Dossier Petzold – Wolfsburg

Wolfsburg (Alemania – 2003)

Dirección: Christian Petzold
Guión: Christian Petzold
Intérpretes: Nina Hoss, Benno Fürmann

por Aníbal Perotti

Bajo la mirada de Petzold, Alemania es un país plagado de especuladores que no termina de liquidar los fantasmas de su pasado. La acción de su segunda película se sitúa de manera sugerente en la ciudad de Wolfsburg, donde la fábrica Volkswagen (que produjo el primer “coche del pueblo” a pedido de Hitler) instaló su casa central. El director posee un notable talento para revelar discretamente cómo la realidad del mundo contemporáneo resuena en mecanismos íntimos como la culpa y el deseo. La química que puede existir entre dos cuerpos se torna imposible a largo plazo en una sociedad dominada por el dinero, en la que todo individuo es más o menos deudor de otro. A pesar de su aparente frialdad, Wolfsburg es un drama profundamente emocional y complejo que elude los lugares comunes visuales con paisajes soleados, casi bucólicos. El drama contamina al mundo.

Dossier Petzold – La seguridad interior

El joven cine alemán de La escuela de Berlín es el más consistente, orgánico y moderno que ha dado Europa en el nuevo siglo. Christian Petzold es un emblema de esta nueva ola. El estreno de Bárbara, su última película, nos invita a repasar una filmografía que conjuga lo íntimo y lo político de manera sorprendente.

La seguridad interior (Die innere Sicherheit - Alemania – 2000)

Dirección: Christian Petzold
Guión: Harun Farocki, Christian Petzold
Intérpretes: Julia Hummer, Barbara Auer, Richy Müller

por Aníbal Perotti

La opera prima de Petzold es una película política y poética sobre la vida clandestina de un matrimonio de antiguos militantes de la Fracción del Ejército Rojo y su hija adolescente. El título remite a la expresión empleada en Alemania Federal para justificar la ferocidad de la lucha antiterrorista durante los “años de plomo”. Poro el director evita cualquier simplismo didáctico. La película no trata nunca el tema de manera frontal, sino evocando sus repercusiones en la unidad familiar con un distanciamiento melancólico digno de Antonioni.

Novedades

ÚLTIMAS CRÍTICAS

El gran Gatsby por Diego Maté / Pensé que iba a haber fiesta por David Obarrio / En trance por Karen Riveiro / En otro país por Aníbal Perotti / Leones por Aníbal Perotti / El nombre por Micaela Gorojovsky / La huésped por Diego Maté / De jueves a domingo por Karen Riveiro / Verano del 79′ por Karen Riveiro / ¿Quién mató a Mariano Ferreyra? por David Obarrio / La reconstrucción por David Obarrio / G.I. Joe: El contrataque por Diego Maté / Tabú por Aníbal Perotti / Mi novio es un zombie por David Obarrio / ¿Y si vivimos todos juntos? por Karen Riveiro / Elena por Aníbal Perotti / La nana por Diego Maté / Magic Mike por Karen Riveiro / Mamá por David Obarrio / Oz, el poderoso por Diego Maté / Hitchcock por Diego Maté / Villegas (2) por David Obarrio / Lo imposible por Karen Riveiro / Villegas por Diego Maté / Amour por AníbalPerotti / Los miserables por Diego Maté / Mala por David Obarrio / The Master por Julián Tonelli / Duro de matar: Un buen día para morir por Diego Maté / Siete psicópatas por Karen Riveiro / Django sin cadenas por David Obarrio

El gran Gatsby (The Great Gatsby)

Año: 2013
Origen: Australia, Estados Unidos
Dirección: Baz Luhrmann
Guión: Baz Luhrmann, Craig Pearce
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Isla Fisher
Fotografía: Simon Duggan
Música: Craig Armstrong
Edición: Jason Ballantine, Jonathan Redmond, Matt Villa
Duración: 140 minutos

