Shotgun Stories

Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jeff Nichols
Guión: Jeff Nichols
Intérpretes: Michael Shannon, Douglas Ligon, Barlow Jakobs
Fotografía: Adam Stone
Edición: Steven Gonzales
Música: Lucero, Pyramid
Duración: 92 minutos

por David Obarrio

Uno puede leer apresuradamente por allí algo respecto a la ópera prima de Jeff Nichols y casi de inmediato sentirse autorizado a dudar. De nuevo esta cosa del indie americano, se dirá, con su tendal de familias disfuncionales, con su moralina, con su cansada sordidez apenas encubierta bajo la máscara de su concepción particular del concepto de realismo. Otra vez sopa, en definitiva. Puro pasto para festivales. Shotgun Stories resulta en cambio una sorpresa: Nichols no filma una idea del odio sino el modo en el que el odio se transforma en sistema. El esencial pesimismo que la película destila no es una fórmula impuesta  para leer el mundo sino acaso el único sentimiento genuino posible para resguardarse del dolor que parece ser una de sus partes constitutivas ineludibles.

Novedades

VARIOS

La Mississippi en The Roxy / IX Festival de Cine Alemán / Enemigos públicos. Otra mirada /Sobre Hayao Miyazaki / Comentario de un espectador sobre Ponyo / Chevy Rockets en Dub Club / Dossier Gángsters / Lanzamiento de The Blackest Night / Festival Internacional de Cine y Video de Derechos Humanos

ÚLTIMAS CRÍTICAS

Shotgun Stories por David Obarrio / Waz por Diego Maté / Boogie, el aceitoso por Ezequiel Villarino / Mi vida en Grecia por Laura Gehl / Cenizas del tiempo por Aníbal Perotti / Lejano por David Obarrio / La sociedad de la nieve por Ezequiel Boetti / This is It por Diego Maté / Los estafadores por David Obarrio / Entre nosotros por Aníbal Perotti / Identidad sustituta por Diego Maté / Bienvenidos al país de la locura por Ezequiel Villarino / Nunca estuviste tan adorable por Diego Maté / Vil romance por David Obarrio / Fantasmas de la noche por Diego Maté / Todos mienten por Diego Maté

Waz (w Delta z)

Año: 2007
Origen: Gran Bretaña
Dirección: Tom Shankland
Guión: Clive Bradley
Intérpretes: Barbara Adair, Stellan Skarsgård, Peter Ballance, Selma Blair
Fotografía: Morten Søborg
Edición: Tim Murrell
Música: David Julyan
Duración: 104 minutos

por Diego Maté

Ya desde el título, Waz (o w Delta z, como se la conoció mayormente en Gran Bretaña) plantea una conexión ineludible con la saga de El juego del miedo (en inglés, Saw): ambas tienen tres letras, dos de ellas compartidas (la A y la W), la tercera en discordia (S y Z) comparte la pronunciación en las dos, y cada título puede ser leído como el reverso del otro. Estas coincidencias, además de evidentes, no son para nada casuales, porque Waz también es deudora de la visión del mundo que despliega la saga de El juego del miedo a lo largo de sus seis películas. Tanto la serie iniciada por James Wan como Waz proponen a un villano rencoroso y vengativo que se escuda en una supuesta superioridad moral para someter a sus víctimas a los peores tormentos imaginados, y las dos películas (esto es lo grave) por momentos se hacen eco del discurso del villano, como si en parte acordaran con su cruzada moralista y de muerte.

