Hada por accidente (Tooth Fairy)

Año: 2010
Origen: Estados Unidos, Canadá
Dirección: Michael Lembeck
Guión: Lowell Ganz, Babaloo Mandel, Joshua Sternin, Jeffrey Ventimilia, Randi Mayem Singer
Intérpretes: Dwayne Johnson, Julie Andrews, Stephen Merchant, Billy Crystal
Fotografía: David Tattersall
Edición: David Finfer
Música: George S. Clinton
Duración: 101 minutos

por Diego Maté

Dream Police. Hada por accidente no se cansa de recordarnos la importancia de soñar y aspirar a lo imposible. Tanto el hada jefa Lily (que encarna una encogida Julie Andrews), el inventor Jerry (Billy Crystal) o el asistente Tracy (interpretado por el gran Stephen Merchant; véanlo en Extras, serie de la cual también es guionista) se pasan la película discurseando acerca de las bondades de la imaginación y de cómo la humanidad ya no cree en lo fantástico. Pero lo cierto es que Hada… tampoco hace mucho por cambiar ese estado de cosas que dice criticar: el reino de la hadas de los dientes (nada de Ratón Pérez, en Estados Unidos la que te lleva el diente y deja un billetín es un hada) se parece bastante a una oficina de correo sobredecorada en la que se realizan trabajos por demás terráqueos, donde las hadas empleados se mueven agitadamente de un lado para otro con papeles. Hay ventanillas de madera como las de los bancos viejos, una escala jerárquica, una división del trabajo precisa y discriminatoria (los administrativos, por ejemplo, nunca pueden llegar a conseguir las alas de hada) y un tablero con horarios de despacho como los de un aeropuerto.

Vivir al límite (The Hurt Locker)

Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Dirección: Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal
Intérpretes: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty,
Fotografía: Barry Ackroyd
Edición: Chris Innis, Bob Murawski
Música: Marco Beltrami, Buck Sanders
Duración: 131 minutos

por David Obarrio

La última película de Kathryn Bigelow es un milagro de guerra. La historia tiene lugar durante la ocupación norteamericana en Irak y podría tratarse, hasta el momento, del único efecto benéfico del que se tenga conocimiento producto de dicha intervención. Como en otras películas de la directora, la acción física está por encima de todo: una vez que se ha asumido el hecho de que ese humor oceánico secretado en algún rincón del cuerpo en situaciones de peligro llamado adrenalina es el mejor amigo del hombre (como de manera incansable se nos invita a hacer en sus películas), resulta evidente entonces que hay algo (una cosa más) del orden de lo humano que no se deja atrapar del todo por la razón, una porción de sensibilidad inhollada cuya sospechada existencia plantea la posibilidad de un prodigio por lo menos a la misma altura que el del instinto de supervivencia. Bigelow transforma esa aparición en un enigma, un jeroglífico. A la vez, como quien no quiere la cosa (las películas de la directora , hechas de golpes, de caídas, de balazos, de corridas, de saltos al vacío, aparecen imbuidas de una rara elegancia aun por investigar), hace de ese enigma el centro de su película.

Novedades

VARIOS

Dossier ciencia-ficción / Cobertura In-Edit Cinzano / Festival Internacional de Cine de Mar del Plata – Cobertura – Críticas – Competencia argentina / IX Festival de Cine Alemán /Sobre Hayao Miyazaki / Comentario de un espectador sobre Ponyo / Dossier Gángsters / Festival Internacional de Cine y Video de Derechos Humanos

ÚLTIMAS CRÍTICAS

Hada por accidente por Diego Maté /Vivir al límite por David Obarrio / Tierra de zombies por Ezequiel Villarino / Cinco días sin Nora por Diego Maté / Excursiones por David Obarrio / Invictus por Diego Maté / Alvin y las Ardillas 2 por Ezequiel Villarino / Medusas por David Obarrio / Astroboy por Diego Maté / Avatar por Diego Maté / Vampiros del día por Diego Maté / Papás a la fuerza por Ezequiel Boetti / Final de partida por Ezequiel Villarino / La princesa y el sapo por Aníbal Perotti / La joven Victoria por David Obarrio / Acné por Aníbal Perotti / Sherlock Holmes por Diego Maté / Halloween II por Ezequiel Villarino / La Tigra, Chaco por Ezequiel Boetti / Enamorándome de mi ex por Laura Gehl / Asesino ninja por Diego Maté / Cena de amigos por Laura Gehl / Media luna por David Obarrio

Tierra de zombies (Zombieland)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Ruben Fleischer
Guión: Rhett Reese y Paul Wernick
Intérpretes: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin, Bill Murray
Fotografía: Michael Bonvillain
Edición: Alan Baumgarten
Música: David Sardy
Duración: 88 minutos

Todo se ha ido,
excepto el deseo de existir.
Metallica, For Whom the Bell Tolls

por Ezequiel Villarino

Zombieland: un viaje memorable. Tierra de Zombies, ópera prima de Ruben Fleischer, comienza con una imagen tomada mediante cámara en mano que tranquilamente podría evocar al último film de Romero, Diario de los muertos. Es que luego de representar, en subjetiva y con gran nervio, una furibunda carrera por la supervivencia de un camarógrafo, corrida que comenzará a dar cuenta de cierta fascinación del realizador por el gore en un plano cercano que proporciona el shock a través de la provocación de la carne siendo despedazada (impureza digna de toda splatter movie), Fleischer decide aniquilar esa instancia de registro en vivo y en directo a través de un narrador omnisciente (voz en off en primera persona) que hace gala de ciertas reglas de supervivencia.

