Camino a la redención (The Burning Plain)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos, Argentina
Dirección: Guillermo Arriaga
Guión: Guillermo Arriaga
Intérpretes: Charlize Theron, Kim Basinger, Jennifer Lawrence, Joaquim de Almeida
Fotografía: Robert Elswit, John Toll
Edición: Craig Wood
Música: Omar Rodriguez-Lopez, Hans Zimmer
Duración: 106 minutos

por Diego Maté

Rompecabezas. Hace tiempo ya que la apuesta de la industria estadounidense por un cine moderno se limita al trabajo alrededor de un formato narrativo en especial: el relato coral con ínfulas sociales. Hay mucho del espíritu de la modernidad que estas películas intentan reflejar y abordar, como el achicamiento a la vez que la intensificación de las brechas culturales e ideológicas, la reducción de las distancias geográficas (el mundo se vuelve un lugar suceptible de ser recorrido en su totalidad) y la articulación no lineal de los tiempos de la historia, como también un marcado acento en la idea de un tiempo o experiencia común, compartido por todos los personajes. El caso más paradigmático de este cine (me cuesta llamarlo “género”, en todo caso se trataría de una suma de géneros amontonados bajo el formato coral) es la obra de Alejandro Iñárritu, y la película que mejor representa a esta (ya no tan) nueva forma de contar historias, más allá de sus logros cinematográficos, probablemente sea Babel.

Novedades

VARIOS

La Mississippi en The Roxy / IX Festival de Cine Alemán / Enemigos públicos. Otra mirada /Sobre Hayao Miyazaki / Comentario de un espectador sobre Ponyo / Chevy Rockets en Dub Club / Dossier Gángsters / Lanzamiento de The Blackest Night / Festival Internacional de Cine y Video de Derechos Humanos

ÚLTIMAS CRÍTICAS

Camino a la redención por Diego Maté / Los amantes por David Obarrio / Sangre del Pacífico por Diego Maté / MR 73: la última misión por Aníbal Perotti / Ellos son, Los violadores por David Obarrio / Unidad 25 por Laura Gehl / El último verano de la boyita por Ezequiel Villarino / El corredor nocturno por Diego Maté / La canción de París por Aníbal Perotti / Shotgun Stories por David Obarrio / Waz por Diego Maté / Boogie, el aceitoso por Ezequiel Villarino / Mi vida en Grecia por Laura Gehl / Cenizas del tiempo por Aníbal Perotti / Lejano por David Obarrio / La sociedad de la nieve por Ezequiel Boetti / This is It por Diego Maté

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y ocho

Un sábado más en nuestro querido programa, con un clásico a cuestas y una cuenta que saldar esta vez. Es que en algunas oportunidades las cosas nos salen y en otras no. Pasó el Festival de Cine de Mar del Plata y nos quedamos en nuestra última emisión sin informe en vivo, como teníamos preparado y hubiéramos querido. De modo que reparamos el bache y traemos directamente a nuestro cronista festivalero en calidad de invitado especial a la radio para que nos cuente todo, lo bueno, lo malo y lo feo. Además, comentamos Tiburón, el ultraclásico film de Steven Spielberg, que ninguno de los integrantes de Cinemarama llegó a ver en pantalla grande pero que igual todos recuerdan, algunos siendo unos niños frente a la pantalla del televisor, ajustando cada tanto el tracking que se desacataba. Qué decir de las andanzas del escualo maldito que no se haya dicho ya, al margen de su carácter casi perfecto como cine popular de enorme calidad. Hubo un tiempo que fue hermoso, evidentemente. De esas y otras cosas vamos a hablar, mientras pasamos canciones lindísmas de la década del setenta que tanto nos gustan. ¿Y estrenos? Cómo no, ¿a ver qué hay? Sí, Los amantes, la película de James Gray que, dice algún exagerado que la vio, es tranquilamente una de las mejores del año. ¿Para tanto es la cosa? Los demás refunfuñan escépticos. Discusión asegurada, entonces. Los esperamos como siempre este sábado, de 17 a 18 hs, en Radio Quasar. Si van a la costa y el mar está muy frío no se quejen, peor es bañarse en las playas de Amity.