por Diego Maté

El rayo verde. Siempre resultan seductoras las traiciones al original como la que perpetra Baz Luhrman. Para el director de Moulin Rouge el libro de Scott Fitzgerald es solo un barro con el cual formar otra obra suya, personal. El gran Gatsby es mucho más una película propia que una transposición (o, peor, que una “adaptación”): el director, para bien o mal, trabaja con materiales del cine y consigue un producto impensado para la literatura u otro lenguaje. Los problemas aparecen en la segunda parte, la que se ocupa especialmente de Gatsby; antes de su aparición, el relato es un frenesí de fiestas, alcohol y droga, un desborde puramente luhrmaniano que subyuga el ojo y lo atrapa con el barroquismo de los decorados, el vestuario, los objetos y, sin ir más lejos, con esa orgía permanente de cuerpos que, olvidados de su origen y su status, se dan cita repetidamente en las estancias dispuestas por un misterioso anfitrión que juega a las escondidas. Hasta ahí, en medio de una marea de gente que se agita frenética con los ritmos de la época, el director consigue un calibrado dispositivo fílmico que, en cierta medida, está condenado al fracaso: ninguna película puede ser tan libre como para prolongar indefinidamente esa celebración pagana sin rendir tributo en algún momento a los mandamientos narrativos.

Dossier Hong Sang-soo

A continuación pueden leer notas de toda la filmografía de Hong Sang-soo con sus catorce largometrajes, incluida la recientemente estrenada En otro país.

Películas

Dossier Hong – Woman is the Future of Man

Woman is the Future of Man (Yeojaneun namjaui miraeda – Corea del Sur – 2004)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Yoo Ji-tae, Kim Tae-woo, Seong Hyeon-ah

por Diego Maté

El futuro ya llegó. El título se ríe amablemente de las desventuras de Lee y Kim, dos amigos que se reúnen después de mucho tiempo cuando el segundo vuelve a Seúl. Profesor de arte y director de cine, los dos atraviesan momentos profesionales y afectivos muy distintos pero logran encontrarse en la evocación de un pasado que se revela cada vez más ambiguo y en cuyo centro refulge Sunhwa, novia de Kim y, tras su partida a Estados Unidos, amante de Lee. La camaradería masculina inicial enseguida deja lugar a acusaciones tardías y a mezquinas estrategias de seducción que solo redundan en el fracaso amoroso o en el desencanto. Como siempre en Hong, el trabajo y las profesiones (sobre todo, el oficio del cine) se muestran cada vez más accesorios frente a la tentación de la pasión: artistas respetables, aunque desconocidos, terminan por exhibir sus peores miserias y acaban por utilizar la autoridad y los recursos de sus puestos solo para obtener un rédito inmediato, como lo hace también el director con un bloqueo creativo de Woman on the Beach.

Pensé que iba a haber fiesta

Año: 2013
Origen: Argentina, España
Dirección: Victoria Galardi
Guión: Victoria Galardi
Intérpretes: Elena Anaya, Valeria Bertuccelli, Fernán Mirás, Esteban Bigliardi, Esteban Lamothe
Fotografía: Julián Ledesma
Música: Niño Josele
Edición: Alejandro Brodershon
Duración: 85 minutos

por David Obarrio

Historias breves. Pensé que iba a haber fiesta constituye una verdadera rareza en el panorama del cine argentino reciente. No me había convencido para nada Cerro Bayo, la anterior de Victoria Galardi (me debo su debut, Amorosa soledad, del que tengo apenas alguna vaga referencia), pero hay que decir que esta vez la directora se despacha con una película distinguida y refinada, que trabaja con un material voluble al que manipula con una gracia y una seguridad sorprendentes. La historia presenta a dos amigas que se relacionan problemáticamente con los hombres. Una está separada, tiene una hija adolescente y sostiene un noviazgo dudoso; la otra está sola y a los pocos minutos se engancha con el ex marido de la primera.

En trance (Trance)

Año: 2013
Origen: Gran Bretaña
Dirección: Danny Boyle
Guión: Joe Ahearne, John Hodge
Intérpretes: James McAvoy, Vincent Cassel, Rosario Dawson, Danny Sapani
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Música: Rick Smith
Edición: Jon Harris
Duración: 101 minutos

Atención: se revelan detalles de la trama

por Karen Riveiro

La nueva película de Danny Boyle no sólo trata sobre la hipnosis sino que es en sí misma un ejercicio del encantamiento y la seducción. Pero también es un film sobre engaños e ilusiones; un relato acerca del poder de construir imágenes para, una vez ahí dentro, dar paso libre a lo imprevisto. Así es como se revela, capa tras capa, el conjunto de hipótesis y enigmas que se deshacen al mismo tiempo en que los personajes dejan caer sus máscaras. Pero, más allá del ingenio y de lo atractivo del mundo de desconciertos en que nos sumerge En trance, hay una especie de sombra invisible que recorre las escenas e hilvana en silencio una segunda trama. Esa esencia transversal en que la película de Boyle encuentra un ritmo propio y que logra crear una hipnosis ciega e intensa a la vez no es otra que el deseo.

