Criatura de la noche: vampiros (Låt den rätte komma in)

Año: 2008
Origen: Suecia
Dirección: Tomas Alfredson
Guión: John Ajvide Lindqvist
Intérpretes: Kåre Hedebrant, Per Ragnar, Henrik Dahl
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Edición: Tomas Alfredson y Dino Jonsäter
Música: Johan Söderqvist
Duración: 115 minutos

por Aníbal Perotti

Los copos de nieve iluminan un suburbio perdido de Estocolmo. Naturaleza inquietante, calles desiertas, edificios lúgubres. Eli llega una tarde y se instala en el departamento vecino al de Oskar, un chico rubio, diáfano y frágil que vive torturado por sus compañeros y su deseo de venganza. Criaturas de la noche es una auténtica película sueca, hecha de nieve, sufrimiento interior e infinitas noches de invierno. Una polifonía extraña que mezcla la puesta en escena de la alienación de Oskar y la extrañeza radical de Eli, al tiempo que alterna los puntos de vista de diferentes personajes para evocar un malestar colectivo difuso. El virtuosismo estético para la organización de los planos y los movimientos de cámara está unido a la densidad narrativa y al rigor matemático con el que Alfredson encadena los acontecimientos, que oscilan entre horror y belleza, alarido y silencio, realismo y alucinación.

La invención de la carne

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Loza
Guión: Santiago Loza
Intérpretes: Umbra Colombo, Diego Benedetto, Gaby Lerner, Lisandro Rodríguez
Fotografía: Guillermo Saposnik
Edición: Lorena Moriconi
Música: Christian Basso
Duración: 82 minutos

por Aníbal Perotti

Luego de un prólogo formal con imágenes oníricas, La invención de la carne comienza en la sala esterilizada de un hospital donde un grupo de estudiantes observa los gestos de un profesor que examina el cuerpo de una mujer que parece muerta. En este universo frio y misterioso, los dos protagonistas se encuentran por primera vez. La que parecía muerta es María, una joven solitaria que presta su cuerpo a cualquier tipo de experiencia, y uno de los mirones es Mateo, un extraño estudiante de medicina que apacigua sus angustias en el agua de una pileta pública. Pero en realidad, los protagonistas son los cuerpos. Cuerpos que sufren, se aíslan, se expulsan y buscan otros cuerpos. Él rechaza su cuerpo con disgusto, ella utiliza el suyo para el placer de otros. Los dos cuerpos están siempre en primer plano, pero son demasiado torpes y temerosos, no saben tocarse, no pueden ponerse en contacto.

MR 73: la última misión (MR 73)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Olivier Marchal
Guión: Olivier Marchal
Intérpretes: Daniel Auteil, Olivia Bonamy, Catherine Marchal, Francis Renaud
Fotografía: Denis Rouden
Edición: Raphael Urtin
Música: Bruno Coulais
Duración: 125 minutos

por Aníbal Perotti

Lo importante no es filmar bien, sino filmar.
Jean-Luc Godard

Olivier Marchal hace películas para ajustar cuentas con su pasado en la fuerza policial. La catarsis resulta demasiado evidente y sus desbordes de rabia se traducen en una tendencia al exceso a la hora de retratar la mediocridad del género humano y el cinismo de la institución. Sin embargo, el atractivo componente autobiográfico sumado a dos actores de prestigio lograron que El muelle fuera celebrada por gran parte de la crítica y el público, felices de encontrar a un humilde artesano capaz de fabricar una película de género popular, lejos de los delirios elitistas del cine de autor.