Cinemarama Radio

Los amantes (Two Lovers)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: James Gray
Guión: James Gray, Ric Menello
Intérpretes: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Issabella Rossellini, Elias Koteas
Fotografía: Joaquín Baca-Asay
Edición: John Axelrad
Duración: 110 minutos

por David Obarrio

La película más impredecible del año resulta ser también una de las más hermosas. Aunque el director James Gray parezca decirlo en voz apenas audible, muchos de los planos de Los amantes, imbuidos de una inusual elegancia nocturna, aparentan sucederse prácticamente a su aire, encantados y perplejos, casi como si reprodujeran la lógica secreta que rige el universo de los sueños. Sabíamos algo hasta ahora, no demasiado en verdad, del modo particular del director para trabajar. Solamente cuatro películas en catorce años: demasiado poco para llamar a la extraña trayectoria de Gray una carrera. Con el desapego y la indiferencia de un dandy (digámoslo: nadie triunfa en Hollywood de ese modo), con su cuidado extremo por las formas y su particular atención al acabado de sus películas, que se recuerdan como bellos fragmentos desperdigados en el tiempo, el director parece no cejar, mediante el cultivo de una insultante renuencia, en constituir un caso notable de baja productividad, quizá a la altura del de Terence Malick.

Sangre del Pacífico

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Boy Olmi
Guión: Boy Olmi
Intérpretes: Delfi Galbiatti, Ana Celentano, Emilia Paino, China Zorrilla
Fotografía: Ricardo de Angelis
Edición: Matías Casagrande
Música: Mariano Otero
Duración: 100 minutos

por Diego Maté

Podría marcarse una diferencia entre las películas argentinas malas que manipulan y bajan línea, y las que siendo malas no intentan convencer de algo sino que solamente se limitan a tratar de contar una historia. En el primer grupo estarían con seguridad Anita, Rodney o Nunca estuviste tan adorable, y en el segundo Toda la gente sola o Mentiras piadosas. A Sangre del Pacífico se la podría incluir en el segundo grupo. La película de Boy Olmi es un verdadero rejunte de clisés, diálogos flojos y elipsis narrativas inútiles, pero en ningún momento se intenta generar un discurso social respecto de uno de los temas que más se dedica a elaborar el guión: la vida de las mujeres que vienen a la Argentina en busca de un trabajo de empleada doméstica. El tema no solo está encuadrado dentro de ciertos límites discursivos, sino que incluso dando la palabra a los personajes marginados que padecen esa condición, nunca se llega a caer en la denuncia fácil.

MR 73: la última misión (MR 73)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Olivier Marchal
Guión: Olivier Marchal
Intérpretes: Daniel Auteil, Olivia Bonamy, Catherine Marchal, Francis Renaud
Fotografía: Denis Rouden
Edición: Raphael Urtin
Música: Bruno Coulais
Duración: 125 minutos

por Aníbal Perotti

Lo importante no es filmar bien, sino filmar.
Jean-Luc Godard

Olivier Marchal hace películas para ajustar cuentas con su pasado en la fuerza policial. La catarsis resulta demasiado evidente y sus desbordes de rabia se traducen en una tendencia al exceso a la hora de retratar la mediocridad del género humano y el cinismo de la institución. Sin embargo, el atractivo componente autobiográfico sumado a dos actores de prestigio lograron que El muelle fuera celebrada por gran parte de la crítica y el público, felices de encontrar a un humilde artesano capaz de fabricar una película de género popular, lejos de los delirios elitistas del cine de autor.

Ellos son, Los violadores

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Juan Riggirozzi
Guión: Juan Riggirozzi
Fotografía: Otmar Pucheta
Música: Los violadores
Duración: 98 minutos

por David Obarrio

Es cierto que Los violadores nunca fueron del todo una gran banda de rock: un astuto rudimentarismo musical, sumado al gozosamente asumido y novedoso mote de primer grupo de punk criollo, en el que lo particular podía así adquirir un aire de universalidad y de autoridad cosmopolita, sumado a un trabajo en el que se ponía el pecho sin saber en realidad con qué resultados, le sirvieron a Piltrafa y compañía para forjarse una modesta aunque persistente leyenda, moldeada por lo menos a la altura de sus requerimientos. Es que en verdad había que estar ahí como ellos lo hacían, a principios de la década del ochenta, cantando (gritando) como desaforados esa palabra “represión”, que hoy parece volver a destiempo y más bien irresponsablemente. Fiesta negra, carnaval de sótano, conjuración de los demonios del miedo, los empeñosos recitales de Los violadores (por lo menos una vez, en algún afiche, anunciados como Los voladores) podían terminar, y no era nada raro, en una razzia, con palos bien repartidos y visitas forzadas a la seccional más cercana.