En otro país (In Another Country)

Año: 2012
Origen: Corea del Sur
Dirección: Hong sang-soo
Guión: Hong sang-soo
Intérpretes: Isabelle Huppert, Yu Jun-sang, Jung Yu-mi, Youn Yuh-jung
Edición: Hahm Sung-won
Fotografía: Park Hong-yeol, Jee Yune-jeong
Música: Jeong Yong-jin
Duración: 89 minutos

por Aníbal Perotti

Tres veces Anne. La película se compone de tres historias con leves variaciones en las que la protagonista evoluciona en un paisaje idéntico: un balneario coreano en temporada baja, con sus playas, cabañas y caminos desiertos. En cada segmento, Anne repite las mismas situaciones, invirtiéndolas, haciéndolas rimar o insertándolas en otras. El cineasta cuestiona el estatuto de las imágenes y sus fantasmas, alternando la intuición y la quimera, lo diáfano y lo extraño, las situaciones cómicas y su repetición. Hong Sang-soo hace cine un ligero, lúdico y sutil, que no busca el embellecimiento del plano. Bajo su apariencia simple, En otro país es una película enorme, misteriosa y emocionante.

Leones

Año: 2012
Origen: Argentina, Francia, Holanda
Dirección: Jazmín López
Guión: Jazmín López
Intérpretes: Julia Volpato, Macarena del Corro, Pablo Siga, Diego Vegezzi
Fotografía: Matías Mesa
Edición: Benjamín Domenech, Jazmín López
Duración: 83 minutos

por Aníbal Perotti

Jazmín López filma con seguridad y talento. Su ópera prima es audaz y experimental, una película de climas en la que resulta difícil resumir la “historia” sin revelar la clave y la resolución. Cinco amigos caminan en un bosque con un andar despreocupado, filmados casi siempre de espaldas. Los jóvenes son, ante todo, cuerpos en el espacio, presencias, proyectos de personajes. Los vínculos entre ellos son igualmente misteriosos, y el ambiente, de una extrañeza inquietante, nos sitúa al borde de lo fantástico. La película por momentos estremece: en el bosque abundan sonidos y variaciones luminosas que provocan una tensión permanente entre lo trivial y lo sobrenatural, entre los impulsos de vida y muerte, entre estar arriba o debajo de la línea de flotación en la escena acuática. Las hojas y las ramas producen sonidos confusos, a veces de manera brusca, como si la realidad se quebrara. Para confirmarlo está el partido de vóley que cita a Blow up de Antonioni, aunque en este caso la pelota invisible esté sutilmente sonorizada.

Dossier Hong – Nobody’s Daughter Haewon

Nobody’s Daughter Haewon (Nugu-ui ttal-do anin Haewon – Corea del Sur – 2013) 

Dirección Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Jung Eun-chae, Lee Sun-kyun, Yu Jun-sang, Ye Ji-won, Jane Birkin

por Aníbal Perotti

Haewon y los hombres. Haewon es una estudiante de excepcional belleza. Todo el mundo la quiere: su madre, su amante e incluso los desconocidos que la cruzan por la calle. La joven tiene una relación sentimental complicada con su profesor de cine, un director casado que enseña en la universidad. Como no parece haber hombres insensibles a su encanto, otros encuentros masculinos surgirán inevitablemente, a veces en los mismos lugares, generando rimas y repeticiones. Pero la chica tiene la cabeza en otra parte: sueña, vuelve sobre sus recuerdos, escribe en su diario y fantasea con nuevos encuentros. Haewon se siente cortejada y deseada, pero no por eso menos sola.

La Dinastía Scorpio – El mató a un policía motorizado

Después del show del viernes 3 de mayo en La Trastienda dentro del marco de la gira de La Dinastía Scorpio, acá pueden leer una crítica sobre el último disco de El mató a un policía motorizado.