La canción de París (Faubourg 36)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Christophe Barratier
Guión: Christophe Barratier
Intérpretes: Gérard Jugnot, Clovis Cornillac, Kad Merad, Pierre Richard
Fotografía: Tom Stern
Edición: Yves Deschamps
Música: Reinhardt Wagner
Duración: 120 minutos

por Aníbal Perotti

Algún desprevenido tal vez haya visto en Christophe Barratier a un cineasta utópico incapaz de ocultar sus buenas intenciones, que con el drama histórico Los coristas nos enseñó que el autoritarismo no es necesario, ya que el pueblo puede ser educado a través del arte, la música y la emoción colectiva de un coro. Envalentonado con las mieles del éxito, ahora el audaz autor vuelve a destapar el frasco de formol y redobla la apuesta con La canción de París. La película es un elogio a la fraternidad, a la lucha mancomunada contra el desempleo (y contra los extremistas), que utiliza como único estandarte la plena confianza en la solidaridad. En esta ocasión, las viñetas edificantes incluyen una historia de amor, un drama entre padres e hijos y alguna que otra traición, todo bajo una estética de cartón pintado y fondo de acordeón.

Cenizas del tiempo (Dung che sai duk redux) – Estreno en DVD ampliado

Año: 1994-2008
Origen: Hong Kong, China, Taiwán
Dirección: Wong Kar-wai
Guión: Wong Kar-wai
Intérpretes: Leslie Cheung, Tony Leung Ka Fai, Brigitte Lin, Tony Leung Chiu Wai, Carina Lau, Maggie Cheung
Fotografía: Christopher Doyle
Edición: William Chang Suk Ping, Patrick Tam
Música: Frankie Chan, Roel A. Garcia
Duración: 93 minutos

por Aníbal Perotti

En el curso del tiempo. En el universo místico de las artes marciales de Cenizas del tiempo sólo quedan ecos difusos de un pasado que se desmorona. La cronología fue sometida a un caos temporal y la lógica onírica transformó la nostalgia en poesía. El tono de la materia, el movimiento falso, la última instancia de lo abstracto buscan eludir la fatalidad. El héroe atormentado por su memoria quiere revancha. El autor obsesionado con el tiempo intenta redimirse y vuelve a montar su obra maldita.

Entre nosotros (Alle Anderen)

Año: 2009
Origen: Alemania
Dirección: Maren Ade
Guión: Maren Ade
Intérpretes: Birgit Minichmayr, Lars Eidinger, Nicole Marischka, Hans-Jochen Wagner y Paula Hartmann
Fotografía: Bernhard Keller
Edición: Heike Parplies
Música: Florian Beck
Duración: 88 minutos

por Aníbal Perotti

El estado de excitación permanente que provoca el Bafici hace que uno pase fácilmente de la euforia a la irritación. Entre nosotros iba a ser mi última película de un día típico de festival, pero hubo un problema técnico a mitad de la proyección en el Atlas Santa Fé y, luego de varios minutos de espera, anunciaron que la función continuaría media hora más tarde. Yo estaba cansado, desconfiaba de la media hora, y la película, luego de un comienzo prometedor, me resultaba a esa altura demasiado conversada. Decidí entonces abandonar la sala y reponer energías para el día siguiente. Al final, Maren Ade ganó el premio a la mejor dirección en el festival y la película se acaba de estrenar comercialmente en 35mm, refutando aquella máxima que dice que las películas que se exhiben en el Bafici nunca se estrenan o, con suerte, salen en DVD. Luego de una segunda visión (la primera completa), lo primero que hay que admitir es que estamos ante una directora consciente de la historia del cine y de su lugar como realizadora contemporánea. Maren Ade retrata con extrema sensibilidad las grietas de una pareja en descomposición sin cargar demasiado las tintas ni condenar a sus personajes. La película trasmite el desamparo emocional de una generación apoyándose en un medio tono amable y ambiguo.

Las flores del cerezo (Kirschblüten-Hanami)

Año: 2008
Origen: Alemania, Francia
Dirección: Doris Dörrie
Guión: Doris Dörrie
Intérpretes: Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki, Maximilian Brückner
Fotografía: Hanno Lentz
Edición: Frank C. Müller, Inez Regnier
Música: Claus Bantzer
Duración: 127 minutos

por Aníbal Perotti

“El personaje se ha transformado en una suerte de espectador. Por más que se mueva, corra y se agite, la situación en que se encuentra desborda por todas partes su capacidad motriz”.
La imagen tiempo, Gilles Deleuze