Unidad 25

Año: 2008
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Alejo Hoijman
Guión: Alejo Hoijman
Fotografía: Gastón Girod
Edición: Alejo Hoijman
Sonido: Diego Martínez
Duración: 93 minutos

por Laura Gehl

Atención: se cuenta el final de la película

Hay algunos elementos en Unidad 25 que hacen que sea un documental de dudosa credibilidad (y a la vez que no importe demasiado): la película comienza con un plano dentro de un celular que, en medio de la noche, transporta presos desde una unidad carcelaria hacia otra, en este caso desde la Unidad 1 a la 25, ambas pertenecientes al Penal de Olmos. En el viaje, la cámara se detiene en Simón Pedro (¡qué nombre para caer en una cárcel evangelista!). Simón es un chico de unos veinte años, y se lo nota sereno y tranquilo. Simón, además, no responde a las características físicas que el imaginario de clase media (construido por la televisión) tiene –equivocadamente– de los presos; y aunque pueda sonar políticamente incorrecto, ése es un factor que de alguna manera descoloca al espectador, sobre todo por el posterior desarrollo de la película.

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y siete

Programa con todo este sábado en Cinemarama. Llega a nuestra sección de películas clásicas nada menos que Michelangelo Antonioni con La noche, una de las míticas obras que transformaron a su director en un autor indispensable para el cine moderno. Venerado y discutido en partes iguales, Antonioni se especializa en despiadados estudios sobre las relaciones humanas en el contexto de un mundo en donde una crisis subterránea adquiere la apariencia de una satisfecha prosperidad. Escucharemos la jazzera banda de sonido de la película a la que agregamos, ya que estamos en tema, las extraordinarias partituras que compusieran Duke Ellington y Miles Davis para Anatomía de un asesinato y Un ascensor para el cadalso respectivamente (¡aprendan, qué nos vienen con Danny Elfman!). Como todos saben, el programa nos encontrará en pleno auge del Festival de Mar del Plata, así que si los astros se alinean y el buen Hitchcock que están los cielos se apiada, tendremos a un enviado estrella desde lugar de los hechos, decidido a informarnos todo lo que allí ocurra, festicholas incluidas, si se anima. Por otro lado, nos pelearemos al aire por algún estreno sin muchas luces, de esos que nunca faltan. Y además, si no saben nada del cine de la India, les conviene escuchar porque daremos todos los detalles de un ciclo gratuito imperdible. En fin, y no sabemos qué más porque, francamente, ya no nos va a dar el tiempo para otra cosa. Todo esto, como siempre, podrá ser disfrutado en Radio Quasar, igual que todos los sábados de 17 a 18 hs. No fallen que se nos viene la noche.

El último verano de la boyita

Año: 2009
Origen: Argentina, España, Francia
Dirección: Julia Solomonoff
Guión: Julia Solomonoff
Intérpretes: Guadalupe Alonso, María Clara Merendino, Nicolás Treise
Fotografía: Lucio Bonelli y Julia Solomonoff
Edición: Rosario Suárez y Andrés Tambornino
Música: Sebastián Escofett
Duración: 93 minutos

por Ezequiel Villarino

El segundo largometraje de Julia Solomonoff es un relato que se estructura a partir de una temática demasiado abordada por el cine nacional en los últimos tiempos: el despertar sexual. Sumado a esto, el film se ahoga en constantes clichés, una innegable estética pintoresca for export y una manera de desarrollar lo narrado que no escapa jamás al cálculo y a lugares comunes que son fácilmente reconocibles. Nada sorprende y todo ya ha sido visto con mejor elaboración en films como La ciénaga, La rabia y, en particular, XXY.