Cinco días sin Nora

Año: 2008
Origen: México
Dirección: Mariana Chenillo
Guión: Mariana Chenillo
Intérpretes: Fernando Luján, Juan Carlos Colombo, Silvia Mariscal
Fotografía: Alberto Anaya
Edición: Mariana Chenillo, Óscar Figueroa
Música: Dario González Valderrama
Duración: 92 minutos

por Diego Maté

Impresiones. Muchas veces escribir sobre cine, más que aplicar un sistema de análisis y evaluación a una obra, es una puesta en palabras de las sensaciones disparadas durante la visión de la película. Frente a Cinco días sin Nora me confieso desarmado, porque un examen general de cosas como el guión o la puesta en escena no me deja mucho espacio para una observación más o menos enriquecedora: poco puedo decir de ellos fuera de que son correctos, prolijos, y nada más. Desde la fotografía, pasando por los encuadres hasta llegar a los diálogos, todo lo que veo parece que tuviera una función precisa, como si se tratara de engranajes que echan a andar de manera automática un determinado mecanismo. Hay algo de inercia en Cinco días sin Nora, de película que avanza correcta y desapasionada hacia su objetivo, sin ganas de hacerse preguntas o de indagar en la materia de su universo lleno de muerte, engaños y rituales. Salvo por algunos planos en donde se hace presente un cierto misterio, como los del hielo seco que guarda el cuerpo de Nora o las imágenes de la heladera abarrotada de comida acompañada de  instrucciones para su preparación, Chenillo pareciera ensayar una especie de agotamiento de posibilidades cinematográficas en favor de un rigor formal que llama la atención por su frigidez.

Excursiones

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Ezequiel Acuña
Guión: Alberto Rojas Apel, Ezequiel Acuña, Matías Castelli
Intérpretes: Alberto Rojas Apel, Matías Castelli, Martina Juncadella
Fotografía: Fernando Lockett
Edición: Ezequiel Acuña, Mario Pavez
Música: Nicolás Pedrero, Santiago Pedrero
Duración: 80 minutos

Cuando miro mi corazón, solo hay demonios y polvo.
Bruce Springsteen, Devils & Dust

por David Obarrio

Algunos de los pocos que vimos Como un avión estrellado, la anterior película de Ezequiel Acuña, no podemos olvidarla. Se trató, a partir del golpe de esa visión gloriosa, de recomendarla con el mayor fervor del que fuimos capaces, de prestarla, de copiarla, de conseguir adeptos incluso a la fuerza; de hacer de ella, en definitiva, algo así como una causa. Acuña quizás no estaba tan solo pero parecía que sí: su película, mal estrenada, peor lanzada, incomprendida casi desde el principio (eso seguro), se asemejaba inopinadamente a un objeto abandonado al que nadie parecía interesado en echar siquiera una mirada. Daba toda la impresión, después de todo, de que se cumplía a rajatabla aquello de la maldición de la segunda película, ese momento de terrible algidez en el que el entusiasmo crítico cosechado con un primer largometraje se convierte ante la visión del segundo en desencanto y enseguida en desdén (desprecio, inclusive) en cuanto se presenta el primer escollo. El mar rugiente de palabras y emoción desatada que azotaba Como un avión estrellado era la primera sorpresa, aunque no sería la única.

Invictus

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Clint Eastwood
Guión: Anthony Peckham
Intérpretes: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge
Fotografía: Tom Stern
Edición: Joel Cox, Gary Roach
Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens
Duración: 133 minutos

por Diego Maté

Invictus empieza como terminaba Río Místico: en aquella, una calle separaba a los personajes en dos veredas, de un lado estaba el asesino Jimmy Markum con los hermanos Savage a su lado, encarnación de la fuerza bruta y patoteril, con la bandera estadounidense en plano; enfrente, Celeste, víctima de la violencia dictatorial de Jimmy, que parece sola incluso en medio de la multitud. En Invictus, un camino de tierra separa a la población negra (contenida con alambres) de la blanca (protegida con rejas), los primeros juegan al fútbol, los otros al rugby. Por la ruta, como anunciando la futura reconciliación entre las dos partes, pasa el auto de Nelson Mandela, recién liberado de la cárcel de Robben Island después de casi treinta años de cautiverio. En ambos casos la metáfora es transparente pero potente, signo de un dominio del lenguaje del cine clásico del que pocos cineastas en la actualidad pueden hacer gala. Si en Río Místico el final resultaba un poco irritante no lo era por la evidencia del sentido del plano, sino porque esa escena constituía el corolario de una película por demás ampulosa y declamatoria. La cosa es distinta en Invictus: el comienzo opera como clave de lectura y marca de pertenencia a un cine, a un lenguaje, a una época.