Intérprete: El Mató a un Policía Motorizado
Disco: La Dinastía Scorpio
Sello: Laptra
Músicos: Santiago Motorizado (bajo y voz), Doctora Muerte (batería), Pantro Puto (guitarra), Niño Elefante (guitarra) y Chatrán Chatrán (teclados)

por Pilar González

 “Once canciones que recorren un nuevo universo. Pop post-apocalíptico, chicas de oro, rock de guitarras, cuerpos misteriosos, el nuevo magnetismo, mujeres bellas y fuertes, kraut de las afueras y turbas iracundas”. De esta acertada manera definen su nuevo trabajo El Mató a un Policía Motorizado, el primero de estudio, que busca exorcizar ese sonido low-fi que pareciera ser tan característico de algunas bandas de La Plata. Luego de la trilogía de EPs integrada por Navidad de reserva, Un millón de euros y El día de los muertos –tres discos que referidos al nacimiento, la vida y la muerte respectivamente– llegó el turno de la maduración artística del grupo.

Dossier Hong – Tale of Cinema

Tale of Cinema (Geuk jang jeon – Corea del Sur – 2005)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Kim Sang-kyung, Lee Ki-woo, Uhm Ji-won

por Diego Maté

Esta vez es el cine el que conecta los fragmentos disímiles que suelen conformar las películas de Hong Sang-soo. El reencuentro de Sangwoon con Yongsil y su posterior intento fallido de suicidio habrá de revelarse como un film del director Yi Hyoungsu, inspirado a su vez en un hecho de la vida de Tongsu, su amigo. La primera parte propone un leve tono de comedia adolescente que es capaz de procesar en clave de humor hasta una dura escena de drama familiar; incluso el pobre resultado del suicidio funciona, por obra del montaje, como un chiste que descontractura cualquier posible remisión a una tragedia adolescente. Como en otras ocasiones, Hong no trata de explicar a sus personajes ni de analizar sus motivos: los dos jóvenes acuerdan morir juntos sin una causa a la vista; no hay causas pero, eso sí, el azar de la ciudad conspira para empujarlos hacia su objetivo: tras dudar del plan de Yongsil, Sangwoon escapa raudo en un taxi pero los dos se dirigen, sin saberlo, al mismo lugar, lo que producirá una suerte de confirmación misteriosa, casi divina y ridícula al mismo tiempo, de la fatalidad del destino.

El nombre (Le prénom)

Año: 2012
Origen: Francia
Dirección: Alexandre de La Patellière, Mathieu Delaporte
Guión: Alexandre de La Patellière, Mathieu Delaporte
Intérpretes: Patrick Bruel, Valérie Benguigui, Charles Berling, Guillaume de Tonquedec, Judith El Zein, Françoise Fabian
Fotografía: David Ungaro
Música: Jérôme Rebotier
Edición: Célia Lafitedupont
Duración: 109 minutos

por Micaela Gorojovsky

El nombre es una adaptación para cine de una obra de teatro homónima con mucha convocatoria estrenada en 2010, dirigida e interpretada por los mismos autores y actores, que evoca esos fenómenos teatrales que duplican su versión en la gran pantalla pero que en el pasaje de un lenguaje a otro mantienen su estructura casi intacta (como sucedió en su momento con Mi gran casamiento griego que, por otra parte, fue un intento mejor logrado). Por esas cuestiones virales que tienen los éxitos, por estos días se estrena la adaptación porteña en teatro, bajo la dirección de Arturo Puig.

La huésped (The Host)

Año: 2013
Origen: Estados Unidos
Dirección: Andrew Niccol
Guión: Andrew Niccol
Intérpretes: Saoirse Ronan, Diane Kruger, Phil Austin, William Hurt
Fotografía: Roberto Schaefer
Música: Antonio Pinto
Edición:  Thomas Nordberg
Duración: 125 minutos

por Diego Maté

La última película de Andrew Niccol parece un producto más o menos prolijo, apenas efectivo, un intento de ciencia-ficción edulcorado con un mensaje lo suficientemente amplio y comprensible como para garantizar su llegada a un público masivo al precio de cancelar cualquier clase de particularidad o búsqueda nueva. La huésped puede aburrir pero nunca molestar; las superficies lustradas y brillantes del colonizado (y mejorado) planeta Tierra representan fielmente el recorrido ascéptico que propone el relato: un análisis somero de las bondades y desgracias de la humanidad y de las “almas” (los extraterrestres que invaden los cuerpos y las mentes) y un posterior balance que organiza en términos de debe y haber los atributos del hombre.