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y seis

Otra emisión de Cinemarama y también otro clásico, aunque más no sea para no defraudar a nuestros queridos oyentes. Se trata en esta ocasión de una película en la que brillan las dos B, que no es la Bardot por esta vez sino una pareja igual de fulgurante, dentro y fuera del set: Tener y no tener. O, como suele decirse con cierta justicia, de cómo de un libro más bien flojo se saca una buena película. Howard Hawks lo hizo, con una ayudita de sus amigos: engalanando cada plano en el que aparecen, Bogart y Bacall se sacan chispas. O deberíamos decir Bacall y Bogart: la chica recién empezaba pero ya se las traía. El viejo lobo de Humphrey miraba y no lo podía creer, pero se hacía el distraído, guardándose su repertorio de trucos para el momento adecuado. Al final, ella aprende a silbar mientras el gran Hoagy Carmichael aporrea el piano y Walter Brennan se cuela donde no lo llaman. Y todo por el mismo precio. También, alguno de nosotros se calza seguro los malditos anteojos, dispuesto a reincidir con el 3D: todo sea por El extraño mundo de Jack, de Burton y Selick. Además, tenemos canciones muy bonitas de amor/desamor, cantadas a dúo por parejas que no les contamos. Ya saben dónde: en el programa que hacemos todos los sábados de 17 a 18 hs, por Radio Quasar, silbando bajito y con ganas de vivir aventuras, románticas y de las otras.

Cinemarama Radio

Boogie, el aceitoso

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Gustavo Cova
Guión: Marcelo Paez-Cubells
Voces: Pablo Echarri, Nancy Dupláa
Edición: Andrés Fernández
Música: Diego Monk
Duración: 85 minutos

por Ezequiel Villarino

“Todo lo humano me es ajeno”
Boogie

Boogie, Boogie… ¡Bang, Bang! Hay que tener agallas para atreverse a contemplar, en todo su esplendor, a este mastodonte apodado “el aceitoso”: racista, misógino, fumador obsesivo, gorila rubio y alto, y especie de híbrido fascista entre The Thing (La cosa) de Marvel Comics y Marv de Sin City. Realmente, todo un personaje “de aquellos”: listo para ser odiado con mucha razón o querido con extrema culpa. Es que así es Boogie, un hombre de guerra y natural born killer que fue parido desde la inteligencia del siempre recordado Roberto “Negro” Fontanarrosa en el año 1972, dentro de las páginas de la revista Hortensia. Bajo aquella mirada paródica y satírica del rosarino (de verdadero posicionamiento antimilitarista y antiimperialista) no sólo centrada sobre la figura de este antihéroe que recordaba con insistencia al Harry Callahan interpretado por Eastwood sino también sobre la sociedad, cultura y política de los Estados Unidos, la belicosa criatura yanqui de muy, pero muy pocas pulgas equilibraba sus excesos de violencia física con la agresividad desproporcionada de sus palabras.

Mi vida en Grecia (My Life in Ruins)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, España
Dirección: Donald Petrie
Guión: Mike Reiss
Intérpretes: Nia Vardalos, Richard Dreyfuss, Alexis Georgoulis, Alistar McGowan
Fotografía: José Luis Alcaine
Edición: Patrick J. Don Vito
Música: David Newman
Duración: 95 minutos

por Laura Gehl

¿Vieron las pantallas que suele haber en las agencias de turismo? Uno entra a cualquiera de estas oficinas y mientras espera que lo atiendan le proyectan imágenes de destinos paradisíacos: playas de arena blanquísima, cócteles con sombrillita rosa a orillas de alguna pileta, tomas aéreas de mares turquesas y ese tipo de cosas. Ese tipo de cosas como las que parece querer vendernos Donald Petrie con esta cosa llamada película.

Cenizas del tiempo (Dung che sai duk redux) – Estreno en DVD ampliado

Año: 1994-2008
Origen: Hong Kong, China, Taiwán
Dirección: Wong Kar-wai
Guión: Wong Kar-wai
Intérpretes: Leslie Cheung, Tony Leung Ka Fai, Brigitte Lin, Tony Leung Chiu Wai, Carina Lau, Maggie Cheung
Fotografía: Christopher Doyle
Edición: William Chang Suk Ping, Patrick Tam
Música: Frankie Chan, Roel A. Garcia
Duración: 93 minutos

por Aníbal Perotti

En el curso del tiempo. En el universo místico de las artes marciales de Cenizas del tiempo sólo quedan ecos difusos de un pasado que se desmorona. La cronología fue sometida a un caos temporal y la lógica onírica transformó la nostalgia en poesía. El tono de la materia, el movimiento falso, la última instancia de lo abstracto buscan eludir la fatalidad. El héroe atormentado por su memoria quiere revancha. El autor obsesionado con el tiempo intenta redimirse y vuelve a montar su obra maldita.