Alvin y las Ardillas 2 (Alvin and the chipmunks: The Squeakquel)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Betty Thomas
Guión: Jon Vitti, Jonathan Aibel, Glenn Berger
Intérpretes / Voces: Zachary Levi, David Cross, Jason Lee, Justin Long
Fotografía: Anthony B. Richmond
Edición: Matt Friedman
Música: David Newman
Duración: 88 minutos

por Ezequiel Villarino

Si tres son multitud, seis son una ofensa. El éxito (en términos económicos, claro) de la primera entrega cinematográfica de Alvin y las ardillas hizo que la aparición de una secuela sea inevitable: Alvin y las ardillas 2 continúa con su estética que cruza acción en vivo con animación digital (el trío de roedores está decentemente animado), referencias a la música pop bailable de origen yanqui (piensen en Christina Aguilera, The Jonas Brothers, Beyoncé, Britney Spears, Justin Timberlake, etc.) y un tufillo a conflictos superficiales adolescentes que se impregna sobre un contexto escolar y familiar demasiado repleto de lugares comunes: es evidente que los responsables de la ordinariez del asunto no hacen más que repetir una fórmula que no depara sorpresa alguna.

Medusas (Meduzot / Les méduses)

Año: 2007
Origen: Israel, Francia
Dirección: Etgar Keret y Shira Geffen
Guión: Etgar Keret
Intépretes: Sarah Adler, Nikol Leidman, Gera Sandler
Fotografía: Antoine Héberlé
Música: Christopher Bowen
Edición: Sasha Franklin, François Gédigier
Música: Christopher Bowen
Duración: 78 minutos

por David Obarrio

Esta película israelí dirigida a cuatro manos gasta una retórica puesta enteramente al servicio de una idea peregrina. La vida es un valle de lágrimas, dice en un libro famoso. Y la vida en una ciudad moderna mejor no te cuento, se olvidó de decir. No queda otra entonces que dedicarse a mirar a esa criaturitas de Dios, oír sus quejas, ver cómo se arrastran en absurdos derroteros, transidos de pena y convenientemente envueltos en sus pequeñas miserias domésticas. Y qué mejor que una película con estructura “coral” para diagramar con mayor eficiencia ese malestar, otorgándole a cada uno su parte equivalente de insatisfacción y estupor ante lo que los rodea. Medusas no termina de ser cine pero trafica con su repertorio de imágenes tomado de la publicidad como si lo fuera. Es decir, hace como que mira, hace como que piensa, hace como que descubre.

Astroboy (Astro Boy / Atom)

Año: 2009
Origen: Hong-Kong, Estados Unidos, Japón
Dirección: David Bowers
Guión: Timothy Harris, David Bowers
Voces: Freddie Highmore, Nicolas Cage, Donald Sutherland
Fotografía: Pepe Valencia
Edición: Robert Anich Cole
Música: John Ottman
Duración: 94 minutos

por Diego Maté

Cuestión de peso. Es raro encontrar una película que sea pura superficie, y lo digo corriéndome de ese lugar común tan arcaico como insostenible que propone dividir al arte en forma y contenido, como si uno fuese el envoltorio accesorio del otro. No, Astroboy es superficial en un sentido feliz, celebratorio. La película de David Bowers es una verdadera fiesta de texturas coloridas y brillantes que acaban por conformar una experiencia placentera y sinuosa, resbaladiza en los términos más físicos posibles. Para empezar, Astroboy no propone ninguna clase de lectura en clave: desde las ambiciones desmedidas del presidente Stone y el uso que hace del ejército para sus fines personales hasta el discurso que se esboza sobre la familia y la pobreza pasando por un burdo intento de ecologismo, todo está a la vista y no es necesario andar disparando interpretaciones ni nada que se le parezca para encontrar algún mensaje cifrado detrás de la historia. Me van a decir que la simpleza narrativa de Astroboy puede explicarse por el hecho de ser un producto pensado para un público mayormente infantil, pero yo prefiero creer que la sencillez y transparencia de la película son decisiones de orden estrictamente cinematográfico (y de paso no menospreciamos a los espectadores jóvenes).

Avatar

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Gran Bretaña
Dirección: James Cameron
Guión: James Cameron
Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Giovanni Ribisi, Michelle Rodriguez
Fotografía: Mauro Fiore
Edición: James Cameron, John Refoua, Stephen Rivkin
Música: James Horner
Duración: 162 minutos

por Diego Maté

Excursiones. I. La última película de James Cameron es un corolario de toda su obra cinematográfica anterior: el mundo en el que despierta Jake Sully recuerda al automatizado y agresivo futuro de Terminator 2; el paso de un plano ecológico a otro remite a El abismo, donde también son necesarias prótesis para poder aventurarse en las profundidades del mar; la agresividad de los Na’vi, sobre todo la de Neytiri al principio, cuando todavía no sabemos nada de ella, hace pensar en la ferocidad irracional y primitiva, animal, de los aliens; a su vez, Grace y Neytiri, como todas las mujeres cameronianas, son verdaderas guerreras, fuertes y orgullosas a más no poder; y muchas criaturas de la superficie de Pandora tienen un increíble parecido a las encontradas por Cameron en los documentales subacuáticos como Ghosts of the Abyss y Aliens of the Deep (por eso es que en el mundo de Avatar no hay mares o ríos –solamente vemos un lago pequeño-, porque lo que podría llegar a ser la vida acuática está integrada estéticamente a la de la superficie). Estas son algunas de las conexiones con otras películas de Cameron que traza el gigante azul Avatar.