Dossier Hong – Oki’s Movie

Oki’s Movie (Corea del sur – 2010)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Lee Sun-kyun, Jung Yu-mi, Moon Sung-keun

por Aníbal Perotti

Oki’s Movie está formada por cuatro historias, cuatro miniaturas de una precisión conmovedora, cuatro relatos similares conectados de forma dispar que sugieren la idea de un eterno comienzo. En cada uno de ellos, encontramos al mismo trío: un profesor universitario, un estudiante devenido director de cine y la joven Oki. Cada segmento tiene su punto de vista fijo e inalterable, los planos se repiten pero los zooms y los encuadres hacen variar las perspectivas frente al tema. Una vez más, Hong Sang-soo elige un microcosmos que conoce muy bien: un planeta minúsculo poblado de cineastas independientes, profesores ególatras y estudiantes tímidos o volubles. Su enorme capacidad para poner en juego las relaciones humanas como material destacado, hace que disfrutemos con la contemplación de lo que sucede en cada escena, con la circulación que se produce entre los distintos capítulos y con el humor sutil y eficaz que se desprende de cada minúscula catástrofe.

Dossier Hong – The Day He Arrives

The Day He Arrives (Book-chon bang-hyang – Corea del Sur – 2011)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Yu Jun-sang, Kim Sang-joong, Song Sun-mi, Kim Bok-yung

por Aníbal Perotti

Una película apacible, sutil y placentera no es necesariamente una película menor. Hong Sang-soo está ahí para probarlo desde hace más de diez años. Su cine es evidente y deslumbrante al mismo tiempo. Su obra, de una coherencia temática y estilística única, está compuesta por páginas arrancadas de un diario íntimo. Sus películas están atravesadas por las mismas ideas, las mismas obsesiones y los mismos elementos narrativos. La exquisita dirección de actores, la escritura a la vez sentimental, precisa y ligeramente irónica y la puesta en escena discreta y elegante permanecen inalterables en toda su filmografía. Sin embargo, cada película renueva el encanto. El día que llega él es una de sus películas más simples y tal vez en eso resida su encanto inmediato y su grandeza. Hong Sang-soo es un cineasta que hace de la fragilidad de producción, su fuerza estética y narrativa.

Dossier Hong – Like You Know It All

Like You Know It All (Jal aljido motamyunseo – Corea del Sur – 2009)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Kim Tae-woo, Uhm Ji-won, Ko Hyun-jung

por Aníbal Perotti

A esta altura de su filmografía, Hong Sang-soo ha creado un universo autónomo con personajes propios, situaciones y lugares reconocibles, conversaciones triviales, comidas y bebidas, encuentros y desencuentros. Cada vez que nos sumergimos en su mundo, el tiempo se detiene y da lo mismo que sea un corto o una película de tres horas. Su puesta en escena posee un sutil equilibro que le permite mantener el interés sin apelar a música incidental, efectos especiales, ni bellas imágenes. La misma declaración de principios que sostiene el protagonista de Like You Know It All, su película más cómica, fluida y ligera hasta el momento.

Dossier Hong – Hahaha

Hahaha (Corea del Sur – 2009)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Kim Sang-Gyeung, Yu Jun-sang, Moon So-ri

por Aníbal Perotti

Como su título da a entender, Hahaha es una comedia: la historia de dos amigos que se cuentan sus amores de vacaciones sin darse cuenta de que hablan de la misma chica. Los dos se reúnen alrededor de una mesa llena de botellas y desgranan sus recuerdos, un torbellino de emociones fugaces, al ritmo del “chin chin”. Uno es profesor desempleado y cineasta sin películas en su activo; el otro es el padre inmaduro de una familia que nunca veremos. La pequeña ciudad portuaria de Tongyeong sirve de marco estival común para las historias. La película se construye sobre la división de lugares, personas y objetos que se encuentran en los dos relatos, con el azar queriendo que los narradores no se crucen en sus recorridos.

Dossier Hong – Night and Day

Night and Day (Ban gua nat – Corea del Sur – 2008)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Kim Yeong-hon, Lee Seon-gyun, Hwang Su-jeong

 por David Obarrio

El naturalismo distinguido de Night and Day es la marca de agua con la que Hong Sang-soo refleja los enredos afectivos de sus personajes, ese esquema tejido con sutileza y tenacidad de película en película. Un pintor llega de Corea del Sur a París sin conocer absolutamente a nadie. El tipo va a vivir a una pensión, regenteada y habitada por compatriotas, y por una conversación telefónica que mantiene con su mujer en Seúl nos enteramos de que lo que lo llevó al exilio es alguna clase no demasiado importante de contratiempo con la ley. En la capital francesa parece haber un núcleo cerrado de visitantes coreanos por donde circulan el afecto y los malosentendidos. El protagonista se asoma a ese mundo como un extranjero, un viajero perdido.