El corredor nocturno

Año: 2009
Origen: Argentina, España
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Nicolás Saad
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Miguel Ángel Solá, Erica Rivas
Fotografía: Alfredo Mayo
Edición: Fernando Pardo
Música: Lucio Godoy
Duración: 98 minutos

por Diego Maté

Atención: se cuenta el final de la película

Los paranoicos. Fueron películas como la misma El corredor nocturno, con su gusto traicionero por los personajes imaginarios, las que nos volvieron desconfiados, incrédulos. Fueron Sexto sentido, Una mente brillante, El club de la pelea: todas colaboraron en distintos grados y niveles. Estas películas juegan decididamente al engaño, pero no en los términos cinematográficos de, por ejemplo, Brian De Palma, sino de manera ramplona, boba, sirviéndose de la mentira como puro golpe de efecto: en determinado momento de la historia, se revela que tal o cual personaje fundamental para la trama no existe más que en la mente del protagonista (por lo general, un desequilibrado, un caso para la psicología). La vuelta de tuerca en su versión más efectista y menos interesante: ya no se trata de un giro en la trama, sino directamente de la no-existencia del (la mayoría de las veces) alter-ego del protagonista, y por ende, de la manifestación de lo precario de su estado intelectual. La psicología cinematográfica muestra su lado más berreta.

La canción de París (Faubourg 36)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Christophe Barratier
Guión: Christophe Barratier
Intérpretes: Gérard Jugnot, Clovis Cornillac, Kad Merad, Pierre Richard
Fotografía: Tom Stern
Edición: Yves Deschamps
Música: Reinhardt Wagner
Duración: 120 minutos

por Aníbal Perotti

Algún desprevenido tal vez haya visto en Christophe Barratier a un cineasta utópico incapaz de ocultar sus buenas intenciones, que con el drama histórico Los coristas nos enseñó que el autoritarismo no es necesario, ya que el pueblo puede ser educado a través del arte, la música y la emoción colectiva de un coro. Envalentonado con las mieles del éxito, ahora el audaz autor vuelve a destapar el frasco de formol y redobla la apuesta con La canción de París. La película es un elogio a la fraternidad, a la lucha mancomunada contra el desempleo (y contra los extremistas), que utiliza como único estandarte la plena confianza en la solidaridad. En esta ocasión, las viñetas edificantes incluyen una historia de amor, un drama entre padres e hijos y alguna que otra traición, todo bajo una estética de cartón pintado y fondo de acordeón.

Shotgun Stories

Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jeff Nichols
Guión: Jeff Nichols
Intérpretes: Michael Shannon, Douglas Ligon, Barlow Jakobs
Fotografía: Adam Stone
Edición: Steven Gonzales
Música: Lucero, Pyramid
Duración: 92 minutos

por David Obarrio

Uno puede leer apresuradamente por allí algo respecto a la ópera prima de Jeff Nichols y casi de inmediato sentirse autorizado a dudar. De nuevo esta cosa del indie americano, se dirá, con su tendal de familias disfuncionales, con su moralina, con su cansada sordidez apenas encubierta bajo la máscara de su concepción particular del concepto de realismo. Otra vez sopa, en definitiva. Puro pasto para festivales. Shotgun Stories resulta en cambio una sorpresa: Nichols no filma una idea del odio sino el modo en el que el odio se transforma en sistema. El esencial pesimismo que la película destila no es una fórmula impuesta  para leer el mundo sino acaso el único sentimiento genuino posible para resguardarse del dolor que parece ser una de sus partes constitutivas ineludibles.

Waz (w Delta z)

Año: 2007
Origen: Gran Bretaña
Dirección: Tom Shankland
Guión: Clive Bradley
Intérpretes: Barbara Adair, Stellan Skarsgård, Peter Ballance, Selma Blair
Fotografía: Morten Søborg
Edición: Tim Murrell
Música: David Julyan
Duración: 104 minutos

por Diego Maté

Ya desde el título, Waz (o w Delta z, como se la conoció mayormente en Gran Bretaña) plantea una conexión ineludible con la saga de El juego del miedo (en inglés, Saw): ambas tienen tres letras, dos de ellas compartidas (la A y la W), la tercera en discordia (S y Z) comparte la pronunciación en las dos, y cada título puede ser leído como el reverso del otro. Estas coincidencias, además de evidentes, no son para nada casuales, porque Waz también es deudora de la visión del mundo que despliega la saga de El juego del miedo a lo largo de sus seis películas. Tanto la serie iniciada por James Wan como Waz proponen a un villano rencoroso y vengativo que se escuda en una supuesta superioridad moral para someter a sus víctimas a los peores tormentos imaginados, y las dos películas (esto es lo grave) por momentos se hacen eco del discurso del villano, como si en parte acordaran con su cruzada moralista y de muerte.