El cine de Doris Dörrie retrata historias de gente común que vive un presente determinado por las oportunidades perdidas, sus personajes se encuentran por lo general sin respuesta ni posibilidad de acción ante una realidad social marcada por la fragmentación y el desencanto. El tono de comedia de sus primeras películas le permitió acceder a un núcleo vedado por la sociedad alemana y hablar de las carencias encubiertas por el bienestar económico, siempre con una aparente liviandad que se convertiría con el tiempo en su marca de fábrica. Su mayor éxito en nuestro país se produjo hace algo más de diez años, cuando Nadie me quiere estuvo en cartel más de seis meses a sala llena en el cine Cosmos. Poco tiempo después, la directora vino a presentar ¿Soy linda? al primer festival de cine alemán en el Lorca. Una vez finalizada la  proyección, Dörrie se prestó a un amable diálogo con los espectadores y confesó, de muy buen humor, que nunca había estado en un cine tan largo.

Los abrazos rotos

Año: 2009
Origen: España
Dirección: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Intérpretes: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Tamar Novas
Fotografía: Rodrigo Prieto
Edición: José Salcedo
Música: Alberto Iglesias
Duración: 127 minutos

por Aníbal Perotti

La mejor escena del año. Los últimos trabajos de Pedro Almodóvar confirman el perfeccionamiento de un estilo y la maduración de un universo estético y temático propio, pero han perdido en cambio la frescura kitsch y el humor irreverente de sus primeras épocas. Podríamos afirmar que, a priori, éstos no son tiempos de rupturas o innovaciones formales y que, en resumidas cuentas, su cine ya no sorprende. Los primeros datos sobre su nueva película parecen confirmar los pronósticos: un director de cine atrapado por la ficción, la madre posesiva de un bello adolescente, un amor quebrantado por un accidente automovilístico y hasta una secuencia entera de la película con la que saltó a la fama. Afortunadamente, este reciclaje no es análogo a la falta de inspiración. Los abrazos rotos rebate todas las expectativas y razonamientos previos. Almodóvar se juega, va un paso más allá en la conjugación de recursos estilísticos y visuales, y entrega una película profusa, excesiva, inabarcable en una primera visión.

Algún día comprenderás (Plus tard tu comprendras)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Amos Gitaï
Guión: Jérôme Clément
Intérpretes: Jean Moreau, Hippolyte Girardot, Emmanuel Devos, Dominique Blanc
Fotografía: Caroline Champetier
Edición: Isabelle Ingold
Música: Louis Sclavis
Duración: 89 minutos

por Aníbal Perotti

La historia de la familia de Jérôme Clément, una de las grandes figuras del mundo de la cultura y los medios de comunicación europeos (fue director general del instituto francés de cine y presidió desde sus orígenes la cadena franco alemana de televisión ARTE), es singular y dolorosa. Sus abuelos maternos judíos fueron deportados durante la guerra y el  departamento parisino donde vivían fue ocupado por sus otros abuelos. Clément se enteró de esta espantosa expoliación interfamiliar cuatro décadas más tarde y decidió escribir un libro que el director Amos Gitaï adaptó a la pantalla grande, realizando una brillante apropiación del relato. Algún día comprenderás retrata de manera sutil e inteligente los rastros de aquella tragedia en el presente y el modo en el que la historia se transmite al plano íntimo y familiar.

Mentiras piadosas

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Diego Sabanés
Guión: Diego Sabanés
Intérpretes: Marilú Marini, Claudio Tolcachir, Paula Ransenberg, Walter Quiroz, Víctor Laplace y Lydia Lamaison
Fotografía: Julián Elizalde
Edición: Alberto Ponce
Música: Rudy Gnutti
Duración: 100 minutos

