, dicho sea de paso).

Ponyo y el secreto de la sirenita (Gake no ue no Ponyo)

Año: 2008
Origen: Japón
Dirección: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Voces: Yuria Nara, Hiroki Doi, Jôji Tokoro, Tomoko Yamaguchi
Fotografía: Atsushi Okui
Edición: Hayao Miyazaki, Takeshi Seyama
Música: Joe Hisaishi
Duración: 100 minutos

por David Obarrio

Para Jime, que se encarga de la luz

¿Vivirán juntos Ponyo y Sosuke finalmente?¿Serán “novios” ? Así lo ha sugerido el atribulado padre de Ponyo, el mago a quien las cosas no le salen del todo bien y cuya magia, que también es poder, se muestra en verdad insuficiente para dar cuenta de la complejidad del mundo: “Encima parece que se consiguió un novio”, se queja a los vientos en un momento de máximo desasosiego en el que todo parece haberse salido de cauce. El tipo no las tiene todas consigo. Es que lejos de quedarse en una burbuja (la situación es cómicamente literal), su hija se ha aventurado por las aguas hacia la superficie, picada por la curiosidad, hasta quedar deslumbrada ante la visión de la casa en lo alto de una colina: el hogar de Sosuke, un niño de cinco o seis años que tiene un padre al que ve poco y nada, un barquito de juguete y un balde, y que debe comerse el desayuno en el auto rumbo al colegio porque si no su madre llega tarde al trabajo. Es en ese contexto en tierra firme, en ese mundo diurno aunque con borrascas (la película se inicia con unas nubes que se recortan sobre el mar) en el que lo maravilloso se realiza, pero no como discrepancia con fuerzas que se le oponen sino más bien blandamente, como si el mundo infantil (qué otra cosa podría ser el mundo según Sosuke) no fuera un escenario de contrastes irresolubles sino la posibilidad siempre abierta de la aparición del factor maravilloso en medio de lo cotidiano.

Dossier Gánsters – Películas

Katyn

Año: 2007
Origen: Polonia
Dirección: Andrzej Wajda
Guion: Andrzej Mularczyk, Andrzej Wajda
Intérpretes: Artur Zmijewski, Maja Ostaszewska, Andrzej Chyra
Fotografía: Pawel Edelman
Edición: Milenia Fiedler, Rafal Listopad
Música: Krzysztof Pendereck
Duración: 118 minutos

por David Obarrio

El nombre Katyn es la cifra secreta en la que Wajda parece representar parte del carácter funesto de la historia de Polonia en el siglo veinte. El director está acostumbrado a los grandes temas y su cine podría no ser otra cosa que una busca incansable recorriendo los pliegues neurálgicos de la historia para encontrarlos. La condición de Polonia como un fragmento suplementario de Europa (si París no lo ve, no existe) le proporciona la cantera ideal para que las cuestiones importantes puedan ser presentadas vestidas con visos de novedad y de frescura. En 1939 los nazis invaden alegremente Polonia y el ejército de ese país es diezmado y neutralizado. Como parte del pacto entre Hitler y Stalin, sin embargo, muchos de los soldados son movilizados como prisioneros hacia la Unión Soviética. En 1940, miles de esos soldados son asesinados en los bosques de Katyn por los soviéticos y nada se sabe de ellos durante años. Tras la derrota de los alemanes y el consiguiente establecimiento del régimen comunista en Polonia, se implanta la versión de que son los nazis los responsables.

El ave negra (Killshot)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: John Madden
Guión: Hossein Amini
Intérpretes: Diane Lane, Mickey Rourke, Thomas Jane, Joseph Gordon Levitt, Johnny Knoxville
Fotografía: Caleb Deschanel
Edición: Lisa Gunning, Mick Audsley
Música: Klaus Badelt
Duración: 94 minutos

por David Obarrio

El ave negra sería mejor si se llamara El pájaro negro. Ya que los responsables de la traducción local decidieron obviar el original inglés Killshot para cambiarlo por el apodo de uno de los personajes, podrían ya que estaban haber reparado en la belleza evidente de las esdrújulas, en su contundencia, en su dislocada musicalidad. Aparte, Blackbird es en la película el apodo tribal con el que llaman a Mickey Rourke, que resulta ser un killer peligrosísimo de origen indio, una especie de psicópata que se ha apartado de sus hermanos y que carga con el oprobio eterno de su comunidad. ¿Y alguien se imagina que a un indio norteamericano se lo llame “ave” en vez de “pájaro”? Ya sé, son cuestiones de la traducción, y allí todo se pierde. Pero no da. Sería como si a Sitting Bull se lo llamara Res Sosegada. Algo así. Un asesino a sueldo llamado Ave tampoco me parece pertinente.

Che – Guerrilla (Che: Part Two)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Francia, España
Dirección: Steven Soderbergh
Guión: Peter Buchman, Benjamín van der Veen
Intérpretes: Benicio del Toro, Joaquim de Almeida, Rodrigo Santoro, Franka Potente, Gastón Pauls
Fotografía: Steven Soderbergh
Edición: Pablo Zumárraga
Música: Alberto Iglesias
Duración: 126 minutos

por David Obarrio

El director Steven Soderbergh no sabe del todo qué hacer con el tema que tiene entre manos. Se dedica por ello a una reconstrucción mimética casi desenfrenada, en la que no se desatiende ningún dato (acentos, ropa, música, escenarios, idiosincrasias, tipos físicos) y cuya virtud termina constituyendo al fin la superficie lustrosa desde donde su película pide ser apreciada, quizás a su pesar. Basada en Diario de Bolivia, libro en el que el propio Che da cuenta minuciosa de las vicisitudes de su aventura revolucionaria en el país mencionado, la película de Soderbergh parece empeñada en protegerse de las iras de propios y extraños y, en esa busca de indefinición política que lo mantenga al margen de cuestionamientos ideológicos, consigue un tono neutro que se vuelve casi exquisito por su carácter prácticamente delirante.