Vampiros del día (Daybreakers)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Australia
Dirección: Michael Spierig, Peter Spierig
Guión: Michael Spierig, Peter Spierig
Intérpretes: Ethan Hawke, Sam Neill, Willem Dafoe
Fotografía: Ben Nott
Edición: Matt Villa
Música: Christopher Gordon
Duración: 98 Minutos

por Diego Maté

No cabe duda de que los directores Michael y Peter Spierig entienden poco de sutilezas, pero tanto la historia como la atmósfera deliciosamente infecta de Vampiros del día le confieren a su película un leve aire de sofisticación a pesar incluso de la torpeza a la hora de filmar escenas de acción o de resolver conflictos entre personajes. Además del trabajo con la imagen y la ambientación que en más de una ocasión remeda al policial negro, algunos de los logros de Vampiros del día son el hermetismo asfixiante de los espacios cerrados y la palidez mortecina que ahogan a la película, que de tan insistentes acaban por tornar casi en un verdadero programa estético. En este sentido, también la arquitectura y la decoración son puntos fuertes del universo de los Spierig: las casas de los vampiros, frías y apagadas, ya inhumanas de tan modernas, pequeñas, opresivas como la cocina de Edward, terminan por configurar el espacio vital de una película que apuesta como pocas en su género a la construcción de un clima propio.

Papás a la fuerza (Old Dogs)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Walt Becker
Guión: David Diamond y David Weissman
Intérpretes: Robin Williams, John Travolta.
Fotografía: Jeffrey L. Kimball
Edición: Ryan Folsey y Tom Lewis
Música: John Debney
Duración: 88 Minutos

por Ezequiel Boetti

¡John Travolta, yo te banco! El tipo tiene la extraña capacidad de bucear en las profundidades de personajes recios, malvados y de armas tomar, o de apenas chapotear en la liviandad más absoluta de las comedias vetustas y simplonas que llegan con una precisión de relojería cada verano a la cartelera porteña, y siempre caer de pie, sobre todo con éstos últimos personajes bonachones y carismáticos que a John le salen prácticamente “de taquito” y los dota de una magnética verosimilitud. Es difícil creernos al lisérgico Ryder de esa sabrosa grasada que es Rescate en el metro 123, un tipo siempre al palo –no sexual sino emocional -, motoramente sobrerevolucionado y gesticulante al por mayor. Sí le creemos, en cambio, al ganador, chamullero, simpático, comprador y seductor que es el Charlie de Papás a la fuerza, quizás hermano menor del Jack de Alec Baldwin en Enamorándome de mi ex.

Final de partida (Okuribito)

Año: 2008
Origen: Japón
Dirección: Yojiro Takita
Guión: Kundo Koyama
Intérpretes: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue
Fotografía: Takeshi Hamada
Edición: Akimasa Kawashima
Música: Joe Hisaishi
Duración: 130 minutos

por Ezequiel Villarino

Los salmones que nadan contra la corriente. Final de partida (Okuribito) fascina: su embrujo se reproduce poéticamente al ritmo de imágenes poderosamente reflexivas y emotivas. Su estética se atreve a exponer metáforas visuales musicalizadas por los tempos del gran Joe Hisaishi en fundidos encadenados que establecen analogías demasiado explícitas como la del vuelo de las grullas y el fin de la vida, mientras el humor sutil de pequeños y efectivos gags (ej: la liberación y la muerte del pulpo) anteceden y suceden a ciertos pensamientos melancólicos y nostálgicos que funden el discurso de las palabras (sin dejar de ser nunca una parte sustancial de la potencia visual que abunda dentro del relato) en maravillosas lecciones de vida fortalecidas por el uso de los primeros planos.

La princesa y el sapo (The Princess and the Frog)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Ron Clements y John Musker
Guión: Ron Clements, John Musker y Rob Edwards
Voces: Anika Noni Rose, Terrence Howard, John Goodman
Edición: Jeff Draheim
Música: Randy Newman
Duración: 97 minutos

por Aníbal Perotti

En épocas de tecnología digital y animación 3D, Disney apuesta a recuperar algo del espíritu de sus grandes clásicos con La princesa y el sapo, una comedia musical dibujada a mano, con decorados pastel y abundantes detalles. Aunque para estar a tono con los tiempos que corren, la princesa es afro americana y ciertos tópicos de los cuentos de hadas están reformulados de manera irónica para generar complicidad con los adultos. Así y todo, la protagonista podría ser una digna descendiente de Cenicienta o la Bella Durmiente, si no fuese por su carácter templado que la convierte en una heroína valiente y combativa.