Dossier Hong – Woman on the Beach

Woman on the Beach (Haebyeoneui Yeoin – Corea del Sur – 2006)

Dirección: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Intérpretes: Kim Seung-woo, Go Hyun-jung, Song Seon-mi

por Diego Maté

Geografía sentimental. Hong Sang-soo demuestra ser un entomólogo fuera de lo común, con el raro talento de diseccionar a sus criaturas sin que estas pierdan la vitalidad y el movimiento. Woman on the Beach es un muestrario de placeres y sinsabores románticos: si uno no conoce nada de Corea del Sur, viendo la película puede pensar que los coreanos se dedican solo a comer, tener sexo y a pergeñar engaños amorosos. El disparador de la trama (un bloqueo creativo) es rápidamente olvidado por los protagonistas y el hecho de irse afuera, a la playa, bien lejos del ruido de la ciudad, se convierte enseguida en una excusa para los juegos románticos. Digo juego porque de eso se trata, más o menos, Woman on the Beach: de un cineasta que, jugando amablemente con sus personajes, ensaya cruces, los pone en situaciones incómodas, les deja un espacio para redimirse.

De jueves a domingo

Año: 2012
Origen: Chile
Dirección: Dominga Sotomayor
Guión: Dominga Sotomayor
Intérpretes: Santi Ahumada, Emiliano Freifeld, Paola Giannini, Francisco Pérez-Bannen
Fotografía: Bárbara Álvarez
Música: Diego Fontecilla, Elisa Arteche
Edición:  Danielle Fillios, Catalina Marín
Duración: 96 minutos

por Karen Riveiro

De jueves a domingo es una película como esas que uno tiene grabadas en su mente, sólo que en forma de recuerdos. Los viajes, de la mano de los eternos juegos de adivinar colores, peleas con hermanos, aburrimiento y sándwiches de pan lactal, tienen toda una estética que Sotomayor recrea con suma calidad y fluidez. Lo particular se encuentra aquí en que los padres de esta familia de viajantes están casi a punto de separarse, y la tensión entre ellos ya es imposible de esconder. Lucía, la hija mayor de ambos, observa cómo se acercan, se alejan e interactúan con otras personas, con la sensibilidad y la desesperación por entender el funcionamiento de las relaciones típicos de una niña de su edad.

Bafici 2013 – I Used to be Darker

I Used to be Darker (Estados Unidos – 2013)

Dirección: Matt Porterfield
Guión: Amy Belk, Matt Porterfield
Intérpretes: Deragh Campbell, Hannah Gross, Ned Oldham, Kim Taylor

 por Karen Riveiro

Taryn (Deragh Campbell) llega a la casa de sus tíos en Baltimore y, con ella, I Used to be Darker desplaza su mirada. Lo que antes se circunscribía alrededor de la angustia de una joven con un embarazo indeseado, ahora se expande en un hogar que todavía padece el dolor en cada rincón vacío. El divorcio de un matrimonio y el clima de peleas y silencios se convierten, al traspasar el umbral de esa casa en Baltimore, en un escenario que Taryn ya no ocupa como protagonista sino más bien como mirada predominante. Entonces, todo se observa desde la perspectiva de un extraño: el odio, las angustias ocultas, la tristeza, la soledad, el silencio de una casa enorme. Así, y con enorme sutileza y sensibilidad, I used to be darker va dibujando esa forma de sus personajes de expresar el dolor y que es en realidad una manera de estar y de refugiarse en los espacios.

Bafici 2013 – Locaciones: Buscando a Rusty James

Locaciones: Buscando a Rusty James (Chile – 2012)

Dirección: Alberto Fuguet
Guión: Alberto Fuguet

por Diego Maté

Un ensayo sobre una patria cinéfila (aunque mejor sería hablar de las patrias, porque seguramente existan tantas como hay cinéfilos y películas adoradas) pide sí o sí la presencia del autor, que haya un cuerpo dispuesto que justifique esa incursión a una tierra cuya geografía es más sentimental que artística. Alberto Fuget lo hace, su película es el relato personal de la importancia que tuvo para él y para su formación (como escritor, como sujeto) La ley de la calle. Y lo hace a través de una voz en off que habla en primera persona pero, y esto es fundamental, nunca se menciona a sí mismo. Lo mismo ocurre con los entrevistados, entre los que figuran otros escritores como Fabián Casas, cineastas como Ezequiel Acuña y críticos como Diego Trerotola, Leonardo D’Espósito y Juan Manuel Domínguez; sus nombres y de los otros que prestan testimonio hay que buscarlos en los créditos, porque nunca aparecen durante el metraje.