Lejano (Uzak) – Estreno en DVD ampliado

Año: 2002
Origen: Turquía
Dirección: Nuri Bilge Ceylan
Guión: Nuri Bilge Ceylan
Intérpretes: Musaffer Ozdemir, Emin Tropak, Zuhal Gencer
Fotografía: Nuri Bilge Ceylan
Edición: Ayhan Ergursel
Duración: 110 minutos

por David Obarrio

Pero una cara se borra
comenzando por los ojos
que caen como gotas de lluvia en la boca del tiempo.
Ricardo Zelarayán, El hombre del poncho blanco

No sabemos nada del cine turco. O prácticamente nada. Hasta hace algunos años, cuando como una exhalación apareció Ceylan, sabíamos todavía menos. Su nombre se impuso rápido, tanta era la avidez de conocimiento acerca de qué se cocinaba en Turquía como fuerte es la pasión por la novedad que anima a los buscadores de pepitas de oro para presentar, convenientemente arropadas, en los festivales de cine. A partir de aquel momento el hombre es un abonado, su carta de ciudadanía se exhibe en el firmamento de los cineastas consagrados. Pacientemente desde entonces, Ceylan nos ha enrostrado su falta absoluta de complacencia y su mala onda, es decir, su cine. No está mal.

La sociedad de la nieve

Año: 2007
Origen: Uruguay, Argentina, Francia
Dirección: Gonzalo Arijón
Fotografía: César Charlone y Pablo Zubizarreta
Edición: Claudio Hughes, Samuel Lajus, Alice Larry
Música: Florencia Di Concilio Perrin
Duración: 126 minutos

por Ezequiel Boetti

A la hora de analizar un documental resulta casi inevitable referirse a la construcción del relato a través de “cabezas parlantes” como un defecto. Las razones para que un personaje preste testimonio ante una cámara generalmente inerte suelen encuadrarse en dos factores: a) creativos, a la chatura de ideas de puesta en escena que implica la utilización de un recurso más asociado al vértigo televisivo, cuyo nivel de manufacturación debe ser de un documental por semana, que al de un producto proveniente de una industria donde el reloj no corre sino que trota, o b) monetarios, cuando triunfa la obligatoriedad de este recurso a raíz del presupuesto acotado con que suelen disponer las producciones latinoamericanas en general, sobre todo cuando de documentales se trata. Ese tiempo de andar cansino no se mide en horas o minutos: se mide en dólares. La sociedad de la nieve, documental sobre la  supervivencias durante setenta días de los dieciséis rugbiers uruguayos en la Cordillera de los Andes, luego de que cayera el avión que los trasladaba a Chile, encuentra en ese “defecto” su mayor virtud.

This is It

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Kenny Ortega
Fotografía: Kevin Mazur
Edición: Gabriel Wrye
Música: Michael Bearden
Duración: 112 minutos

por Diego Maté

Tiempo de vivir. Mientras veía This is It, documental que muestra los ensayos finales para el anunciadísimo show homónimo, me pasaba algo raro: por momentos, cuando observaba a Michael Jackson bailar y organizar los pormenores del que sería su último show, de a ratos me olvidaba de que la gran estrella pop había muerto. Me despistaba su vitalidad desbordante, que lo hacía moverse con el virtuosismo de un bailarín veinteañero combinando la elegancia de uno de cincuenta (se le nota una cierta sofisticación y calma “fredasteriana”), pero también su capacidad para estar en los detalles del concierto, ya sea corregir una y otra vez el tempo del teclado a su director de sonido (“hay que dejarlo cocer”, le dice varias veces) o disponer las distintas partes de las canciones. A su vez, a mi incredulidad se le sumaba la cercanía de los hechos, como si mi cerebro no pudiera conectar esa persona enérgica, alegre y terriblemente viva de los ensayos con su muerte, ocurrida el 25 de junio, poco después de la filmación.