La joven Victoria (The Young Victoria)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Gran Bretaña
Dirección: Jean-Marc Vallée
Guión: Julian Fellowes
Intérpretes: Emily Blunt, Rupert Friend, Paul Bettany, Miranda Richardson
Fotografía: Hagen Bogdanski
Edición: Jill Bilcock y Matt Garner
Música: Ilan Eshkeri
Duración: 105 minutos

por David Obarrio

Todavía se puede usar una palabra acuñada hace más de cincuenta años para designar a películas como La joven Victoria. Mientras no se invente otra, esa sigue funcionado. La palabra es qualité y su genial torsión consiste en señalar, mediante una oportuna inversión del signo, el mal en el corazón mismo de lo que se presenta como virtud. Cabalgando en su propia irrelevancia, en su completa falta de misterio, la película de Jean-Marc Vallée encuentra su forma, un credo con el que salir a flote y simular, en medio de las olas, una cierta dignidad, una fachada de sobriedad con la que el capital acostumbra a revestir a algunos productos: corrección. A partir de allí, la película responde, obedece, ejecuta. Es un cuerpo inerme, un breve objeto sin brillo al que el nombre de Martín Scorsese, estampado en el afiche, presta un poco de su prestigio envejecido como si se tratara de un don, un antiguo fulgor que solo por acostumbramiento es capaz de comunicar algo de un calor que la película no acierta en verdad a encontrar por sus propios medios.

Les Amours d’Astrée et Céladon

Año: 2007
Origen: Francia, Italia, España
Dirección: Eric Rohmer
Guión: Eric Rohmer
Intérpretes: Andy Gillet, Stéphanie Crayencour, Cécile Cassel
Fotografía: Diane Baratier
Edición: Mary Stephen
Música: Jean-Louis Valéro
Duración: 109 minutos

A manera de homenaje tardío al maestro francés, acá les traemos una crítica sobre su última película proyectada en el Bafici 2009.

por Aníbal Perotti

En la primera imagen de la película, Rohmer nos informa lo que vamos a ver. Se trata de una adaptación de Astrée de Honoré d’ Urfé, un escritor que vivió en el tiempo de Enrique IV. Pero enseguida nos pone en guardia con respecto al marco temporal y espacial de la acción: los lugares no son los verdaderos, y la época es pura construcción. Este es el principio narrativo de la película, aventuras de personas engañadas por lo que ven (o creen ver). Terreno conocido en la vasta filmografía del director: errores, engaños sentimentales, fidelidad a un corazón o a una idea. La primera víctima de la trampa sutil de las apariencias es Astrée, que ama a Céladon pero sus ojos la traicionan cuando cree sorprenderlo besando a otra mujer. Hubiese bastado otro punto de vista sobre la escena para que viera que, en realidad, la estaba rechazando.

Acné

Año: 2008
Origen: Uruguay, Argentina, México, España
Dirección: Fernando Veiroj
Guión: Fernando Veiroj
Intérpretes: Alejandro Tocar, Gustavo Melnik, Verónica Perrotta
Fotografía: Bárbara Alvarez
Edición: Fernando Epstein
Música: Catriel Vildosola
Duración: 87 minutos

por Aníbal Perotti

Acné es una comedia fresca y ligera sobre la iniciación que responde a la tradición más pura del género. En este caso nos cuenta las tribulaciones de un adolescente judío de Montevideo en busca de su primer beso. Sin embargo, el planteo no es tan inocente como aparenta. A pesar de su corta edad, Rafa Bregman ya tuvo su primera relación sexual con una prostituta. Pero el primer beso en la boca se revela más difícil de obtener porque su hermosa compañera, la rubia Nicole, no se manifiesta sensible a sus avances. El protagonista tiene dos obsesiones con las que ocupa todo su tiempo: eliminar las pequeñas erupciones que aparecen en su rostro y dan título a la película, y ensayar el ansiado beso que provoca su desvelo y lo lleva a hacer un borrador con todo lo que cae bajo sus labios.

Sherlock Holmes

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Guy Ritchie
Guión: Michael Robert Johnson, Anthony Peckham, Simon Kinberg
Intérpretes: Robert Downey Jr, Jude Law, Rachel McAdams
Fotografía: Philippe Rousselot
Edición: James Herbert
Música: Hans Zimmer
Duración: 128 minutos