Bafici 2013 – Berberian Sound Studio

Berberian Sound Studio (Gran Bretaña – 2012)

Dirección: Peter Strickland
Guión: Peter Strickland
Intépretes: Toby Jones, Cosimo Fusco, Fatma Mohamed

por Aníbal Perotti 

La película ganadora del mayor premio del festival es un thriller psicológico, estilizado y ambicioso que pretende esclarecer la relación entre un arte demostrativo y la imaginación a la cual recurre. En el comienzo, Berberian Sound Studio fascina por su maestría formal, por su atmósfera claustrofóbica y por todo lo que nos revela sobre las técnicas sonoras. Un ingeniero de sonido británico viaja Roma para trabajar en una película de terror. Peter Strickland no muestra una sola imagen de la película que se sonoriza ante nuestros ojos. El director nos pone del lado del pequeño inglés, un gnomo marrón, tímido y contenido, que arregla las voces pero le molesta lo que ve en la pantalla.

Bafici 2013 – La Paz

La Paz (Argentina – 2013)

Dirección: Santiago Loza
Guión: Santiago Loza
Intérpretes: Lisandro Rodríguez, Andrea Strenitz, Fidelia Batallanos Michel, Ricardo Félix

por Micaela Gorojovsky

En su nueva película el cordobés Santiago Loza construye un relato dividido en secciones que acompañan el devenir de la vida de Liso, un chico que sale de una internación psiquiátrica, hasta llegar al último de ellos, “La Paz”, que no sólo se trae a cuento como un lugar geográfico sino como un estado en la vida del protagonista. La puesta en escena del entorno de Liso parecería querer justificar su inestabilidad emocional y su inercia en la vida. Papá y Mamá: gente “bien” que no vive al día, casa con un hermoso jardín, perro y una pileta. Mamá le da órdenes a la doméstica, arregla las flores, fuma como un escuerzo, pinta naturalezas muertas y fomenta la endogamia de su hijo. Papá maneja una empresa, tiene una afición por el tiro al blanco y pretende arreglar los problemas del nene- los cuales niega -con plata. Las mujeres para Liso son otro de sus obstáculos, le prestan su cuerpo pero nunca quieren comprometerse sentimentalmente con él por miedo a sus brotes o a ser lastimadas. Los únicos oasis para el protagonista son su abuela y la mucama boliviana que trabaja en su casa –cabe destacar el preciso y emotivo trabajo de ambas actrices– que lo hacen sentir un poco menos fuera del mundo.

Bafici 2013 – Hawaii

Hawaii (Argentina – 2013)

Dirección: Marco Berger
Guión: Marco Berger
Intérpretes: Manuel Vignau, Mateo Chiarino, Mercedes Quinteros

Por Micaela Gorojovsky

El tercer largometraje de Marco Berger acompaña el veraniego e idílico reencuentro de dos hombres. En sintonía con sus películas anteriores, Plan B y Ausente, el universo del director traza las constelaciones del corazón de los personajes y sus odiseas de seducción plagadas de dudas e inseguridades. Hawaii  reafirma la poética bergeriana en la que el lenguaje corporal y los mismos cuerpos se postulan como los recursos narrativos por excelencia. No se trata de la ductilidad de los actores, de los diálogos que mantienen, ni del relato que estructura la película, sino de esos cuerpos que delimitan un universo masculino, casi de palestra griega, pero que al mismo tiempo destilan una sensibilidad asociada a lo femenino; una mixtura que funciona como el contrapunto del estereotipo de macho y niega esa premisa para la cual los hombres son fuertes bestias y las mujeres delicadas ninfas.