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y cinco

Para que no nos recuerden que a veces nos hacemos los osos con nuestra sección de clásicos, está vez hacemos una jugada espectacular: a falta de uno, nos despachamos con tres películas: E.T., Los goonies, y La historia sin fin (y todo por el mismo precio, ojo). No digan que no les avisamos. El que no vio alguna de ellas no vivió en los años ochentas, o estaba ocupado en otras cosas. Hasta Serge Daney se ocupó de E.T. y no terminó de empalagarse del todo. En todo caso, vamos a ver cómo nos sale el experimento, qué hacemos nosotros con este menjunje, qué relaciones somos capaces de establecer entre estas películas en apariencia dispares: que si la biografía de cada uno de los integrantes del programa, que si los géneros o que la mar en coche (guarda que si nos entusiasmamos, en una de ésas repetimos). Además, hablaremos de El solista, que se estrena esta semana y que uno de nosotros va a ir a ver seguro (no sabemos si vuelve tocando el cello), seguramente entusiasmado por los antecedentes de su director (hay gente para todo en esta vida). También, algo diremos de Lejano, la película del turco Nuri Bilge Ceylan, un estreno con varios años de atraso que vale la pena y que algunos vimos en el Bafici en su oportunidad. Y como siempre, música. Canciones de lo más lindas, no se vayan a creer, directamente desde la década de estreno de nuestros clásicos de esta semana. Todo, pero todo eso (y algo más, como siempre) este sábado de 17 a 18 hs, por Radio Quasar, esta vez con jeans nevados, los que se animen.

Cinemarama Radio

Los estafadores (The Brothers Bloom)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Rian Johnson
Guión: Rian Johnson
Intérpretes: Adrien Brodie, Rachel Weisz, Mark Ruffalo
Fotografía: Steve Yedin
Edición: Gabriel Wrye
Música: Nathan Johnson
Duración: 114 minutos

por David Obarrio

Me comentan que Rian Johnson, director de Los estafadores, tiene en su haber una película anterior notable de la que yo jamás había oído hablar. Cuando me reseñan brevemente el argumento, mucho no termino de entender de qué va la cosa, pero alcanza para que me quede más o menos claro que podría tratarse de un film curioso y con una cuota nada desdeñable de ambición. Lo mismo se puede decir de Los estafadores, la película de Johnson que ahora se estrena en la Argentina, detrás de cuya lustrosa fachada alla Wes Anderson parece haber una película de estafas y robos, cuyo verdadero centro simula ser una fábula de amor fraternal, que en realidad oculta una aventura romántica, debajo de la que no se sabe qué hay; probablemente nada. El mayor logro de la película es el de ir estableciendo capas de interés narrativo que vienen a anularse unas sobre otras, dejando al descubierto, por fin, lo que en verdad le importa a Johnson: la forma.

Entre nosotros (Alle Anderen)

Año: 2009
Origen: Alemania
Dirección: Maren Ade
Guión: Maren Ade
Intérpretes: Birgit Minichmayr, Lars Eidinger, Nicole Marischka, Hans-Jochen Wagner y Paula Hartmann
Fotografía: Bernhard Keller
Edición: Heike Parplies
Música: Florian Beck
Duración: 88 minutos

por Aníbal Perotti

El estado de excitación permanente que provoca el Bafici hace que uno pase fácilmente de la euforia a la irritación. Entre nosotros iba a ser mi última película de un día típico de festival, pero hubo un problema técnico a mitad de la proyección en el Atlas Santa Fé y, luego de varios minutos de espera, anunciaron que la función continuaría media hora más tarde. Yo estaba cansado, desconfiaba de la media hora, y la película, luego de un comienzo prometedor, me resultaba a esa altura demasiado conversada. Decidí entonces abandonar la sala y reponer energías para el día siguiente. Al final, Maren Ade ganó el premio a la mejor dirección en el festival y la película se acaba de estrenar comercialmente en 35mm, refutando aquella máxima que dice que las películas que se exhiben en el Bafici nunca se estrenan o, con suerte, salen en DVD. Luego de una segunda visión (la primera completa), lo primero que hay que admitir es que estamos ante una directora consciente de la historia del cine y de su lugar como realizadora contemporánea. Maren Ade retrata con extrema sensibilidad las grietas de una pareja en descomposición sin cargar demasiado las tintas ni condenar a sus personajes. La película trasmite el desamparo emocional de una generación apoyándose en un medio tono amable y ambiguo.