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y seis

Otra emisión de Cinemarama y también otro clásico, aunque más no sea para no defraudar a nuestros queridos oyentes. Se trata en esta ocasión de una película en la que brillan las dos B, que no es la Bardot por esta vez sino una pareja igual de fulgurante, dentro y fuera del set: Tener y no tener. O, como suele decirse con cierta justicia, de cómo de un libro más bien flojo se saca una buena película. Howard Hawks lo hizo, con una ayudita de sus amigos: engalanando cada plano en el que aparecen, Bogart y Bacall se sacan chispas. O deberíamos decir Bacall y Bogart: la chica recién empezaba pero ya se las traía. El viejo lobo de Humphrey miraba y no lo podía creer, pero se hacía el distraído, guardándose su repertorio de trucos para el momento adecuado. Al final, ella aprende a silbar mientras el gran Hoagy Carmichael aporrea el piano y Walter Brennan se cuela donde no lo llaman. Y todo por el mismo precio. También, alguno de nosotros se calza seguro los malditos anteojos, dispuesto a reincidir con el 3D: todo sea por El extraño mundo de Jack, de Burton y Selick. Además, tenemos canciones muy bonitas de amor/desamor, cantadas a dúo por parejas que no les contamos. Ya saben dónde: en el programa que hacemos todos los sábados de 17 a 18 hs, por Radio Quasar, silbando bajito y con ganas de vivir aventuras, románticas y de las otras.

Cinemarama Radio

Boogie, el aceitoso

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Gustavo Cova
Guión: Marcelo Paez-Cubells
Voces: Pablo Echarri, Nancy Dupláa
Edición: Andrés Fernández
Música: Diego Monk
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“Todo lo humano me es ajeno”
Boogie

Boogie, Boogie… ¡Bang, Bang! Hay que tener agallas para atreverse a contemplar, en todo su esplendor, a este mastodonte apodado “el aceitoso”: racista, misógino, fumador obsesivo, gorila rubio y alto, y especie de híbrido fascista entre The Thing (La cosa) de Marvel Comics y Marv de Sin City. Realmente, todo un personaje “de aquellos”: listo para ser odiado con mucha razón o querido con extrema culpa. Es que así es Boogie, un hombre de guerra y natural born killer que fue parido desde la inteligencia del siempre recordado Roberto “Negro” Fontanarrosa en el año 1972, dentro de las páginas de la revista Hortensia. Bajo aquella mirada paródica y satírica del rosarino (de verdadero posicionamiento antimilitarista y antiimperialista) no sólo centrada sobre la figura de este antihéroe que recordaba con insistencia al Harry Callahan interpretado por Eastwood sino también sobre la sociedad, cultura y política de los Estados Unidos, la belicosa criatura yanqui de muy, pero muy pocas pulgas equilibraba sus excesos de violencia física con la agresividad desproporcionada de sus palabras.

Mi vida en Grecia (My Life in Ruins)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, España
Dirección: Donald Petrie
Guión: Mike Reiss
Intérpretes: Nia Vardalos, Richard Dreyfuss, Alexis Georgoulis, Alistar McGowan
Fotografía: José Luis Alcaine
Edición: Patrick J. Don Vito
Música: David Newman
Duración: 95 minutos

por Laura Gehl

¿Vieron las pantallas que suele haber en las agencias de turismo? Uno entra a cualquiera de estas oficinas y mientras espera que lo atiendan le proyectan imágenes de destinos paradisíacos: playas de arena blanquísima, cócteles con sombrillita rosa a orillas de alguna pileta, tomas aéreas de mares turquesas y ese tipo de cosas. Ese tipo de cosas como las que parece querer vendernos Donald Petrie con esta cosa llamada película.

Cenizas del tiempo (Dung che sai duk redux) – Estreno en DVD ampliado

Año: 1994-2008
Origen: Hong Kong, China, Taiwán
Dirección: Wong Kar-wai
Guión: Wong Kar-wai
Intérpretes: Leslie Cheung, Tony Leung Ka Fai, Brigitte Lin, Tony Leung Chiu Wai, Carina Lau, Maggie Cheung
Fotografía: Christopher Doyle
Edición: William Chang Suk Ping, Patrick Tam
Música: Frankie Chan, Roel A. Garcia
Duración: 93 minutos

por Aníbal Perotti

En el curso del tiempo. En el universo místico de las artes marciales de Cenizas del tiempo sólo quedan ecos difusos de un pasado que se desmorona. La cronología fue sometida a un caos temporal y la lógica onírica transformó la nostalgia en poesía. El tono de la materia, el movimiento falso, la última instancia de lo abstracto buscan eludir la fatalidad. El héroe atormentado por su memoria quiere revancha. El autor obsesionado con el tiempo intenta redimirse y vuelve a montar su obra maldita.