por Aníbal Perotti

Manuel Antín fue el más fiel y consecuente (y también el primero) de los grandes directores que llevaron la obra de Cortazar a la pantalla grande en la década del 60. Antín, acusado en su época de hermético y formalista, toma el cuento Cartas de mamá para realizar La cifra impar, una película emblemática que consigue crear una forma cinematográfica capaz de transmitir el clima y las rupturas temporales del texto literario. El director estructura el relato a través de la memoria y utiliza el tiempo como elemento subjetivo, moviéndose constantemente entre pasado y presente, Buenos Aires y París, los muertos y los vivos, lo real y lo imaginado. Luego vinieron otras adaptaciones de Antín (Circe e Intimidad en los parques) y Osías Wilenski (El perseguidor) en Argentina y, en sintonía con el creciente reconocimiento internacional del escritor, Michelangelo Antonioni (Blow up) y Jean-Luc Godard (Week end) en el plano internacional. Directores modernos adaptando a un autor moderno. Cuatro décadas más tarde, Diego Sabanés (director egresado de la universidad del cine que comanda Manuel Antín) vuelve a abrir el círculo, utilizando el cuento La salud de los enfermos para su opera prima Mentiras piadosas.

My Winnipeg – Estreno en digital

Año: 2007
Origen: Canadá
Dirección: Guy Maddin
Guión: Guy Maddin
Intérpretes: Ann Savage, Louis Negin, Amy Stewart, Darcy Fehr
Fotografía: Jody Shapiro
Edición: John Gurdebeke
Duración: 80 minutos

por Aníbal Perotti

Me gusta recordar las cosas a mi manera. Las recuerdo a mi modo, no necesariamente como sucedieron.
Fred Madison en Carretera perdida de David Lynch

Amarcord. En la nevada y sonámbula Winnipeg, el frío es un estado emocional. La nostalgia corroe la superficie de la memoria. Arterias, venas de hierro, finas capas de tiempo, asfalto y nieve. Nieve y espíritu, realidad y fantasma, blanco y negro. La ciudad dominada por el rostro de una madre, ángel impasible, dulce y aterrador. El poder atroz de la familia y la ciudad. El retorno a la matriz, un regazo lanudo, la casa de la infancia. Aromas de orina, leche materna y sudor. Enigmático delirio que fascina y provoca un trance contagioso. Viaje físico y mental por un mundo de sonidos asfixiados. Blanco, bloque, casa.

¿Qué pasó ayer? (The Hangover)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Todd Phillips
Guión: Jon Lucas, Scott Moore
Intérpretes: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Heather Graham
Fotografía: Lawrence Sher
Edición: Debra Neil Fisher
Música: Christopher Beck
Duración: 98 minutos

por Aníbal Perotti

Primero hay que vencer la resistencia a enfrentarse una vez más con la típica película del subgénero (por llamarlo de algún modo) “despedida de soltero” en la que un grupo de jóvenes burgueses deciden tener una noche de juerga, generando un módico suspenso con la posible suspensión de la boda, hasta que finalmente todo vuelve a su cauce, el futuro esposo le pide perdón a la novia y le jura que una vez casados nunca volverá a ocurrir semejante cosa. Llegado este punto, si estamos dispuestos a aceptar un final previsible y conservador sin hacernos mala sangre, podremos descubrir que el segmento central de ¿Qué pasó ayer? contradice por momentos el postulado anterior y logra poner en evidencia el aspecto ridículo, obsceno y regresivo de la vida cotidiana.

Demasiado amor (Peperoni ripieni e pesci in faccia)

Año: 2004
Origen: Italia
Dirección: Lina Wertmüller
Guión: Umberto Marino, Elvio Porta, Lina Wertmüller
Intérpretes: Sophia Loren, F. Murray Abraham, Emiliano Coltorti
Fotografía: Giuseppe Lanci
Edición: Pierluigi Leopardi
Música: Lilli Greco
Duración: 98 minutos

por Aníbal Perotti

La Loren visita a Los Cubrepileta. Demasiado amor es un bodrio mayúsculo cuyo único mérito es demostrar que Sofía Loren, una de las mujeres más bellas de la historia del cine, ha envejecido dignamente. La Loren interpreta a una mujer temperamental del sur de Italia casada con un ex periodista norteamericano (caprichos de la coproducción) que abandonó su profesión para dedicarse a la pesca (caprichos del guión). Al comenzar la película nos enteramos que la Loren discutió con el pescador y lo mandó a dormir a su barco, aunque ahora está dispuesta a perdonarlo porque se aproxima el cumpleaños de la nona y hay que evitarle un disgusto. Pero cuando la Loren desciende al barco cargando los salamines de la reconciliación, encuentra entre los papeles del pescador un poema de amor destinado a la rubia que atiende la farmacia. Ahí nomás se arma la rosca.