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y cuatro

Un estallido de música y color llega esta semana a nuestro programa. Es que el clásico del que nos ocupamos en esta oportunidad es Cantando bajo la lluvia, una película dirigida a cuatro manos. Uno puede elegir entre el artesano Donen o el acróbata Kelly a la hora de adjudicarle los méritos del caso, pero de cualquier modo lo que importa es la película. Ejemplo cabal de musical de los estudios MGM, Cantando bajo la lluvia se constituye en una celebración del movimiento y la gracia, al tiempo que funciona como resumen del cine norteamericano hasta la fecha. Seguimos además comentando y recomendando cosas para ver en el DocBsAs, que se encamina ya a su fin. Y hablamos de algún que otro estreno, ya saben, el que nuestras apretadas agendas nos permita ver antes del sábado, día de nuestro querido programa. Todo ello acompañado por música de lo más variada, esta vez a cargo de uno de nuestros integrantes más mimosos y remolones, de los que hay que charlarles mucho para que se dignen a compartir sus gustos. Por si se olvidaron, les recordamos día y horario de la cita: este sábado de 17 a 18 hs, por Radio Quasar. Ojo, salgan con paraguas.

Cinemarama Radio

Identidad sustituta (Surrogates)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Jonathan Mostow
Guión: Michael Ferris, John D. Brancato
Intérpretes: Bruce Willis, Radha Mitchell, James Cromwell, Ving Rhames
Fotografía: Oliver Wood
Edición: Kevin Stitt
Música: Richard Murvin
Duración: 88 minutos

por Diego Maté

En Duro de matar lo que mejor caracterizaba al personaje de John McClane (Willis) no era su destreza física o habilidad para combatir a los villanos, sino su obstinada e inagotable terquedad que lo hacía seguir empujando ciegamente hacia adelante aun cuando se encontraba en las circunstancias más adversas. El tipo era una bestia, un bruto entrenado y peligroso pero de buen corazón que al final se graduaba de héroe a los ojos del espectador más por el increíble sufrimiento físico al que debía sobreponerse que por las hazañas que realizaba. El tiempo pasó, y la saga de Duro de matar fue mostrando a un McClane cada vez más viejo (obvio, el tiempo pasó también para él), huraño, conservador y llamativamente ignorante, como si los años le hubieran arrebatado también lo poco de inteligencia práctica que desplegaba en las primeras películas. Identidad sustituta, también actuada por Bruce Willis, parece continuar la leyenda de McClane a través de Tom Greer, otro policía que también se debate en un mundo extraño que no le deja un lugar.

Bienvenidos al país de la locura (Bienvenue chez les Ch’tis)

Año: 2008
Origen: Francia
Dirección: Dany Boon
Guión: Dany Boon y Alexandre Charlot
Intérpretes: Kad Merad, Dany Boon, Zoé Félix, Anne Marivin
Fotografía: Pierre Aim
Edición: Luc Barnier y Julie Delord
Música: Philippe Rombi
Duración: 106 minutos