Lejano (Uzak) – Estreno en DVD ampliado

Año: 2002
Origen: Turquía
Dirección: Nuri Bilge Ceylan
Guión: Nuri Bilge Ceylan
Intérpretes: Musaffer Ozdemir, Emin Tropak, Zuhal Gencer
Fotografía: Nuri Bilge Ceylan
Edición: Ayhan Ergursel
Duración: 110 minutos

por David Obarrio

Pero una cara se borra
comenzando por los ojos
que caen como gotas de lluvia en la boca del tiempo.
Ricardo Zelarayán, El hombre del poncho blanco

No sabemos nada del cine turco. O prácticamente nada. Hasta hace algunos años, cuando como una exhalación apareció Ceylan, sabíamos todavía menos. Su nombre se impuso rápido, tanta era la avidez de conocimiento acerca de qué se cocinaba en Turquía como fuerte es la pasión por la novedad que anima a los buscadores de pepitas de oro para presentar, convenientemente arropadas, en los festivales de cine. A partir de aquel momento el hombre es un abonado, su carta de ciudadanía se exhibe en el firmamento de los cineastas consagrados. Pacientemente desde entonces, Ceylan nos ha enrostrado su falta absoluta de complacencia y su mala onda, es decir, su cine. No está mal.

La sociedad de la nieve

Año: 2007
Origen: Uruguay, Argentina, Francia
Dirección: Gonzalo Arijón
Fotografía: César Charlone y Pablo Zubizarreta
Edición: Claudio Hughes, Samuel Lajus, Alice Larry
Música: Florencia Di Concilio Perrin
Duración: 126 minutos

por Ezequiel Boetti

A la hora de analizar un documental resulta casi inevitable referirse a la construcción del relato a través de “cabezas parlantes” como un defecto. Las razones para que un personaje preste testimonio ante una cámara generalmente inerte suelen encuadrarse en dos factores: a) creativos, a la chatura de ideas de puesta en escena que implica la utilización de un recurso más asociado al vértigo televisivo, cuyo nivel de manufacturación debe ser de un documental por semana, que al de un producto proveniente de una industria donde el reloj no corre sino que trota, o b) monetarios, cuando triunfa la obligatoriedad de este recurso a raíz del presupuesto acotado con que suelen disponer las producciones latinoamericanas en general, sobre todo cuando de documentales se trata. Ese tiempo de andar cansino no se mide en horas o minutos: se mide en dólares. La sociedad de la nieve, documental sobre la  supervivencias durante setenta días de los dieciséis rugbiers uruguayos en la Cordillera de los Andes, luego de que cayera el avión que los trasladaba a Chile, encuentra en ese “defecto” su mayor virtud.

This is It

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Kenny Ortega
Fotografía: Kevin Mazur
Edición: Gabriel Wrye
Música: Michael Bearden
Duración: 112 minutos

por Diego Maté

Tiempo de vivir. Mientras veía This is It, documental que muestra los ensayos finales para el anunciadísimo show homónimo, me pasaba algo raro: por momentos, cuando observaba a Michael Jackson bailar y organizar los pormenores del que sería su último show, de a ratos me olvidaba de que la gran estrella pop había muerto. Me despistaba su vitalidad desbordante, que lo hacía moverse con el virtuosismo de un bailarín veinteañero combinando la elegancia de uno de cincuenta (se le nota una cierta sofisticación y calma “fredasteriana”), pero también su capacidad para estar en los detalles del concierto, ya sea corregir una y otra vez el tempo del teclado a su director de sonido (“hay que dejarlo cocer”, le dice varias veces) o disponer las distintas partes de las canciones. A su vez, a mi incredulidad se le sumaba la cercanía de los hechos, como si mi cerebro no pudiera conectar esa persona enérgica, alegre y terriblemente viva de los ensayos con su muerte, ocurrida el 25 de junio, poco después de la filmación.