Bafici 2013 – Premios

Acá pueden leer notas sobre las películas argentinas e internacionales premiadas en distintas secciones:

Competencia Argentina

. Mejor Película: La Paz, de Santiago Loza

. Mejor Director: Raúl Perrone, por P3ND3JO5

. Mención Especial: El loro y el cisne, de Alejo Moguillansky

Competencia Internacional

. Mejor película: Berberian Sound Studio (Gran Bretaña), de Peter Strickland

. Premio Especial del Jurado: Leones (Argentina), de Jazmín López

. Mejor Director: Matt Porterfield, por I Used to be Darker (Estados Unidos)

. Mejores actrices: María Villar, Agustina Muñoz, Elisa Carricajo y Romina Paula, por Viola (Argentina), de Matías Piñeiro

. Mejor actor: Francesco Carril, por Los ilusos (España), de Jonás Trueba

. Mención Especial: Playback (Suiza), de Antoine Cattin y Pavel Kostomarov

Premio del Público

. Mejor película argentina: Ramón Ayala, de Marcos López

Bafici 2013 – Gebo et l’ombre

Gebo et l’ombre (Francia, Portugal – 2012)

Dirección: Manoel de Oliveira
Guión: Manouel de Oliveira
Intérpretes: Michael Lonsdale, Claudia Cardinale, Ricardo Trepa, Leonor Silveira, Jeanne Moreau

por Aníbal Perotti 

No deja de sorprender la notable capacidad de Oliveira para hacer cine a partir de una obra de teatro. La película transcurre casi en su totalidad dentro de la casa de Gebo, en una única habitación. El cineasta utiliza las entradas y salidas de los personajes a través del decorado para traducir verdades que no son perceptibles de manera frontal. Con un trabajo basado en cambios de eje y, sobre todo, en una extraordinaria conciencia del espacio, se pone en cuestión la apariencia de lo que vemos o entendemos.

Bafici 2013 – A última vez que vi Macao

A última vez que vi Macau (Francia, Portugal – 2012)

Dirección: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata
Guión: João Pedro Rodrigues, João Rui Guerra da Mata
Intérpretes: Cindy Scrash, João Rui Guerra da Mata, João Pedro Rodrigues

por David Obarrio

La nueva película de João Pedro Rodríguez (codirigida junto a João Rui Guerra da Mata) es un prodigio de economía y misterio. Un hombre llamado João arriba a la ciudad de Macao, antigua colonia portuguesa actualmente bajo la órbita del gigante chino, con el fin de encontrarse con un viejo amigo. El primer plano de la película, antes de los títulos y de que la historia esté planteada, es también el primer enigma con el que se topa el espectador: un travesti hace la mímica sobre una canción grabada mientras unos tigres se pasean rugiendo a sus espaldas. La Macao que presenta Rodrígues es un territorio que parece suspendido como en un estado de trance, una ciudad mitificada por el cine y situada en ese borde inquietante que separa el ensueño de la alucinación.

Bafici 2013 – Animals

Animals (España- 2012)

Dirección: Marçal Forés
Guión: Marçal Forés, Enric Pardo, Aintza Serra
Intérpretes: Oriol Pla, Roser Tápies, Martin Freeman

por Karen Riveiro 

Animals es una película extraña, visualmente impactante y —si bien cuenta entre sus protagonistas a un simpático y tierno oso de peluche— bastante oscura. La historia se centraliza en Pol, un adolescente introvertido y solitario cuyos días consisten en ir a la escuela, tocar la guitarra y pasar tiempo con su amigo Deerhoof, el oso de peluche parlante que además es su baterista. El film de Marçal Forés construye con ellos un mundo desgarrado, dividido, a la vez surrealista y trágico, en cuyo seno chocan una serie de opuestos que se representan en distintos personajes y naturalezas.

Bafici 2013 – Viola

Viola (Argentina – 2012)

Dirección: Matías Piñeiro
Guión: Matías Piñeiro
Intérpretes: María Villar, Agustina Muñoz, Elisa Carricajo, Romina Paula, Gabi Saidón, Laura Paredes

por Diego Maté

Lindas, lindas, lindas. Como en todas las películas de Matías Piñeiro, aquí los personajes también juegan. Alguna vez, ese juego estuvo condensado en la lectura en voz alta de la Historia y en su opaca inserción en el presente; desde Rosalinda, su película anterior, el juego consiste en leer (también en voz alta) a Shakespeare y en actuar. Piñeiro parece más embelesado que nunca con sus actrices, ya sean las eternas María Villar y Romina Paula o las más nuevas Agustina Muñoz y Laura Paredes. El director de Todos mienten las filma de cerca y captura la belleza microscópica que se esconde en un gesto, una marca o una leve arruga que apenas se insinúa. La escena en el camarín después de la obra y la siguiente en la casa de Sabrina llevan a pensar que a la película no le interesa otra cosa que filmar chicas lindas hablando de novios, romances y amor, y por momentos pareciera que la historia fuera solo una excusa para poner a las actrices frente a una cámara y ahogarlas lentamente a fuerza de primerísimos primeros planos.