por Ezequiel Villarino

Atención: se cuenta el final de la película

Primera degustación (a vaso lleno). Como preludio habría que hacerle caso al afiche del film y abrazar, en éxtasis, alguna botella de vino. Tal acción, al menos, podría conducirnos a vaciar su contenido y de esta manera llegar a un estado de ebriedad pleno, lo que nos aseguraría algún tipo de disfrute para entrar al universo de los beodos y así intentar pasarla bien con esta película titulada en nuestras tierras como Bienvenidos al país de la locura (si alguien encontró la locura, por favor avise). Traducciones de títulos originales a frases o palabras pésimas y tramposas las hay por todos lados. Pero esto es el colmo. Quiero decir: si al menos en el relato dirigido y coprotagonizado por Dany Boon (ahora que escribo Boon, me pregunto dónde demonios está el “Boom” que hace que este film sea el de mayor éxito en recaudaciones de toda la historia cinematográfica de Francia) existiese algo de absurdo o de hiperbólico que funcione dignamente todo sería distinto y la película podría valer un poco la pena, ya que no alcanzan los mejores minutos en donde uno de los personajes, por ejemplo, intenta dispararle falsamente a un gato para luego indicar que la carne del felino se ha convertido en el plato principal de la cena (una vuelta al “clisé animal”, digamos).

Nunca estuviste tan adorable

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Mausi Martínez
Guión: Mausi Martínez
Intérpretes: María Onetto, Mirta Busnelli, Luis Luque, Lucrecia Oviedo, Lorena Forte
Fotografía: Andrés Mazzón
Edición: Yanina Andreoli
Música: Nicolás Posse, Mono Morillo
Duración: 97 minutos

por Diego Maté

Hay una escena en Nunca estuviste tan adorable que la muestra (o la expone, la deja al descubierto) en todo su cómodo cinismo y villanía disfrazada de crítica social. En la escena, la cámara sigue a Blanca (María Onetto), Rodolfo y Noelia que dan vueltas alrededor de Beba (Mirta Busnelli), a la que interrumpen en el baño justo cuando trataba de suicidarse cortándose las venas. Beba camina, borracha y perdida, más preocupada por las manchas de sangre en el baño de Blanca que por los cortes en su muñeca, y la cámara retrocede sin perderla de vista. En ese momento, verdadero quiebre en el clima amenazadoramente festivo y hasta un poco malsano que prometía estallar, la directora, que tenía la primera oportunidad de acercarse un poco a sus personajes, de atravesar esa capa de imbecilidad, ridículo y patetismo con la que los había pintado, elige extremar su mirada y opta por llevar todo hasta las últimas consecuencias: en lugar de interesarse por Beba se burla de ella y la propone, además, como blanco humorístico, la hace parecer estúpida y loca y no le da nunca una chance de mostrar otra cara, de ofrecerse con algo de dignidad.

Vil romance

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: José Celestino Campusano
Guión: José Celestino Campusano
Intérpretes: Nehuén Zapata, Oscar Génova, Marisa Pájaro, Javier De La Vega
Fotografía: Leonardo Padín
Edición: Leonardo Padín
Música: Juan Manuel Colombo
Duración: 105 minutos

por David  Obarrio

Dios bendiga ese corazoncito retorcido tuyo.
Tom Waits, Hold On

Como si quisiera decirlo todo de entrada con un solo gesto, advertir al espectador de manera definitiva acerca de la naturaleza profunda de la película que anuncia, la palabra “vil” se estampa roja y desprolija, orgullosamente a destiempo, sobre la palabra “romance” en el afiche de Vil romance. Es un agregado, esa primera palabra; un forzamiento, una verdadera intrusión que anticipa en parte el sistema de cruces que la película propone y que constituye uno de sus mayores y menos esperables regocijos. Pero no se trata solo de eso. Al tiempo que reclama de manera indeclinable para el cine la inclusión de aquello considerado bajo, degradado, inmoral, poco confiable (consultar un diccionario de sinónimos para seguir la enumeración), el director José Celestino Campusano parece además establecer un procedimiento de escritura en el que la cotidianeidad más crasa se carga imprevisiblemente de una particular densidad poética, una corriente subterránea con la que su película adquiere la consistencia de un humilde manifiesto estético.