Cous cous, la gran cena (La graine et le mulet)

Año: 2007
Origen: Francia
Dirección: Abdellatif Kechiche
Guión: Abdellatif Kechiche
Intérpretes: Habib Boufares, Hafsia Herzi, Farida Benkhetache
Fotografía: Lubomir Bakchev
Edición: Ghalya Lacroix, Camille Toubis
Música: Martín Bianchedi, Eduardo Frigerio
Duración: 151 minutos

por Aníbal Perotti

En la primera escena Kader protagoniza un juego de seducción y riesgo que culmina con una palmada en las nalgas desnudas de su amante en medio de una multitud. Un clap inaugural cómico y apacible que deja lugar velozmente a un momento de gran tensión dramática en el que Slimane, el padre de Kader, se enfrenta cara a cara con un jefe que lo considera poco productivo. Kechiche cambia de escena y de género a gran velocidad. La narración avanza mediante grandes elipsis. El director rechaza la forma más convencional de evolución psicológica de los personajes en el tiempo y se concentra en el trayecto que cada uno de ellos realiza en la escena, incluso en el plano.

Comentario de un espectador sobre Ponyo

Lo que van a leer a continuación no es una crítica sino un comentario de un espectador que disfrutó mucho Ponyo. Uno de nuestros redactores lo anotó (se lo dictaron) y, como nos gustó, lo subimos.

por Franco y Aníbal Perotti

Una música hermosa. La gente tira mucha basura y entonces Ponyo fue a parar adentro de un frasco. Un nene llamado Sasuke de cinco años la sacó rompiendo el frasco con una piedra. Y entonces puso a Ponyo en un balde lleno de agua. Era un pez rojo. Lo llevó al jardín y a una nena le escupió agua. A una abuela también le escupió. Sasuke vivía arriba de una montaña con la mamá. El papá vivía en un barco y entonces cuando pasaba cerca le hacía señas con luces y escribía mandando mensajes. Una vez se trabó el motor del barco y entonces vino la mamá de Ponyo que era la madre de la naturaleza y lo destrabó.

Dossier Gánsters – Películas

Sonrisas y lágrimas (Giorni e nuvole)

Año: 2007
Origen: Italia, Suiza
Dirección: Silvio Soldini
Guión: Silvio Soldini, Doriana Leondeff, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli
Intérpretes: Margherita Buy, Antonio Albanese, Alba Rohrwacher
Fotografía: Ramiro Civita
Edición: Carlota Cristiani
Música: Giovanni Venosta
Duración: 118 minutos

por Aníbal Perotti

La nueva película de Silvio Soldini comparte con El empleo del tiempo, la obra maestra de Laurent Cantet, un protagonista que le oculta a su familia su condición de desempleado. Lamentablemente esta es la única coincidencia. Cantet se concentra en la deriva de un personaje que viaja al azar por caminos que no llevan a ninguna parte, durmiendo en el auto o comiendo en bares impersonales, y que se precipita en una espiral de mentiras para sostener el engaño. La puesta en escena acompaña el comienzo lento e inestable de un protagonista que no está aún plenamente afirmado en el arte de la simulación, y se va deslizando hacia la estética del film noir a medida que el personaje se perfecciona y redobla su apuesta. El empleo del tiempo es una película compleja e inquietante que invita a cuestionar las instituciones del trabajo y la familia como pilares de la sociedad. Sonrisas y lágrimas está en el extremo opuesto, Soldini plantea muchos temas pero se queda siempre en la superficie, reduce todo el conflicto al deterioro de la relación de pareja y entrega un final tranquilizador.