por Diego Maté

Sherlock Holmes ejerce una rara fascinación, podría decirse que totalmente inesperada después de ver lo que prometían los avances. Si bien la película de Guy Ritchie sigue la línea de reflote y aggiornamiento de personajes otrora exitosos tan en boga en la actualidad, Sherlock Holmes es bastante más que un mero producto de la fábrica de adaptaciones y remakes hollywoodense. Para empezar, es una relectura interesantísima del personaje de Holmes: al igual que otro famoso detective, Batman, o como el James Bond de Daniel Craig, este nuevo Holmes carga con una oscuridad y una densidad psicológica que resultan inquietantes. Poco queda de la entereza y la pulcritud moral del Holmes clásico: el de Robert Downey es frío y calculador, pero a diferencia del original, éste aplica todo su caudal de conocimientos muchas veces para su beneficio personal y, cosa curiosa (una marca del desencanto de los tiempos que corren, quizás), el interés por el saber y la ciencia de Holmes esta vez no es fruto de aspiraciones altruistas sino que se reducen a fines exclusivamente prácticos y resultan fruto del aburrimiento y la obsesión. Holmes, que parece tener una relación algo conflictiva con el resto de la sociedad, se encierra en su habitación o trabaja intensivamente en un caso para no tener que pensar: su mente no puede estar ociosa, acaso porque el distraerse implicaría tener que vérselas consigo mismo.

Halloween II

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Rob Zombie
Guión: Rob Zombie
Intérpretes: Sheri Moon Zombie, Chase Wright Vanek, Scout Taylor-Compton, Brad Dourif, Malcolm McDowell
Fotografía: Brandon Trost
Edición: Glenn Garland,  Joel T. Pashby
Música: Tyler Bates
Duración: 105 minutos

por Ezequiel Villarino

White Horse. Volvió Halloween de Rob Zombie: secuela que cumple durante los primeros minutos pero que decae estrepitosamente llegado el desenlace, el último film del otrora cantante del grupo White Zombie y portador de una figura que goza de cierto estatuto de autor dentro del cine de terror (título que actualmente puede ser adjudicado a cualquiera que más o menos reitere con coherencia una visión de mundo específica) supera a su predecesora en cuanto a escenas de shock se refiere, pero sin abandonar (nunca) el psicologismo y algún que otro pasaje de estética videoclipera que tanto afectaban a la primera parte. A saber: si en la remake Michael Myers devino fuerza asesina imparable todo se debió a la desgracia de haber sido criado por una familia bastante pavorosa.

La Tigra, Chaco

Año: 2008
Origen: Argentina
Dirección: Juan Sasiaín y Federico Godfrid
Guión: Juan Sasiaín y Federico Godfrid
Intérpretes: Guadalupe Docampo, Ezequiel Tronconi
Fotografía: Paula Gulco
Edición: Valeria Otheguy
Música: Daniel Godfrid
Duración: 80 minutos

por Ezequiel Boetti

Confieso que mís expectativas para con La Tigra, Chaco no eran demasiado auspiciosas. El preconcepto hablaba de una (otra) ópera prima que transcurre en ese inhóspito pueblo (ay!) del norte argentino a donde vuelve un joven luego de “varios años de ausencia”, que además de estrenarse en esa época donde los grandes producciones oscarizables de Hollywood invaden la cartelera que es enero, lo hace tres meses después de su estreno en La Plata (las malas lenguas hablaban de la obligatoriedad de esto último, condición indispensable para acceder a los subsidios del INCAA). Pero había un cabo suelto en mi prejuicio, un factor sin pertenencia al cosmos de esa lógica auto pergeñada. La exhibición de La Tigra, Chaco en el Malba y el Arte Cinema, espacios cuyas programaciones arrían la bandera de la calidad, el riesgo y la búsqueda constante por una plusvalía que supere la medianía imperante en los multicines, se convirtió en, parafraseando al cardenal Samoré, esa lucecita al final del túnel que iluminaba la posibilidad desde entonces aprensible de que estaba ante algo distinto, ajeno a las especulaciones previas y a la futurología que, lamentablemente, falla de forma cada vez más esporádica cuando de películas nacionales se trata. Pero el cine lo hizo de nuevo y esa lumbre suave y lejana se convirtió en una fulgorosa realidad: La Tigra, Chaco no sólo enaltece a la industria vernácula (e internacional, por qué no) convirtiéndose en uno de los máximos exponentes de 2010, sino que alcanza un nivel de pudoroso respeto, delicadeza narrativa y justeza temporal como pocas veces recuerdo en una película.

Matar a Videla

Año: 2009
Origen: Argentina
Dirección: Nicolás Capelli
Guión: Nicolás Capelli
Intérpretes: Diego Mesaglio, Emilia Attías, Felipe Colombo
Música: Iván Noble
Duración: 88 minutos

por David Obarrio

Es cierto que el título de la película parecía presagiar lo peor. Y lo peor ocurre, finalmente. Matar a Videla se merecería un uno sin posibilidad de apelación alguna. O un cero, si el cero fuera un número y se pudiera calificar a engendros como este con él (asumido ese déficit, debería inventarse algo equivalente que pudiera contabilizarse por debajo del uno para casos semejantes). Es que Matar a Videla viene a completar la inenarrable impostación de su tono con una cantidad de vicios y defectos que alcanzan a conformar una serie prácticamente infinita, irredimible. Matar a Videla es un campo minado en el que parece haberse trabajado con tanto esmero y enjundia que no se puede dar un paso sin que algo nos pegue de la cintura para abajo. Sí, de pronto se puede optar por la risa como paliativo, a expensas en verdad de las intenciones de la película y tratando de obtener alguna clase de beneficio inesperado en vista del magro rédito que su obligada visión tiene para ofrecernos. Pero es como si nos divirtiéramos mirando hacer piruetas al diablo: tarde o temprano nos damos cuenta y se nos congela la cara, de puro estupor, nomás.