Fantasmas de la noche

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Santiago Carlos Oves
Guión: Santiago Carlos Oves
Intérpretes: Carlos Resta, Mariana A, Enrique Liporace, Martín Slipak
Fotografía: Carlos Torlaschi
Edición: Liliana Nadal
Música: Pablo Sala
Duración: 84 minutos

por Diego Maté

Es raro ver, sobre todo en los últimos años, que el cine argentino se le anime al género del policial. Acaso esto tenga que ver con la desmantelación de los géneros que llevó adelante el Nuevo Cine Argentino, algo que ocurrió más o menos en todos los países en los que se dieron movimientos cinematográficos contemporáneos. Así pasó en Taiwán, donde en la actualidad el género brilla por su ausencia, pero no en Hong-Kong, que tiene una de las industrias populares más fuertes del planeta, pero que todavía hoy cuenta con Wong Kar-Wai como su único realizador netamente contemporáneo. De los 90 a esta parte, y de manera mucho más marcada que en los 60, el cine de género sigue asociado casi en su totalidad a la producción estadounidense, y quizás este hecho ayude a explicar el descreimiento y la sospecha con que muchas generaciones jóvenes tienden a mirar al género: como construcción artificial, falsa, transmisora de ideología y mandatos imperialistas. No importa ahora ahondar en las causas de este rechazo de los realizadores jóvenes por un cine de género, solamente baste con recordar que en la Argentina, que hasta no hace mucho contaba con una producción anual nada despreciable, podían nombrarse apenas unos pocos cultores habilidosos de los géneros, tales como Damián Sziffrón, Fabián Bielinsky o José Luis Campanella (aunque éste ya fuera del grupo de los jóvenes, al que podríamos agregar también a Adolfo Aristarain).

Cinemarama Radio – Programa cuarenta y tres

De la mano de su integrante viajera, vuelve el gran Alfred Hitchcock a nuestro programa, esta vez con una de sus películas más espléndidamente gozosas e intrincadas al mismo tiempo. Se trata nada menos que de Intriga internacional, o el eslabón perdido (y encontrado) entre el clasicismo del cine y su modernidad más genuina y abiertamente desembozada. El robusto director le da al término McGuffin su uso definitivo mientras teje y desteje una maraña de situaciones violentas, amorosas, humorísticas e inquietantes en un despliegue de planos que estallan de color y de auténtico placer cinematográfico. Además, toda la información del Buenos Aires Doc. que se viene: bajamos y subimos pulgares a lo loco según nuestro humor, pero sobre todo recomendamos este interesante y singularísimo festival. Todo matizado con la música de Il sorpasso para hacernos acordar de la feliz cara de atorrante de Gassman mientras maneja un auto a toda velocidad y Jean-Louis Trintignant se pregunta qué está haciendo ahí. Está visto que el menú es para todos los gustos en Cinemarama. Como siempre, este sábado a las 17 hs por Radio Quasar. El que se lo pierda se verá obligado a ver los partidos del Ascenso de aquí hasta el fin de sus días. Están avisados.

Cinemarama Radio

Todos mienten

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Matías Piñeiro
Guión: Matías Piñeiro
Intérpretes: Romina Paula, María Villar, Julia Martínez Rubio, Pilar Gamboa
Fotografía: Fernando Lockett
Edición: Delfina Castagnino
Duración: 75 minutos

por Diego Maté

El joven viejo. Tarea nada sencilla el decir algo sobre las dos películas de Matías Piñeiro. Para empezar, habría que tener en cuenta que su cine parece gravitar alrededor del engaño y las apariencias. Eso sí, que no se entienda lo de engaño desde un lugar de condena, porque los personajes de El hombre robado y Todos mienten, como rezan los títulos, roban y mienten constantemente, pero las películas nunca los condenan. Lo que hay en Piñeiro es más bien una exploración (nada moralista, y también carente de psicologismos) de esa falsedad que define a sus criaturas. Ver cómo mienten, cómo traman planes entre sí y conspiran unos contra otros, en eso pone su mirada y todo su interés un cada vez más maduro Piñeiro, y encuentra así un universo completamente nuevo donde las normas sociales y cinematográficas, por lo menos las más convencionales, se diluyen y dan paso al complejo entramado de amores y traiciones de sus películas.