El sol (Solntse)

Año: 2005
Origen: Rusia, Italia, Suiza, Francia
Dirección: Alexander Sokurov
Guión: Yury Arabov
Intérpretes: Issey Ogata, Robert Dawson, Kaori Momoi
Fotografía: Elena Zhukova
Edición: Sergey Yvanov
Música: Andrey Sigle
Duración: 110 minutos

por Aníbal Perotti

El artista no tiene derecho a proyectar todas sus emociones o todo lo que le interesa hacia el público. Su emoción por un sujeto debe metamorfosearse en la calma olímpica de la forma. Sólo entonces podrá revelar lo que lo emociona de verdad.
Andrei Tarkovski, Esculpir en el tiempo

El eclipse. Hace exactamente diez años (cuando la cartelera comercial  todavía daba lugar a sorpresas) se estrenaba en Argentina Madre e hijo de Aleksandr Sokurov, una película única e irrepetible de un impactante poder visual que, casi sin movimientos de cámara, genera en el espectador una inolvidable experiencia emocional.  Fuertemente influenciado por el ícono, expresión artística donde la perspectiva está anulada con el objeto de rehuir de cualquier realismo, el director construye un sistema de espejos deformantes que producen sugerentes distorsiones en la imagen y operan como una verdadera pintura sensorial revelando una profunda melancolía. Desde entonces, las películas de Sokourov utilizan de forma recurrente ciertos artificios como la bruma, la banda sonora en segundo plano, o una monocromía dominante que remiten al cine de su maestro Andrei Tarkovski, al que le dedicó el documental homenaje Elegía de Moscú.

El primer día del resto de nuestras vidas (Un conte de Noël)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Arnaud Desplechin
Guión: Arnaud Desplechin, Emmanuel Bourdieu
Intérpretes: Catherine Denueve, Mathieu Amalric, Chiara Mastroianni
Fotografía: Eric Gautier
Edición: Laurence Briaud
Música: Grégoire Hetzel
Duración: 150 minutos

por Aníbal Perotti

La familia Desplechin. Mi primer contacto con el cine de Arnaud Desplechin se produjo en un ciclo de Nuevo Cine Francés en la Sala Lugones a fines de 1997, donde pude ver Comment je me suis disputé (ma vie sexuelle), una película ambiciosa y visualmente fascinante, con una decena de personajes muy bien construidos entre los que se destacaba el protagonista principal, Mathieu Amalric (también era la primara vez que veía al actor). Recuerdo que salí de la sala con el deseo irrefrenable de volver a ver la película pero, como era la última función, decidí buscar en algún videoclub otra dirigida por Desplechin (o actuada por Amalric). Aquella tarde busqué en vano, aunque luego, gracias al festival de Mar del Plata y al BAFICI primero, y con la ayuda de Internet más tarde, pude completar la filmografía de Desplechin, un brillante narrador que ha creado una familia, con rostros, nombres y figuras que trazan una genealogía particular que reencontramos una y otra vez, generando sugerentes ecos en nuestra memoria.

Festival Internacional de Cine y Video de Derechos Humanos

.

El 10 de junio terminó oficialmente la onceava edición del Festival Internacional de Cine y Video de Derechos Humanos que había comenzado el pasado 27 de mayo. Un festival que dejó un sabor algo amargo y algunos interrogantes. Para empezar, resulta al menos llamativo que un gobierno que ha hecho de los derechos humanos su plataforma electoral le dé casi por completo la espalda a esta emisión (y a las pasadas). La nula difusión que tuvo fue por falta de presupuesto y del debido interés de quienes se supone deben promocionar tales actividades, como el Incaa o la Secretaría de Cultura, por nombrar solo dos organismos al azar; así, el festival fue para unos pocos. La organización no pudo (o no supo) aprovechar la amplia y variada red de exhibición con que contaba y en muchas oportunidades se proyectaron películas en salas completamente vacías. Hay una suerte de cine “urgente” que muestra realidades que ocultan otros medios y que merece ser difundido más allá de sus valores cinematográficos, pero paradójicamente a este cine lo termina viendo muy poca gente, o directamente nadie. Es loable que ante esta situación el Festival extienda su propuesta cinematográfica a otros ámbitos tales como foros, charlas, visitas guiadas a la Esma, etcétera, aunque esas actividades tampoco tuvieran la difusión necesaria.