Sobre Eric Rohmer

por Aníbal Perotti

Gusto por la belleza. El cine de Eric Rohmer es la política de autor en estado puro. La obra más programática de todo el cine francés. Un universo acotado de motivos y formas que el director supo reinventar en cada una de sus películas, logrando una articulación perfecta entre lo premeditado y la sorpresa, entre su concepción del espacio y del tiempo, entre la locura discreta de sus protagonistas, el temblor de la carne y la sensibilidad hacia la naturaleza. Una obra perenne compuesta de entrañables variaciones sobre la felicidad, la vida en pareja, la elección entre el matrimonio que amenaza el deseo y la aventura que pone en riesgo a la pareja. La moral ambigua y el gusto por la belleza.

Eric Rohmer

Enamorándome de mi ex (It’s Complicated)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Dirección: Nancy Meyers
Guión: Nancy Meyers
Intérpretes: Meryl Streep, Alec Baldwin, Steve Martin, John Krasinski
Fotografía: John Toll
Edición: Joe Hutshing, David Moritz
Música: Hans Zimmer, Heitor Pereira
Duración: 120 minutos

por Laura Gehl

Enamorándome de mi ex comienza con techos, uniformes tejas de color ladrillo es lo primero que se ve mientras corren los títulos, es una profecía: el techo es lo más alto a lo que va a llegar esta película. Es durante la primera hora en la que levanta vuelo y está muy bien: Jane y Jake (¿no existe la cacofonía en el inglés?) están divorciados hace unos diez años, tienen hijos grandes e independientes. Jake está casado con una mujer unos treinta años menor que él. Se sabe que Jane ha pasado años difíciles, que el divorcio no ha sido cosa sencilla y que la soledad pesa, y que más aún pesa esa joven y hermosa mujer del brazo de su ex marido con la que mantiene una cordial e hipócrita relación. No se sabe mucho de Jake y parece no importar demasiado. La fiesta de graduación de su hijo los junta en Nueva York y, alcohol mediante (en esta película, siempre que una mujer haga algo inesperado o impulsivo será bajo el efecto de alguna sustancia, como si se le rindiera homenaje a esa vieja excusa), los junta en una cama.

Asesino ninja (Ninja Assassin)

Año: 2009
Origen: Estados Unidos, Alemania
Dirección: James McTeigue
Guión: Matthew Sand, J. Michael Straczynski
Intérpretes: Rain, Naomie Harris, Ben Miles, Shô Kosugi
Fotografía: Karl Walter Lindenlaub
Edición: Gian Ganziano, Joseph Jett Sally
Música: Ilan Eshkeri
Duración: 99 minutos

por Diego Maté

El comienzo de Asesino ninja promete más de lo que la película alcanza a cumplir. Una escena inicial que está más cerca del terror y el gore que del cine de acción o artes marciales nos deleita con toda una galería de horrores (a saber: decapitaciones, desmembramientos o lisos y llanos descuartizamientos) que están perpetrados a base de pura artificialidad y exageración. Pero la felicidad hemoglobínica y ligera del comienzo se va agotar rápido, porque la película de James McTeigue (director de V de Vendetta) se va a dedicar a contar la historia trágica de Raizo y Kiriko y su infancia y adolescencia bajo la tutela del villano Ozunu. El otro polo narrativo lo forman Mika y Maslow, dos detectives que investigan a una milenaria organización de asesinos y que de a ratos ofician de dúo cómico que trata de aliviar algo de la tensión que acumulan las secuencias con los jóvenes. En varios momentos llegan a escasear las escenas de acción, y la película recae demasiado sobre los hombros de la pareja Mika-Maslow, sobre todo de ella, entonces uno no puede hacer otra cosa que esperar con ansiedad el próximo combate entre ninjas.

Cena de amigos (Le code a changé)

Año: 2009
Origen: Francia
Dirección: Danièle Thompson
Guión: Christopher Thompson, Danièle Thompson
Intérpretes: Karin Viard, Dany Boon, Emmanuelle Seigner, Christopher Thompson, Patrick Bruel
Fotografía: Jean-Marc Fabre
Edición: Sylvie Landra
Música: Nicola Piovani
Duración: 100 minutos

por Laura Gehl

Si uno se para delante del afiche promocional de Cena de amigos cree que se trata de una comedia de enredos maritales, pero sentado en la butaca del cine se encuentra con otra cosa. Cena de amigos narra mucho y nada: una pareja en aparente crisis planea una cena anual en la cual se invitan a hombres y mujeres conocidos por alguno de ellos; unos serán un poco amigos, otros serán oportunistas y otros sólo un lugar ocupado en la mesa. En ese menjunje de comensales habrá esposos y amantes, doctores y pacientes y secretos varios, aunque tampoco tan escabrosos.

Cinemarama Radio – Aviso

A nuestros queridos oyentes: los más consecuentes habrán notado la completa ausencia de la emisión del programa correspondiente al sábado pasado. El motivo por el cual no salimos al aire es tan insólito como inexplicable. Ni nosotros sabemos qué pasó, y mientras las autoridades de la radio no nos den alguna clase de respuesta no podemos tampoco contárselo a los oyentes. En fin, por el momento en eso estamos: sobre ascuas. No es que nos hayan cerrado la puerta en la jeta pero más o menos. No nos la abrieron, que vendría a ser casi lo mismo. Esperamos solucionar el malentendido a la brevedad y volver a compartir la tarde con ustedes. Los mantendremos al tanto. Gracias por escucharnos.

Cinemarama Radio

Media luna (Niwemang)

Año: 2006
Dirección: Bahman Ghobadi
Guión: Bahman Ghobadi
Origen: Irán, Irak, Austria, Francia
Elenco: Ismail Ghaffari, Allah Morad Rashtiani, Hedieh Tehrani, Golshifteh
Música: Hossein Alizadeh
Fotografía: Nigel Block, Chrighton Bone
Montaje: Hayedeh Safiyari
Duración: 107 minutos

por David Obarrio

Hasta hace algunos años los espectadores argentinos podíamos esperar con anticipada fruición la llegada de cualquier película que viniera de Irán. Se hablaba entonces de Kiarostami, Majid Majidi, Jafar Panahi o algún otro que se agregaba quizá a la lista. Es verdad que los directores de ese origen que conocíamos se reducían a un puñado de pocos nombres, un breve círculo dorado cuyas cifras se podían repetir fácilmente y que refulgía de modo particular entre los cinéfilos más o menos avisados. A la busca de cinematografías desconocidas y originales, capaces de proveer imágenes nuevas, contrahegemónicas, se la recompensaba con la incomparable sensación de asombro y frescura que surge de haber encontrado poco menos que un tesoro escondido. En Irán no se cocinaban solo regímenes teocráticos (en ese momento bastante moderados en comparación con el actual) sino también un cine sofisticado cuya extraña radicalidad solía correr pareja con su aparente sencillez y su enigmático, casi insultante despojamiento. Esos nombres olímpicos empezaron en algún momento a menguar de manera más bien indecorosa, sin embargo, y los estrenos de las películas rubricadas con sus firmas ralearon hasta prácticamente desaparecer.

Eden Lake

Año: 2008
Origen: Gran Bretaña
Dirección: James Watkins
Intérpretes: Kelly Reilly, Michael Fassbender, Tara Ellis
Fotografía: Christopher Ross
Edición: Jon Harris
Música: David Julyan
Duración: 91 minutos

por Ezequiel Villarino

Atención: se cuenta el final de la película

La euforia. Decir que el film dirigido por el inglés James Watkins narra la euforia de un cuerpo femenino no es algo absurdo: cuando las screaming queens se ahogan en alaridos y llantos y deciden abandonar la lucha por la supervivencia dando paso al pánico que las deja estáticas y abatidas, numerosos horror films potencian sus tensos y furibundos vaivenes centrándose en la capacidad física de esas protagonistas que hacen de sus últimos instantes de vida todo un choque de fuerzas antagónicas: sea cual sea el resultado final del conflicto, las mujeres sufrientes logran soportar el dolor provocado por todo tipo de adversidades. De allí el sentido de lo eufórico del caso: una euforia demasiado alejada de aquella referencia que implica una sensación de bienestar u optimismo, ya que Eden Lake es un trip que se estructura a partir del rabioso malestar y la profunda incertidumbre que se encarnan en los cuerpos, y que hace foco en ese otro significado que opera en relación a la capacidad de soportar el dolor provocando una imagen asombrosa de la figura femenina para superar obstáculos dentro de una situación perturbadoramente realista, hasta llegar a límites salvajes, brutales e inquietantes.

Balance Cinemarama 2009 – Segunda Parte

Como les habíamos prometido, acá está la última parte de nuestro balance 2009. Al igual que el año pasado, en esta segunda entrega no va a haber listas sino textos. La cosa es así: cada redactor escribió sobre una escena (o llegado el caso, varias) y además contó con la posibilidad de hacer un texto libre que estuviera relacionado de alguna manera (cualquiera, la que se le ocurriera) con este 2009 cinematográfico. Casi todos cumplieron a conciencia con el doble encargo, a excepción de un par de contreras (¡atrevidos!) que se resistieron y solamente escribieron sobre escenas. ¿Qué con qué se van a encontrar en este balance? Solamente con reivindicaciones apasionadas, reflexiones sesudas, pequeños brotes autobiográficos, extensas y obsesivas enumeraciones, análisis sobre las salas de cine de Buenos Aires, deseos navideños, reclamos acalorados, críticas a la crítica y hasta alguna que otra polémica en ciernes. Pasen y lean (y opinen, si gustan).